sábado, mayo 31, 2008

VECINOS DEL MONTÓN

"Y perdí la cabeza, y toqué pronto fondo, y se fue un pescador al son del cante jondo.
Yo miraba al castillo y me creía Fran' Ka'ka, y escribí una canción que acabé en una tasca.
Pudo ser un amor del montón, pero todo el montón era mío."



Como acabo de descubrir subiendo por mi calle que Antonio Luque, líder de Sr. Chinarro, es vecino mío -se ha mudado aquí desde su Sevilla natal-, pincho este youtube de un videoclip suyo, DEL MONTÓN (el que canta en el clip es un actor, no él).


Un dibujo que hice hace siete años para ilustrar un artículo sobre Sr. Chinarro (practicando por entonces con los filtros del photoshop, en efecto). Los que estén en la franja de edad adecuada recordarán perfectamente quién era el tal Sr. que da nombre la grupo.

EL HÉROE CÍVICO

En 1973, Antonio Martín, director editorial de Eduradit, que había puesto en marcha una colección de libros de humor gráfico dedicados a parodiar personajes de la cultura popular, le hace un encargo muy especial. "Lo hice de prisa y corriendo, con un rotring sobre folios de papel normal. En realidad, pasó un tiempo antes de que cayera en la cuenta de que el personaje tenía posibilidades". Sí, Jan está hablando de Superlópez, que nació en el número 2 de la colección Humor del siglo XX, una parodia del superhéroe clásico Superman, inicialmente dibujada en gags mudos de varias viñetas.

En 1973, ante las pocas ofertas editoriales del momento, Jan aterriza en Bruguera, al principio en el Departamento de Publicaciones Infantiles y Juveniles, especializado en la edición de cuentos, recortables y libros, entre otras producciones, donde le encargarán algunas ilustraciones interiores de Las vacaciones de Mortadelo, un álbum de cromos. En 1974, compaginará su colaboración en el citado departamento con el dedicado a revistas periódicas, dibujando las primeras páginas de series como Doroteo y Felipe el Gafe. Ese mismo año Bruguera empieza a publicar historietas de una o dos páginas de Superlópez, recuperado por Jan, pero con guiones escritos, entre otros, por Conti y por Francisco Pérez Navarro. Será con este último con quien, ya en 1978, iniciaría la publicación continuada primero de historietas cortas y luego de las primeras aventuras largas: "Fui yo quien lo impuse cuando comenzamos con la historias de ocho páginas; entonces, de hecho, trabajaba directamente para mí". Tras los tres primeros álbumes, Jan emprende la realización en solitario de Superlópez en 1980; ¿por qué?: "Fue una necesitad. Yo ya era consciente de que debía trabajar con mis propias ideas, más enfocadas al mundo real que me rodeaba que al de los superhéroes, que no existen más que como referencia a un tipo de cultura norteamericana, o sea, no nuestra". En efecto, Jan se dedicó en cuerpo y alma a Pulgarcito entre 1981 y 1982, pero un año después, con la aventura "Los cabecicubos", Superlópez se convierte en su principal creación, hasta hoy mismo.


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Rescato este extracto de la entrada dedicada a Jan en el libro de Antoni Guiral LOS TEBEOS DE NUESTRA INFANCIA. LA ESCUELA BRUGUERA (1964-1986), a cuento del artículo que escribe hoy el mismo Guiral en la sección de Cómic del suplemento ABCD LAS ARTES Y LAS LETRAS. El artículo se titula EL HÉROE CÍVICO y conmemora el 35º aniversario de Superlópez.

PARECE QUE SERÁ MUY FIEL AL CÓMIC

Hay fans a ultranza que sólo quedarán satisfechos con una recreación del cómic palabra-por-palabra, línea-por-línea, escena-por-escena. No creí que eso fuera a pasar nunca. Ciertamente, por lo que he visto de la película, parece que será una buena película y muy fiel al cómic. Si no es así, no habrá sido por no querer intentarlo. Todo el mundo está usado la novela gráfica como su biblia, y realmente están haciendo lo mejor que pueden para rendirle tributo, creo.

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Dave Gibbons, entrevistado en Den of Geek . Más:
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¿Qué piensas de la decisión de Alan Moore de retirarse de los créditos de Watchmen?

La eliminación de Alan de los créditos ha sido totalmente a petición suya. Respeto su derecho a que su nombre no figure en la película si no quiere. (...) Estoy contento de que mi nombre esté en ella; Alan y yo, aunque somos amigos -y realmente espero que durante todo esto sigamos siéndolo-, somos dos personas diferentes; tenemos nuestras propias experiencias, y cada uno tiene una posición diferente.

Supongo que lamento que él no pueda encontrar algún modo de dejar su nombre en la película, pero es su decisión y la respeto. Siento de veras que lo que empezó siendo tan provechoso creativamente haya llegado a un punto en el que no pueda ser "Por Alan Moore y Dave Gibbons"... En un mundo ideal, me gustaría que fuese así.

jueves, mayo 29, 2008

PREMIOS JUNCEDA 2008


Rafa Castañer, Pere Ginard y Laura Ginés han sido premiados en los premios de ilustración JUNCEDA por su trabajo de animación para el videoclip LA RISA FUNESTA de Standstill (arriba). Entre los premiados también está Miguel Gallardo en la categoría de Libro infantil no ficción por su trabajo en ENSÉÑAME A SER FELIZ, y Sonia Pulido en la de Libro de adulto ficción por CROMOS DE LUXE. Pego la nota de prensa completa:
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Estimados amigos y amigas,

Tenemos la satisfacción de informaros de quiénes son los ganadores de los Premios Junceda 2008. El jurado está formado por siete miembros: Oblit Baseiria, Ed, Sebastián García Schnetzer, África Fanlo, Toni Micó, Pati Núñez y Carles Porta.

Desde el año 2003, los Premios Junceda tienen como objetivo reconocer la labor de los ilustradores que trabajan en Catalunya en todos sus ámbitos (infantil, juvenil, divulgativo...) y soportes (prensa, libros, multimedia...).

