EL DIBUJO / EL DIBUJO (III)

DISEÑO GRÁFICO Y POESÍA
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"Los cómics y la prosa tienen cosas en común pero menos de lo que la gente piensa. En realidad, en lugar de ser una combinación de dibujos y literatura, o de cine y literatura, creo que los cómics están más cerca de una combinación de poesía y diseño. Los dibujos en el cómic deberían ser usados, idealmente, como elementos de diseño. No están ahí simplemente como algo bonito... no, cuando se usan bien los dibujos, funcionan como símbolos para dirigir el ojo y las emociones (en cierto modo, los dibujos constituyen un lenguaje más simbólico que las letras del alfabeto). Los dibujos intentan ser atractivos y crear imágenes evocadoras... pero también, claramente, están colocados en la página como elementos dentro de un diseño global que te dirige (al lector) a través del cómic. Como la poesía... escribir cómics tiene todo que ver con el ritmo. No estás escribiendo poesía en un sentido tradicional, pero el modo en que la escritura se fragmenta en las viñetas y cómo fluyen a través de la página -el modo en que se marca el ritmo- tiene todo que ver con cómo suena en la cabeza. La concisión, el ritmo, las pausas mudas. Son elementos que probablemente tienen más que ver con los versos libres que con la novela tradicional."

(Seth, entrevistado en Bookslut, 2006)


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"Las “palabras y dibujos” que conforman el lenguaje de los cómics a menudo son descritas como prosa e ilustración combinadas. Una mala metáfora: poesía y diseño gráfico parece más apropiado. Poesía por el ritmo y la condensación; diseño gráfico porque la historieta es más sobre mover con las formas –diseño- que sobre dibujar. Obviamente, al crear una historia sobre un hombre caminando por la calle, estás haciendo dibujos del hombre y su entorno… sin embargo, también estás tratando de simplificar esos dibujos al nivel de unos acabados gráficos más icónicos. Cuanto más detallado es el dibujo –cuanto más tiende a captar la “realidad”- más ralentiza la narración y mata el lenguaje de la historieta. No me entiendas mal; el dibujo puede ser muy específico, no tiene por qué ser genérico. Simplemente tiene que convertir las imágenes en dibujos apropiadamente. Los dibujos se convierten en símbolos que están organizados en la página (y dentro de las viñetas) en el modo más lógico para hacer que la lectura de la historia funcione; pones esas imágenes dibujadas juntas de forma hacen lo que tú quieres. No estás preocupado tanto por dibujar apropiadamente una imagen de la calle como por mover el ojo del lector por la página en el modo en que quieres que se mueva. Tratar de dibujar con realismo simplemente provoca una miríada de frustraciones en cuanto al uso apropiado del lenguaje del cómic. Piensa en el lenguaje de la historieta como una serie de caracteres (letras) ordenadas deliberadamente para formar palabras.

(...) Si estas dibujando un cuadro de una casa, quieres que parezca una casa, una casa específica. Sin embargo, para hacer un dibujo de cómic apropiadamente, tienes que simplificarla a un gráfico utilizable. Tienes que caminar por la fina línea entre tratar de transmitir un elemento “real” del mundo en que vivimos que sea reconocible como lo que es, en toda su especificidad, y hacer una imagen icónica y lo suficientemente simple para poder moverla con efectividad por la página como un elemento de lenguaje del cómic. No quieres caer demasiado en lo icónico porque entonces la historia se vuelve visualmente aburrida, y no quieres ser demasiado detallado (o real) porque entonces los dibujos se convierten en cosas muertas puestas ahí en la página y entorpeciendo la lectura del lenguaje del cómic. Por supuesto, este intento de equilibrio puede romperse en cualquier momento por su propio efecto: de vez en cuando puedes querer una historia que sea enteramente icónica/genérica y de vez en cuando puedes querer ralentizar una historia con un dibujo “real”."

(Seth, entrevistado en 2006 por Marc Ngui y traducido por Entrecomics)

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El dibujo / El dibujo, primera parte

El dibujo / El dibujo, segunda parte

-¿TIENE USTED ALGO DE FICCIÓN GRÁFICA?