Estos son los ganadores de la sexta edición de los Premios Junceda en sus 15 categorías, con las razones principales por las que han sido escogidos por el jurado:

GANADORES DE LOS PREMIOS JUNCEDA 2008


ANIMACIÓN: Rafa Castañer, Pere Ginard y Laura Ginés por el videoclip de Standstill La risa funesta
“Por la multiplicidad de recursos aplicados en la sincronía de la música”

MULTIMEDIA
David Maynar por Sant Quirze Qualitat por Marinva, joc i educació
“Por la didáctica e interacción”

CIENTÍFICO
Estudi Alademosca por Salud bucodental y embarazo de Laboratorios Lacer
“Por la perfección técnica y la capacidad descriptiva”

PUBLICIDAD
Marta Zafra por Picnic Productora
“Porque te lo comerías todo”

EDICIÓN
Elenio Pico por Matemáticas 3
“Por su capacidad de sorprender”

PRENSA Y REVISTAS
Ex aequo
Alma Larroca por Casa Viva
“Se ha creado un lenguaje singular utilizando hábilmente texturas del mundo del interiorismo”
Carmen Segovia por Dossier 22 de La Vanguardia
“Por la capacidad de transmitir la profundidad de sus personajes”

CÓMIC
Pau Masiques por Marxa Fúnebre de la editorial Fràgil
“Por la fuerza primitiva de las imágenes”

LIBRO DE TEXTO
Marc Torrent por Antologia lectures 3r ESO de la editorial McGraw Hill
“Por el simbolismo y poesía de les imágenes”

CUBIERTA DE LIBRO
Marc Torrent por Helpers de la editorial Bambú
“Porque la simplicidad es la propia potencia”

LIBRO INFANTIL NO FICCIÓN
Miguel Gallardo por Enséñame a ser feliz de la editorial Ara llibres
“Por una gráfica amable y sensible”

LIBRO INFANTIL FICCIÓN
Sílvia Cabestany por Els tres tambors de la editorial Tántagora
“Por la documentación y la recreación de la época”

LIBRO DE ADULTO NO FICCIÓN
Marta Zafra por Un paseo por el mundo por La Casa Encendida
“Por la seducción de las ilustraciones y la presentación arriesgada”

LIBRO DE ADULTO FICCIÓN
Sonia Pulido por Cromos de luxe de la editorial Monográfico
“Por la poderosa vitalidad de les imágenes”

JUNCEDA IBERIA
Elisa Arguilé por Puré de guisantes de Anaya
“Por la atmósfera inquietante y perturbadora”

JUNCEDA DE HONOR
Maria Rius
Ilustradora nacida en Sant Pere de Riudebitlles (Barcelona) en 1938, fue una de las fundadoras de la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña. Destacan sus trabajos en literatura infantil y divulgativa. Ha ilustrado más de ciento setenta libros.

miércoles, mayo 28, 2008

PRIMERA FOTO DE LOS VENGADORES

En El Mundo

(gracias, Manolo)

BANGKOK-BELLEVILLE

Es el título de la segunda entrega de RG, un relato de Pierre Dragon adaptado al cómic por Frederik Peeters. Yo no soy un gran fan de la serie, al menos del primero, que me gustó pero no me entusiasmó. Sin embargo, esta segunda entrega supera en todos los aspectos a la primera, tanto en el desarrollo dramático de los personajes como en el aspecto gráfico y narrativo (es lo mejor que ha dibujado Peeters hasta el momento).

La serie, para el que no lo sepa, es algo así como un policiaco verité, un relato dramatizado con aires documentales basado en la vida cotidiana de policías secretos actuales (RG son las siglas del servicio de información de la policía francesa), tal y como se la cuenta a Peeters Pierre Dragon, seudónimo de un auténtico policía. Y como quien desarrolla el guión final, las escenas, diálogos y por supuesto el desglose en viñetas es Peeters, la serie muestra todas sus constantes de estilo: el ritmo pausado, los flashbacks, la riqueza de la ambientación -llena de detalles que aquí añaden textura naturalista-, las relaciones sentimentales de los personajes e incluso la conciencia social (el final de RG 2 es explícito en este sentido). Pero es probablemente el sometimiento de Peeters a un relato ajeno lo que mantiene a raya las veleidades narrativas de otras obras suyas y hacen de RG su mejor trabajo hasta la fecha, junto a la ya lejana CONSTELLATION.


Más páginas de muestra (en francés)

LOS PROFESIONALES

En uno de los episodios de “Los Profesionales” Carlos Giménez narra tu llegada a la agencia Selecciones Ilustradas (S.I.). Eras un crío.

Yo quería dibujar tebeos, pero era complicado saber a dónde acudir. Le comenté a mi padre que un tal Toutain era director de una agencia de dibujantes. (...)

¿Cuántos años tenías?

Catorce.

(...) ¿Cómo era la agencia de Josep Toutain?

Toutain no era un mal dibujante, pero descubrió que podía ganar más dinero como agente que dibujando. Por el origen francés de su padre conocía el idioma, así que cogió dibujos de amigos suyos (López Espí, Jose María Miralles) y se fue a Paris. Regresó con contratos y, sobre todo, guiones. Como España estaba en la miseria, nuestros precios eran una ganga en comparación con los de los dibujantes franceses. Y así nació Selecciones Ilustradas. Toutain tenía tanta oferta de trabajo de editoriales cutres europeas que necesitaba dibujantes a punta pala y así la agencia se convirtió en Alaska, la Tierra del Oro, a donde llegaban chavales de toda España absolutamente demenciados por el cómic. Se presentaban en la puerta con una carpeta y cuatro dibujitos y, si tenían un poco de mano, Toutain les decía lo que tenían que dibujar y en quince días estaban ganando una buena cantidad de dinero.

(...) Leí que el uso de centraminas fue algo habitual en Selecciones Ilustradas.

En la primera etapa, durante la década de los 50. Imagina qué disloque. Yo tenía 17 años, acababa de terminar el bachillerato en los Maristas, estudiaba Artes y Oficios y por la tarde acudía a la agencia a aprender. Al lado había una farmacia para la que fuimos una mina porque regularmente le encargábamos una larga lista de fármacos. En la sección de administración había un cartel público en el que cada uno anotaba los medicamentos que necesitaba.

Vaya, una cosa muy formalizada.

Sí, era por el descuento que nos hacían dada la cantidad. Piensa que se aprovechaba también para los encargos familiares de cualquier medicamento. Por lo que ha estimulantes respecta se pedía centramina, dexidrina y simpatina. Entonces no había noción de lo que era, se consideraban como vitaminas y todos teníamos encima de la mesa. Cuando llegaba una sobrecarga de trabajo tomábamos una pastilla y ¡bum! a plena marcha de puta madre. Estuvimos así dos años hasta que comenzó el rumor de que era peligroso. En una ocasión, fruto de una crisis anfetamínica, repetí una página de dos viñetas sin darme cuenta. Pero no era cosa de nosotros, era media España la que tomaba.

El icono de la ama de casa de los 60 puesta de anfetamina es clásico.