(La tira es de Seth)

TINTÍN Y YO

Seis historietistas contemporáneos hablan sobre la influencia de Hergé, sobre la narrativa del cómic y otras cuestiones específicas del medio: Jessica Abel, Daniel Clowes, Phoebe Gloeckner, Jason Lutes, Seth y Chris Ware.

(gracias por el enlace, Juan Ignacio)

MIRAR Y LEER

¿Ves otras relaciones significativas entre el cómic y la poesía?

Me parece que el lenguaje de la poesía es muy dependiente de establecer imágenes y yuxtaponer unas contra otras. Un poeta creará una imagen en las primeras dos líneas de su poema y después creará otra en las dos líneas siguientes, y continuará así. Encuentro que este salto entre imagen e imagen en la poesía es un elemento muy interesante y muy del tipo del cómic. Muchos poemas son casi cómics en palabras. A menudo los cómics se relacionan con el cine y la prosa –en ninguno de los dos casos me parece apropiado. La conexión con la poesía es más apropiada, tanto por la condensación de las palabras como por el énfasis en el ritmo. El cine y la prosa también usan esos métodos, pero no de una manera tan condensada y controlada. Los autores de cómics se han relacionado a sí mismos durante mucho tiempo con el cine, pero haciendo eso han reducido su arte a ser una mera aproximación al storyboard. El ritmo subyacente parece que ha permanecido sin ser escuchado literalmente durante décadas en el mundo de los comic-books comerciales (con una pocas notorias excepciones: Kurtzman, Kirby, Stanley).

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¿Cuál es la diferencia entre mirar y leer?

Idealmente, cuando el observador “lee” una historieta, está ingiriendo la información de la misma manera que cuando está leyendo un texto. Toma las palabras y los dibujos icónicos condensados y procesa esa información para dar vida a la historia, muy parecido a lo que hace cuando lee las letras impresas de una novela.
Cuando miras una pintura, no tiendes a leer la imagen de la misma manera; en lugar de eso, observas. El ojo va de un lado a otro decidiendo “qué significa” todo eso. Algunas pinturas son más directas en el modo en que controlan el ojo, pero aún así creo que es un proceso enteramente diferente. Tú no miras un cómic –lo lees. Incluso si no hay palabras en la historia, estas leyendo esas viñetas: son todo pequeños bloques de información. Un dibujo o pintura trata de transmitir la experiencia de vivir en el mundo de una manera muy distinta: es más una experiencia sensorial, una experiencia externa. La lectura del cómic sucede más dentro del lector, es un proceso mental diferente… una experiencia solitaria.

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Guau. Entrecomics ha traducido una entrevista entera de Seth realizada por Marc Ngui, y además la ha maquetado usado las páginas y ejemplos que venían en ella. Corre la voz.
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Al margen: observad estas frases de Seth, o mejor dicho, no las observéis, leedlas: "Cuanto más detallado es el dibujo –cuanto más tiende a captar la “realidad”- más ralentiza la narración y mata el lenguaje de la historieta. No me entiendas mal; el dibujo puede ser muy específico, no tiene por qué ser genérico. Simplemente tiene que convertir las imágenes en dibujos apropiadamente. Los dibujos se convierten en símbolos que están organizados en la página (y dentro de las viñetas) en el modo más lógico para hacer que la lectura de la historia funcione; pones esas imágenes dibujadas juntas de forma hacen lo que tú quieres. No estás preocupado tanto por dibujar apropiadamente una imagen de la calle como por mover el ojo del lector por la página en el modo en que quieres que se mueva. Tratar de dibujar con realismo simplemente provoca una miríada de frustraciones en cuanto al uso apropiado del lenguaje del cómic. Piensa en el lenguaje de la historieta como una serie de caracteres (letras) ordenadas deliberadamente para formar palabras.
(...) Idealmente, cuando el observador “lee” una historieta, está ingiriendo la información de la misma manera que cuando está leyendo un texto. Toma las palabras y los dibujos icónicos condensados y procesa esa información para dar vida a la historia, muy parecido a lo que hace cuando lee las letras impresas de una novela. Cuando miras una pintura, no tiendes a leer la imagen de la misma manera; en lugar de eso, observas. El ojo va de un lado a otro decidiendo “qué significa” todo eso. Algunas pinturas son más directas en el modo en que controlan el ojo, pero aún así creo que es un proceso enteramente diferente. Tú no miras un cómic –lo lees."