Se recomendaba para adelgazar, como estimulante, como revitalizante relacionado con la anemia. Cuando salíamos de S.I. cogíamos el tranvía y nos venía el bajón. Acabábamos dormidos dentro del vagón y despertábamos en las cocheras, al final del trayecto. Éramos los fantasmas del tranvía. Pero era una cosa muy inocente que incluso explicábamos en casa.
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El ilustrador, historietista y escritor Josep Maria Beà, entrevistado por el Señor Ausente en una entrevista que publica el número 39 de Mondo Brutto, ya a la venta. La extensa entrevista ha sido fruto de varias sesiones de charla, diez horas de grabación. Otro extracto:

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Uno de tus primeros trabajos como profesional fueron tebeos románticos y pre-yeyés para niñas inglesas.

Francia se le quedó pequeña a Toutain y viajó a Gran Bretaña con la misma táctica: «tengo un ejército de dibujantes por cuatro pesetas». Los ingleses tenían como quince revistas para niñas. Empezamos a recibir guiones de la IPC-Fleetway para personajes como “Jackie” o “Valentine”. Eran historias románticas relacionadas con la música, una música pre-Beatles, crooners jovencitos como Tommy Steele, Johnnie Ray. Era todo muy light, muy finito; aunque se acercaba el gran desmadre, se intuía que el rock and roll estaba a punto de estallar definitivamente.


Un Beà de 1970 para la londinense IPC

Pero eso, para un españolito de 18 años, debía ser complejo.

Nadie tenía ni puta idea de lo que era Londres. La noción que teníamos de la capital inglesa era la de las películas de Jack el Destripador, con el Támesis envuelto en niebla, así que dibujábamos barbaridades. Si un guión decía que la pareja Tommy y Sally viajaba en el segundo piso de un autobús londinense, nosotros dibujábamos en las ventanas los techos de las casas, las antenas, que es lo que se vería si un autobús de ese tipo circulase por la España de esos años. Nos preguntábamos qué coño era una boca de riego. Cuando el guión indicaba que en una plaza había dos ancianos dando de comer a las palomas, nosotros les dibujábamos boinas en la cabeza, porque ese era nuestro código para ilustrar la vejez, y entonces recibíamos un telegrama de Fleetway preguntado por qué coño poníamos trapos negros en la cabeza de los viejos. Nos devolvían las páginas y teníamos que borrar con gouache todas las boinas. Era espantoso. Nos inventamos un Londres que luego leían cientos de niñas inglesas.

En realidad es bastante surrealista.

Sí. Yo en las habitaciones dibujaba los interruptores habituales de la España de posguerra, que tenían forma de pera. Extrapolábamos lo que veíamos aquí, y aquellas niñas debían pensar «¿de dónde salen estas cosas tan raras?». Yo había llegado a poner niebla dentro de las casas. Seamos rigurosos: si en Londres había niebla… cuando abrían las ventanas entraba dentro de las casas. Y otra vez, telegrama de Fleetway: «por favor, que me quite ese tío la niebla de dentro de las habitaciones». Llegué a dibujar una familia inglesa cenando en la sala de su casa envueltos en niebla.

martes, mayo 27, 2008

DAVID HAYTER HABLA

Hayter comenta algunas cosas interesantes, como que a pesar de su estructura compleja, Watchmen es un cómic muy cinemático, con lo que prácticamente es un storyboard, que él siempre había tenido claro que había que eliminar del montaje principal la historia del Navío Negro pero dejando rodados los puntos de enganche para posteriormente hacer una edición extendida (lo que finalmente se va a hacer, como veíamos ayer) o que a lo largo de los distintos proyectos que han intentado adaptar Watchmen, los estudios siempre han pretendido simplificar tremendamente la historia, eliminando los flashbacks y centrándose en un único personaje, ante el horror de Hayter. En ese sentido, el guionista se muestra aliviado de que finalmente Zack Snyder se hiciera cargo del proyecto y de que, gracias al éxito de 300, el estudio le haya dado suficiente libertad como para hacer una adaptación digna de la obra.
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Más declaraciones de David Hayter en el blog Película Watchmen. Hayter ha sido guionista de las películas X-MEN y X-MEN 2, y aparecerá acreditado como coautor del guión -junto a Alex Tse- de la adaptación al cine de WATCHMEN que dirige Zack Snyder, ahora mismo en fase de posproducción.

Por cierto, también leído en el blog que administra David Caparrós: Snyder ha declarado al NY Times que
"la película principal dura cerca de tres horas, y sé que tengo una lucha entre manos sólo con eso".

BAJO LA MÁSCARA


Desde el blog Película Watchmen

(vía)

LÉELO EN VOZ ALTA Y ENTENDERÁS LO QUE QUIERO DECIR.


--David Mazzucchelli (mucho más en el enlace)

sábado, mayo 24, 2008

LAS MUCHAS MUERTES DE SUPERMAN

Una gran novela imaginaria en tres partes:

(¡Que nunca ha sucedido pero podría suceder!)

¡Una historia llena de sorpresas! ... ¡Durante muchos años Luthor ha sido el archi-enemigo de Superman! ¡Y ha fracasado en todos sus intentos por destruir al Hombre de acero!

¡Pero repentinamente, en un día imaginario, la enemistad se acaba! Luthor deja el crimen, ¡Y se convierte en un paladín de la justicia!

¡El que fuera despreciado, se convierte en amigo!

¿- Asombrado? Prepárese para sorprenderse más.

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Superman no "murió" únicamente en la muy publicitada saga de finales de 1992 a manos de Doomsday. Ya lo había hecho antes en un episodio de la Edad de Plata titulado ¡LA MUERTE DE SUPERMAN! publicado en noviembre de 1961 en SUPERMAN #149, una historia con guión de Jerry Siegel, dibujos de Curt Swan y tintas de George Klein donde Lex Luthor asesinaba a Superman, y lo mataba de verdad. Bueno, "de verdad" teniendo en cuenta que se trataba de una historia "imaginaria", como se avisaba desde el comienzo en un truco narrativo típico de la época. Fueron estos relatos imaginarios, antecedente de los luego conocidos como Elsewords en DC, los que también permitieron contar la vida de Superman en un Krypton no destruido, narrar la boda del Hombre de Acero y Lois Lane mucho antes de que sucediera "de verdad" (en la cronología oficial de Superman eso no ocurrió hasta 1996, buscando la atención mediática una vez que se apagaron los fuegos artificiales de la "muerte" de 1992) o incluso la "última historia" de Superman en la conocida ¿QUÉ LE SUCEDIÓ AL HOMBRE DEL MAÑANA (1986), de Alan Moore y Curt Swan.

Este recurso de los imaginary tales fue interpretado por Umberto Eco en su ensayo sobre Superman de APOCALÍPTICOS E INTEGRADOS (1965) como un mecanismo para mantener incombustible un mito que era narrado en presente, como en la novela moderna, a diferencia de las historias ya sucedidas e inmutables de las mitologías tradicionales. Gracias a los relatos imaginarios, y también a la alternancia de historias "oficiales" del presente de Superman con las de su pasado como Superboy, el encuentro de ambos cuando viajaban al futuro, etc., se conseguía ofrecer una cronología difusa, onírica y no lineal de la biografía de Superman, diluyendo la noción de orden temporal del relato y creando en el imaginario del lector la sensación de que la vida del personaje no avanzaba aproximándole a su muerte. De este modo, los hechos que sucedían no eran irreversibles (ni siquiera su boda con Lois Lane o su muerte, al ser relatos "imaginarios"), y al terminar cada historia todo quedaba como al principio. Según Eco, gracias a este recurso la vida y hazañas de Superman podían ser narradas en un presente continuo serializado de forma cotidiana y mensual sin perder a la vez el aura mítica de intemporalidad de las antiguas leyendas heroicas.

Más allá de la interpretación de Eco, es muy significativo que el modelo que instauró Marvel por aquella misma época era precisamente contrario en ese aspecto al de DC. En Marvel todo lo que sucedía importaba porque cambiaba al héroe, determinaba los acontecimientos venideros y a menudo era irreversible: la muerte del Capitán Stacy, la muerte de Gwen Stacy, la muerte del Duende Verde, la salida del instituto de Peter Parker, la entrada en la universidad, un nuevo noviazgo con Mary Jane, etc. Un modelo que a la larga terminó generalizándose en los superhéroes hasta llegar a contaminar a la misma DC, no hay más que recordar la boda de 1996, esta vez oficial, entre Superman y Lois. Un modelo que, también significativamente, se ha ido diluyendo desde hace unos quince años tanto en DC como en Marvel, hasta volver a convertir en reversible prácticamente todo lo que sucede en la biografía de los superhéroes. De este modo, Superman no estaba muerto, estaba de parranda después de que le viésemos exhalar su último suspiro destrozándose contra Doomsday; el Duende Verde original volvía a pesar de que le vimos morir empalado por su propio deslizador en 1973, Tía May, muerta años atrás, estaba viva en realidad, etc. La diferencia fundamental con los relatos imaginarios de la DC de la Silver Age, claro está, es que ahora estamos hablando de la historia oficial de los personajes. Con este proceso actual se tiende a generar, al menos entre los lectores que conocen el pasado del personaje, la sensación de que nada de lo que sucede importa realmente, ningún hecho tiene un peso irreversible, los errores pueden ser corregidos y los sucesos más trágicos arreglados posteriormente. Qué nos dice eso de nuestro mundo es otra pregunta que también daría mucho para especular. En cualquier caso, esta constante recurrencia que lleva a reescribir una y otra vez hechos ya narrados en el pasado o a reproducirlos desde un punto de vista distinto, sólo puede deberse a que la historia de los superhéroes clásicos (y desde luego la del trío principal Superman-Batman-Spiderman) ya está contada: todo lo que en ellos importaba dramáticamente hablando se ha cumplido, no queda nada en ellos por realizar, su mito se ha consumido finalmente. Pero, por supuesto, hay que mantener vivas las franquicias.

Volviendo a una época más ingenua donde aún estaba casi todo por contar, la historia imaginaria de la "muerte" de Superman de 1961 estaba explícitamente dividida en tres actos. En el primer capítulo, ¡LEX LUTHOR, HÉROE!, el mad doctor calvo que había jurado acabar con Superman se encontraba preso en la cárcel de Metrópolis cuando descubría una cura universal para el cáncer gracias al "elemento X", una "sustancia química misteriosa" que Luthor ya "sospechaba que existía en algún lugar del universo". La sustancia la encontró en un meteorito caído en, ejem, el patio de la cárcel donde los presos realizaban sus trabajos forzados. Tras ofrecer la cura a los científicos, que efectivamente daba resultado, Lex afirma estar arrepentido de su pasado criminal, querer reformarse y seguir ayudando a la humanidad. "¡No deseo recompensas! ¡Yo sólo quiero reconstruir mi pasado!" Todo el mundo quiere creerle, y el primero Superman, que intercede para conseguir su libertad provisional. "Ahora que has cambiado podemos ser amigos" -le dice Superman tras sacarle de prisión-. "Bien, Luthor, ¡nuestra enemistad ha terminado, por fin!... Pero debo admitir que hubo un tiempo en que me tuviste muy preocupado."

En el segundo capítulo de la historia, los antiguos compinches de Luthor intentan asesinarle porque piensan que les ha traicionado al renunciar a matar a Superman, así que a Lex le sale un guardaespaldas muy especial. En ¡EL SUPER-GUARDAESPALDAS DE LUTHOR!, Superman le da a Luthor uno de sus superrelojes-alarma para que le avise en caso de peligro, cosa que efectivamente tendrá que hacer en un par de ocasiones: el Hombre de Acero acude para detener las balas y granadas de los gángsters e incluso tragarse un dardo envenenado (en serio) que iba destinado a Luthor. A fin de que éste siga trabajando tranquilamente en beneficio de la humanidad, Superman se lo lleva (en una nave-burbuja transparente) a un laboratorio espacial que construye al efecto. Aun así Luthor será objeto de un nuevo ataque, esta vez con un misil enviado por "los jefes del Hampa" -quienes "no reparan en gastos" para matarle- que el Hombre de Acero consigue detener igualmente.

Algo después, Luthor activa desde el laboratorio espacial la alarma de peligro (un extravagante cohete con la figura de Luthor) para atraer al superprimo a su trampa: cuando Superman llega a la estación espacial, Luthor le baña a traición con un rayo de kriptonita verde en una escena que recuerda inevitablemente a la del capítulo XII de WATCHMEN, cuando Ozymandias engaña al Dr. Manhattan para intentar destruirle. A continuación, Luthor lo ata a una camilla y le somete a una intensa sesión de rayos del único mineral que podía dañar a Superman. En ese solarium de kriptonita morirá envenenado el Hombre de Acero tras una larga y sádica agonía en la que, literalmente, se broncea hasta ponerse completamente verde. Luthor confiesa al fin, por si acaso hiciera falta, que todo lo que había hecho, la cura para el cáncer, fingir reformarse, etc., fue para que Superman se confiara y cayera en "esta trampa de muerte!". Para más inri, el letal bronceado verde de Superman había tenido lugar delante de sus amigos de toda la vida, Lois Lane, Jimmy Olsen y Perry White, a los que Luthor obligó a mirar desde una habitación con vistas, como los testigos en las cámaras de gas reales que observan detrás del cristal. Los amigos lloran ahora y claman venganza mientras Luthor se congratula de su "grandioso logro". Nada se interpone ya en sus ansias de gobernar el mundo.


"¿Será vengada la muerte de Superman? Lea el capítulo final de esta impresionante e inolvidable historia imaginaria".


En el tercer acto, ¡LA MUERTE DE SUPERMAN!, el mundo entero está de duelo. "Todo hombre decente de la Tierra siente una gran pena" por su muerte, en Metrópolis se celebra una capilla ardiente por la que desfila hasta Krypto el Superperro, etc.

Mientras tanto, Luthor y sus compinches dan una gran fiesta para celebrar la desaparición de su odiado enemigo que se ve interrumpida por la entrada a través de la pared de... Superman. La escena cumple ante el lector la función de resurrección física aparente del héroe muerto, mientras los malos se quedan horrorizados por la sorpresa. "¡Auu! ¡S-Superman está vivo!", grita uno de los hampones. Nada más detener a Luthor, el supuesto Superman -al que efectivamente le rebotan las balas- se quita el disfraz. Bajo él está Supergirl, que ha decidido salir del armario y ocupar el puesto del Hombre de Acero (hasta entonces le había ayudado en secreto, actuando desde la sombra). Luthor es reducido y juzgado en la ciudad embotellada de Kandor, mientras el villano se muestra tranquilo y sonriente pensando que tiene "un as en la manga". Cuando oye su sentencia de culpabilidad, ofrece a los kandorianos un trato: que le dejen libre a cambio de devolver a Kandor su tamaño normal, el que tenía antes de que Brainiac los redujese y embotellase. "¡Los kandorianos no hacemos tratos con asesinos!", clama el juez y ordena al verdugo ejecutar la sentencia. Éste envía inmediatamente a Luthor a la Zona Fantasma por toda la eternidad. "¡Se ha hecho justicia!"

En un pequeño epílogo de media página -la otra media la ocupaba un faldón publicitario en el cómic original-, Supergirl sustituye definitivamente a Superman en su tarea salvadora del mundo, cumpliendo ahora la función de resucitar simbólicamente al héroe: éste no ha muerto en vano porque su ejemplo ha inspirado a otros a seguirle, y de este modo el relato mesiánico implícito en el mito de Superman se cierra satisfactoriamente. "La Chica de acero continúa la cruzada por la justicia de Superman", reza un titular de periódico en una viñeta de la última página. Pero aún hay espacio para otra reflexión más: "Todo el tiempo que fui el arma secreta de Superman, esperaba con ansias el día en que pudiera actuar libremente. Ahora que finalmente sucedió, no siento ninguna felicidad por esta "gloria" que ahora... es mía", piensa Supergirl mientras deja atrás una inmensa estatua que corona el mausoleo de Superman y asciende volando hacia las nubes.


"Bien. ¡No hay que tomarlo todo tan a pecho! Después de todo, ésta es sólo una historia imaginaria. ¡Y sólo hay una probabilidad entre un millón de que suceda de verdad algún día! ¡Por lo tanto, el poderoso y valiente Hombre de acero seguirá surcando los cielos en defensa de la justicia, por muchos, muchos años más!", menos mal que nos avisaba el texto de apoyo final.

jueves, mayo 22, 2008

NADIE LES VA A MATAR PERMANENTEMENTE


Nadie va a matar permanentemente al personaje líder en una franquicia multibillonaria como Spider-Man o Superman. Las razones por las que las películas siempre van tras Peter Parker/Spider-Man y Clark Kent/Superman son porque estos mitos funcionan y son conocidos y amados por personas alrededor del mundo. (...) Creo que tener historias sobre personajes que envejecen y cambian en tiempo real es algo genial. Creo que hay un público para ello. Pero eso nunca pasará con personajes de franquicias de muchos dólares. Muchas personas dependen financieramente de ellos. Y realmente, es así como el público quiere ver a estos personajes. El público para las películas de Spider-Man no ha leído 25.000 historias de superhéroes. Ellos no están agotados con los arquetipos. Para ellos los superhéroes no son una obsesión o tan siquiera un hobby. Son un género de entretenimiento del que gustan disfrutar periódicamente.

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Danny Fingeroth, entrevistado por Neal Bailey y traducido al español por John Megía. Fingeroth ha sido guionista de comic books y editor en Marvel Comics. También es autor de libros como SUPERMAN ON THE COUCH: WHAT SUPERHEROES REALLY TELL US ABOUT OURSELVES AND OUR SOCIETY, entre otros.

A OTRA PUERTA, QUE ESTA NO SE ABRE




Todas son páginas de PORTALES, de Jordi Elias, que se presenta hoy en la FNAC Triangle de Barcelona a las 19:30 horas.

HABLANDO DE WALLY WOOD...


Enlace

miércoles, mayo 21, 2008

MASTERS


Sin embargo, la aceleración de la carrera espacial cambiaría radicalmente la situación: lo que antes era ficción ahora era realidad. Ya se sabía cómo serían los cohetes espaciales, muy alejados de las formas curvilíneas de los platillos volantes que arrasaban en la prensa o en los tebeos de ciencia-ficción de la EC, y más cercanos a los rectos misiles. Se sabía cómo vestirían los astronautas y cómo se desarrollarían los viajes. Cuando Jack Kirby y los hermanos Dick y Dave Wood recibieron el encargo de realizar una tira diaria de ciencia-ficción, eran conscientes del cambio que se había producido en la información y opinión que tenían los lectores y que las visiones dadas por Flash Gordon o Buck Rogers quedaban ampliamente superadas por la ciencia.

El romántico encanto del espacio había desaparecido, siendo sustituido por la cruda y más gris verdad de la ciencia y la tecnología, y eso tenía que plasmarse en su serie de manera ineludible, por lo que decidieron hacer un relato que hablase de esa realidad, de las dificultades de la carrera espacial en plena Guerra Fría. El comandante Sky Masters, perteneciente a la fuerza espacial norteamericana debutaría, apenas un año después de que el Sputnik diera su primera vuelta a la Tierra, con el profético intento de poner a un hombre en órbita. Apenas tres años antes de que Yuri Gagarin llegase a la órbita terrestre, el coronel Martin se convertía en la imaginación de estos autores en el primer hombre en el espacio, cuya señal sería misteriosamente perdida. (...) había tensión, dramatismo y amenazas desconocidas, cierto, pero éstas ya no eran terribles expresadas con la forma de extraterrestes esperando en bases secretas en el lado oculto de la Luna ni complejas dimensiones en las que perderse. El héroe ahora debía enfrentarse, simplemente, a lo que la ciencia y la técnica todavían no tenían previsto.

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Álvaro Pons, en el prólogo al volumen 1 de SKY MASTERS OF THE SPACE FORCE (muestras del tomo en el enlace), que recopila las tiras diarias entre septiembre de 1958 y octubre de 1959 de una de las series de Jack Kirby (1917-1994) menos conocidas.


La edición, preparada y diseñada por Ferran Delgado, es realmente espectacular. Contiene tres textos introductorios profusamente ilustrados, uno de Greg Theakston sobre la carrera de Kirby y el momento de inicio de SKY MASTERS, el citado de Álvaro Pons donde contextualiza históricamente la tira, y otro breve del propio Ferran Delgado sobre la edición española. A continuación, unas cien páginas con las tiras diarias del mencionado periodo de 1958-1959 (la serie se prolongó hasta febrero de 1961), dibujadas por supuesto por Kirby, ayudado en los guiones por Dick y Dave Wood y entintado por Wally Wood (sin relación de parentesco con los primeros) salvo al final del volumen, donde las tintas fueron de Dick Ayers o bien del propio Kirby. El tomo también incluye algunos extras finales y un póster desplegable con el escaneo del dibujo original que hicieron Kirby y Wood para promocionar la serie.


Habrá un segundo volumen para el año que viene -Ferran Delgado ha tardado dos años en restaurar y preparar sólo las tiras de este primer tomo- y un tercero en 2010 que recogerá todas las páginas dominicales a color.


Las tiras, leídas hoy, sorprenden porque mantienen su frescura, inventiva y dinamismo a pesar de los cincuenta años transcurridos desde su publicación original. Lo que quiero decir es que las aventuras espaciales de estos astronautas imaginarios siguen siendo una lectura muy disfrutable, más allá de su interés histórico tanto en el contexto de la evolución del cómic como en el más amplio del impacto sociológico que el inicio de la carrera espacial provocó en el público norteamericano, y que tuvo un amplio reflejo en el cine, la literatura y, desde luego, los tebeos. Precisamente SKY MASTERS OF THE SPACE FORCE fue una serie fantacientífica que quiso ilustrar esa fascinación espacial del momento con pretensiones de ilusionismo realista, tanto en la documentación manejada para hacer verosímil toda la cuestión tecnológica como en el acabado del dibujo que proporcionaron las tintas de Wally Wood (1927-1981).


La serie supuso también la incursión más ambiciosa de Kirby en la alta sociedad de las tiras de prensa, frente a los suburbios que por entonces representaban los comic books. Fue precisamente la debacle de la industria del comic book durante la segunda mitad de los 50, tras el affaire Wertham, la investigación de la Comisión Kefauver en el Senado y la creación del Comics Code, la que obligó a Kirby a buscar pluriempleo en las agencias de tiras de prensa, un mundo en el que precisamente había dado sus primeros pasos como profesional.

De esos intentos a finales de los 50 de tener una tira de prensa propia (Kirby a veces dibujaba como "negro" en la tira de Frank Giacoia JOHNNY REB, simultaneándolo con otros trabajos en formato comic book para DC, por ejemplo CHALLENGERS OF THE UNKNOWN, una exitosa serie que había debutado en 1957), el único que fructificó fue esta SKY MASTERS OF THE SPACE FORCE. En ella el "Rey" del comic book y Wally Wood dieron lo mejor de sí mismos, una tira que obtuvo una buena difusión en periódicos pero con el tiempo se convertiría en una fuente de quebraderos de cabeza para Kirby debido principalmente al acuerdo que tenía con el editor de DC Jack Schiff. Schiff se llevaba una comisión por SKY MASTERS porque hizo de intermediario en la creación de la tira, comisión que Kirby aceptó a regañadientes porque el guionista Dave Wood, que también trabajaba en DC junto a Kirby, tenía miedo de que Schiff se enfadara y les despidiera de la editorial. Cuando Schiff pidió un aumento de su comisión, Kirby se negó porque lo veía un abuso y además SKY MASTERS le estaba dejando muy poco dinero después de pagar a todos los colaborares, rotulista incluido. Schiff efectivamente se enfadó, mucho al parecer porque le despidió de DC y además le demandó. Kirby perdió el juicio, tuvo que pagarle y buscar trabajo en el único sitio que le quedaba, es decir, Marvel. Cuenta Mark Evanier en su libro KIRBY, KING OF COMICS que cuando años más tarde alguien le preguntó a Mike Sekowsky -dibujante estrella de DC por entonces- quién ganó el pleito Schiff Vs. Kirby, Sekowsky contestó: "Stan Lee". Pero, como suele decirse, esa es otra historia.

martes, mayo 20, 2008

WONDER BOY


Carlos Areces, Carlös, ilustra la portadilla de la sección Retro en el número de Xtreme de este mes (gracias, Tones).
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Aprovecho para señalar que el flamante ganador del premio al autor revelación del Salón del Cómic de Barcelona de este año no suele hacer historietas secuenciales sino viñetas únicas, sin-secuencia, aquello que Scott McCloud llamaba "chistes" para pretender diferenciarlos del cómic-cómic. Por supuesto, para mí sigue siendo cómic lo que hace Carlös y así han parecido entenderlo todos aquellos que le votaron como autor revelación.

viernes, mayo 16, 2008

WILL ELDER (1921-2008)


Ayer se fue otro de los grandes. El neoyorquino Will Elder fue en sus inicios profesionales entintador de John Severin y colaboró en muchas historietas para EC Comics a principios de los cincuenta, pero su estrella como dibujante no empezó a brillar hasta la creación en 1952 de la revista satírica MAD, en la que fue uno de los pilares fundadores y se convirtió en el colaborador favorito de Harvey Kurtzman (1924-1993).


Además de sus parodias en MAD, muy celebradas en su momento, recuerdo especialmente el ART ISSUE, un número de la revista protagonizado enteramente por un Will Elder encarnado en un "artista famoso", un "genio universal del arte" del que se ofrecía una biografía ficticia realizada a base de collages, montajes fotográficos y otros efectos.


MAD Nº 22, 1955

También junto a Kurtzman colaboraría en otras revistas de humor como Trump -financiada por Hugh Hefner-, Humbug y Help! Fue en esta última, otra cabecera dirigida por Kurtzman (y a la cual también fue a trabajar un joven Robert Crumb, admirador de MAD, justo a tiempo para el cierre de Help!), donde el equipo artístico Kurtzman & Elder creó a uno de sus personajes más destacados, el Cándido Goodman Beaver, un personaje que había sido propuesto antes a Hugh Hefner para la revista Playboy y rechazado porque no terminó de convencer al magnate. Cuando Help! cerró, Kurtzman y Elder volvieron a presentarle un nuevo proyecto.


La serie propuesta fue LITTLE ANNIE FANNY, una nueva encarnación de Goodman Beaver en la piel de una rubia voluptuosa que, esta vez sí, convenció a Hefner. La cándida bomba sexual protagonizó 107 historietas que fueron apareciendo en la revista Playboy entre 1962 y 1987. Por supuesto, Elder también realizó a lo largo de su vida gran cantidad de ilustraciones y caricaturas tanto para otras publicaciones como para la publicidad. En ellas hizo buen uso de su asombrosa capacidad técnica y su versatilidad para cambiar de registro gráfico, moviéndose en un amplio espectro en el que lo mismo era capaz de imitar perfectamente el estilo de ilustración fotorrealista de los afiches publicitarios de las revistas tipo Collier's o de ilustradores como Norman Rockwell -especialmente para parodiarlos- que saltar a la caricatura más grotesca, pero siempre con unos acabados que sorprendían por su perfección y minuciosidad. Una amplia muestra de esos trabajos fueron recopilados en un impresionante libro, WILL ELDER: THE MAD PLAYBOY OF ART.


Elder parodiando a Rockwell y firmando como Rockwill Elder

El estilo de Elder causó un gran impacto en su momento y es una influencia reconocida de autores como R. Crumb, Art Spiegelman o Daniel Clowes. En su caricatura con una potente base de dibujo y su obsesivo acabado de tramas manuales estaban ya prefigurados los estilos gráficos del citado Crumb y de otros autores del comix underground. Más recientemente, el periodista-historietista Joe Sacco también suele citar a Elder como uno de los dibujantes de cómics que más le ha influido. Descanse en paz.



jueves, mayo 15, 2008

SI HUBIERA QUERIDO USAR COLOR, HABRÍA HECHO UNA IDEA COMPLETAMENTE DISTINTA


Es una respuesta que dio Steve Ditko hace once años a Eric Reynolds. La cosa fue como sigue: con ocasión de la publicación por Fantagraphics de STEVE DITKO'S STRANGE AVENGING TALES, la revista Comics Buyer's Guide quiso dedicar una portada a la serie para promocionarla. Para ello, a través de Reynolds pidieron a Ditko una ilustración original. Ditko contestó que sí a Reynolds una semana después (todas las comunicaciones fueron por carta)

"Eric, gracias. La portada (a escala) será en parte aguada (tonos medios), el resto a plumilla/pincel y tinta (blanco y negro). Estará hecha antes de las vacaciones de Navidad.
Saludos,
Steve"


y poco después le envió a Reynolds la ilustración en tonos de gris (no he encontrado la portada de CBG en cuestión). Reynolds le respondió entusiasmado agradeciéndole el dibujo, pero cayó en que por aquellas fechas el Comics Buyers Guide había pasado a publicarse en otro formato y la portada ya no se imprimía en blanco y negro sino en color. De modo que también le comentó en la carta a Ditko que podía hacer la portada en color si quería ("Sólo quería asegurarme de que no se estaba limitando al blanco y negro porque pensó que debía hacerlo", explica Reynolds).

La respuesta de Ditko, una semana más tarde, fue la nota de arriba, que dice más o menos:
Eric, ¡SIN color! Si hubiese querido usar color habría hecho una idea completamente distinta y aportado un fotocopia coloreada.
Saludos,
Steve

miércoles, mayo 14, 2008

CUESTIÓN DE OPINIONES


Alan Moore no quiso saber nada de la película V DE VENDETTA y exigió retirar su nombre de los créditos. A mí personalmente, que soy bastante fan del cómic, no me gustó la película. Sin embargo, a muchas otras personas sí les gustó, entre ellas al dibujante David Lloyd. Así lo ha declarado varias veces, por ejemplo en este video que puede verse en streaming aquí (dale al cursor hacia abajo del todo del enlace). Cito textualmente a David Lloyd:

"La película está muy bien. No es una reproducción perfecta sino una copia realmente buena, como una versión diferente de la misma historia: dice las mismas cosas pero de forma diferente. La película me dejó contento y creo que se hizo un buen trabajo porque tanto los productores como el director eran fans de la historia original. Por eso salió tan bien. Otras películas basadas en cómics no consiguen ser tan buenas por no tener a gente tan implicada en el proyecto. (...) Se ha hecho una gran película sobre ella y estoy muy contento de estar asociado a un producto al que la gente ha reaccionado tan bien".

Ah, pero qué sabrá David Lloyd, coautor de V DE VENDETTA, ¿no? Al fin y al cabo, sólo es quien diseñó a V, dibujó el mundo y los personajes de V DE VENDETTA y todos los episodios de la serie entre 1982 y 1988...

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Alan Moore no ha querido saber nada desde el principio de la película de WATCHMEN que está dirigiendo Zack Snyder y ha exigido también retirar su nombre de los créditos. Personalmente, no tengo ni idea de si la película me gustará, de si me parecerá buena, mala o regular, mayormente porque aún no existe -está rodada y en fase de posproducción- y hasta ahora hemos visto unas simples fotos de rodaje y unos videos promocionales. Dave Gibbons en cambio conoce muchas más cosas, ha leído el guión, está asesorando a Zack Snyder y tiene su propia opinión sobre el proyecto:

"Estoy emocionado. Siempre respondo al entusiasmo, y habiendo tenido algunas conversaciones con Zack Snyder, estoy arrastrado por su entusiamo. (...) Básicamente, lo estoy apoyando, y he hecho pequeñas colaboraciones para la película. Hablando de forma realista, creo que es un buen guión. Todo lo que sea una versión cinematográfica de un cómic significar llegar a un compromiso. Soy optimista sobre la película, y obviamente deseo que vaya bien. Espero que sea buena. Tengo la sensación de que lo será." (Dave Gibbons, declaraciones a Wizard en 2007)

Gibbons también tiene su opinión
sobre el rodaje de la película, después de haber asistido a él:

"Estoy abrumado por la intensidad y el detalle de lo que estoy viendo. Pero es más que eso. Estoy abrumado por el compromiso, la pasión, el deseo palpable de hacer esto bien."





Ah, pero qué sabrá Dave Gibbons, coautor de WATCHMEN, el hombre que diseñó a los personajes y el mundo de ese cómic, la persona que dibujó sus 12 números, ¿no?

martes, mayo 13, 2008

HORA CERO


Se van confirmando las noticias sobre la adaptación al cine de EL ETERNAUTA, el mítico cómic de H.G. Oesterheld y Solano López. Dirige Lucrecia Martel, directora de LA CIÉNAGA entre otras cintas; mucho más en el enlace.

Si queréis podemos empezar a opinar de la película a partir de la foto ;-) ...

¿CUÁNDO Y DÓNDE DESCUBRISTE A WILL EISNER Y A SPIRIT?


La primera vez que descubrí el Spirit de Will Eisner fue en las ediciones de la Warren que se publicaron en los primeros 70. Era un adolescente en Vermont por entonces. Y cuando di con ellos, pensé que era un nuevo historietista que no había visto antes. Su trabajo era mucho más avanzado que lo que se publicaba por entonces. Pensé que debía ser el nuevo chico en la ciudad. Y entonces me di cuenta de que aquello había aparecido originalmente en 1942 y me percaté de que estaba estudiando el trabajo de un maestro establecido. No le conocí en persona hasta que estaba trabajando profesionalmente. Estábamos en una fiesta en los Estudios Continuity de Neal Adams, y Jim Shooter nos presentó. Y yo era el nuevo orgullo de Jim Shooter, acababa de llegar a Daredevil y estaba empezando a escribirlo y dibujarlo. Jim abrió un número de Daredevil por la primera página para mostrar lo buen narrador que yo era. Eisner inmediatamente me dijo que había usado la viñeta errónea y empezamos un debate que duró 25 años.

Has tenido una larga amistad con Eisner que culminó en el libro Eisner/Miller, que contenía un diálogo entre ambos durante un fin de semana que definiste como "el clímax de vuestro debate de décadas". ¿Qué recuerdos personales tienes de Will?

Creo que lo que más me impresionaba de Will era con lo que te salía en privado, te contaba historias sobre los cómics que no eran aptas para el consumo público. Te describía algo que bajo cualquier punto de vista era horrible, pero tenía aquel sentido del humor de la II Guerra Mundial. Era impaciente con cualquiera que se autocompadecía. Jamas se permitió sentir autocompasión. Si te autocompadecías delante suyo, te ridiculizaba por eso.

(...) ¿Hay alguna paleta especial para esta película igual que la hubo en Sin City?

La hay. Es a todo color, pero no es tanto un uso naturalista del color como un uso psicológico, un uso dramático del color. Creo que el color es un arma dramática muy poderosa, pero demasiado a menudo, cuando veo una película, siento que estoy viendo todo el espectro en cada fotograma y mis ojos empiezan a rebotar. Así que verás las cosas poniéndose rojas detrás de la gente cuando se enfaden.


(...) Con The Octopus, así lo creí, sí, teníamos un par de guantes como un sentido de némesis que había sido deliberadamente mantenido fuera de la vista y dejado sin definir por Eisner. La única forma de coger el trabajo de un escritor de historias cortas y adaptarlas a un formato largo era desarrollar a su némesis porque, sabes, al principio creí que Eisner era de la escuela de Raymond Chandler, otro novelista favorito mío. Pero me di cuenta de que realmente le debía mucho más a O. Henry *, y su sensibilidad para el relato corto necesitaba algo de sana expansión. Así que con Sam [L. Jackson] tenía la némesis perfecta para The Spirit.

(...) Hicimos pruebas a mucha gente para Spirit. Una de mis condiciones previas para entrar en el proyecto fue encontrar a alguien no demasiado conocido para el papel. No quería que fuese un vehículo para alguien ya familiar. Mi modelo, en cierto modo, era Chris Reeve en Superman, quiero decir, un actor que nadie había visto antes y que conocí como Superman. Quise hacer las pruebas para conocer a Spirit como Spirit. Gabriel [Macht] destacó porque Hollywood, antes que nada, produce muchos, muchos actores masculinos realmente buenos, pero muy, muy pocos de ellos son capaces de representar a hombres como hombres.

--Frank Miller



* "En esa época [en 1940, a punto de crear a Spirit], sus influencias literarias consistían en las revistas pulp. Eisner era un gran fan de O. Henry, Ambrose Pierce y Guy de Maupassant" (Bob Andelman, en la biografía oficial de Will Eisner EL ESPÍRITU DE UNA VIDA, 2005)

lunes, mayo 12, 2008

GENE COLAN,

hospitalizado en estado grave debido a un fallo hepático. Colan, de 81 años, era ya un veterano cuando realizó sus trabajos más conocidos en la Marvel de finales de los sesenta y primeros setenta. Después de trabajar durante los años cuarenta en Timely, la precursora de Marvel, y pasar por la crisis del comic book de los cincuenta, Colan (Nueva York, 1926) había conseguido un trabajo en publicidad donde tenía que fichar en una oficina. Aquello no le gustaba demasiado y tampoco olvidaba su antiguo oficio de historietista. Con el resurgimiento de la industria del comic book durante los sesenta, Colan empezó a dibujar tebeos románticos para DC y también a llamar a Stan Lee de vez en cuando para preguntarle si de nuevo tenía trabajo para él. Llegado el momento, en 1965, cuenta Les Daniels en su libro MARVEL: CINCO FABULOSAS DÉCADAS DE CÓMICS, Lee le dijo a Colan: "Las cosas empiezan a mejorar. Vente".


Fue en esa época dorada de Marvel cuando su talento explotó, además de por el dominio de la figura humana y su personal interpretación de la misma, por los fuertes contrastes de luces y sombras y sus audaces diseños de página, un estilo muy llamativo en su época. Sus principales trabajos en Marvel fueron en NAMOR, IRON MAN y DR. EXTRAÑO, además de en algunas memorables sagas de CAPITÁN AMÉRICA -como la del cubo cósmico donde el Cráneo Rojo intercambiaba su cuerpo con el Capi- y sobre todo en DAREDEVIL, serie que dibujó durante años de forma ininterrumpida antes de embarcarse en LA TUMBA DE DRÁCULA (1972-1979, junto a Marv Wolfman, entre otros guionistas). Lee le apodó Gene "el Decano" Colan precisamente por su veteranía dentro de la profesión, mientras el dibujante se mostró a gusto trabajando con el método Marvel precisamente por la libertad que le dejaba a la hora de dibujar los argumentos. "Para mí era estupendo", declaraba en el libro de Les Daniels, "podía incluir casi cualquier cosa que quisiera". Y tanto. Una vez dedicó 5 o 6 páginas a una persecución en coche que a Lee no le gustó demasiado por su extensión, al menos hasta que vio la cantidad de cartas de fans que provocó la secuencia.

Colan también dibujó para DC a Batman y Wonder Woman durante los ochenta, además de la serie NIGHT FORCE -de nuevo junto a Wolfman-, entre otros muchos trabajos. Más sobre la noticia de su hospitalización en el blog de Ferran Delgado. Abajo, una página de CAPTAIN AMERICA #119 de la saga del Cubo Cósmico de 1969 que siempre me ha fascinado (guión de Stan Lee, dibujos de Colan y tintas de Joe Sinnott), portada para DAREDEVIL #23 (noviembre de 1966, Colan entintado por Frank Giacoia) y página a lápiz para TOMB OF DRACULA (1979).





ACTUALIZACIÓN

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