Vaya. Me alegra compartir ideas con Seth, todo un honor pertenecer a este club de ignorantes. Lo digo porque hace tiempo mantuve cosas parecidas, o al menos muy relacionadas, aquí, pero no siempre obtuve respuestas digamos adecuadas. Es lo que pasa cuando se responde con argumentos ad hominem, en lugar de atender al argumento en sí mismo con indendencia de quien lo diga.

SOSPECHOSOS HABITUALES

De izquierda a derecha: Joe Sacco, Seth fumando de pie, Art Spiegelman sentado fumando, Chester Brown y Adrian Tomine. Del audio reportaje de THE NEW YORK TIMES que enlazaba antes, titulado GRAPHIC NOVELS, A VISUAL LANGUAJE.

GEORGE SPROTT (1894-1975)

La nueva tira de cómic en THE FUNNY PAGES del New York Times: GEORGE SPROTT(1894-1975). Su autor, Gregory Gallant, aunque es más conocido por otro nombre. Ojo al audio ilustrado con diversos autores de "novelas gráficas" que aparece también en la misma página.

(visto en The Beat)

IT'S A GOOD LIFE

En VENTILADORES CLYDE Simon colecciona obsesivamente postales de un céntimo. De manera no muy distinta, el protagonista de LA VIDA ES BUENA SI NO TE RINDES colecciona tiras cómicas. ¿Qué te hace acudir al tema del coleccionismo?

Me resulta difícil visualizar un personaje que no coleccione cosas. Coleccionar es un parte tan esencial de mi vida que me parece natural que todos mis personajes coleccionen cosas. He intentado controlar esta tendencia cuando escribo, pero conforme pasa el tiempo empiezo a aceptar la idea de que todos mis personajes podrían ser coleccionistas. Las cosas que la gente posee y por qué quieren poseerlas dice mucho de ellas como personas. Además, buscar cosas es una metáfora tan directa de buscar un sentido... que es justo de lo que van mis historias (la mayoría de ellas, en realidad) claramente.

(...)

Cuando concibes una historia, la escribes en forma de guión o la abocetas en viñetas? ¿Hay un proceso específico cuando empiezas a idear tu trabajo o difiere según el caso?

La mayoría empieza en mi cabeza y luego hay varias etapas donde tomo notas. Pero el trabajo del cómic empieza cuando, normalmente, escribo las escenas que quiero incluir y los diálogos -o narración- que incluiré. Entonces llega la planificación real, que es cuando me pongo a abocetar desglosando el cómic. Entonces es cuando se escribe realmente (en mi opinión). Después, sólo queda el laborioso trabajo de dibujar y entintar.

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Los cómics y la prosa tienen cosas en común pero menos de lo que la gente piensa. En realidad, en lugar de ser una combinación de dibujos y literatura, o de cine y literatura, creo que los cómics están más cerca de una combinación de poesía y diseño. Los dibujos en el cómic deberían ser usados, idealmente, como elementos de diseño. No están ahí simplemente como algo bonito... no, cuando se usan bien los dibujos, funcionan como símbolos para dirigir el ojo y las emociones (en cierto modo, los dibujos constituyen un lenguaje más simbólico que las letras del alfabeto). Los dibujos intentan ser atractivos y crear imágenes evocadoras... pero también, claramente, están colocados en la página como elementos dentro de un diseño global que te dirige (al lector) a través del cómic. Como la poesía... escribir cómics tiene todo que ver con el ritmo. No estás escribiendo poesía en un sentido tradicional, pero el modo en que la escritura se fragmenta en las viñetas y cómo fluyen a través de la página -el modo en que se marca el ritmo- tiene todo que ver con cómo suena en la cabeza. La concisión, el ritmo, las pausas mudas. Son elementos que probablemente tienen más que ver con los versos libres que con la novela tradicional.

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El mercado del comic-book está ciertamente en declive (o eso me parece) y el mercado para libros parece en ascenso. Para mí, las cosas sólo han ido a mejor. Creo que está llegando la era de las "novelas gráficas". Quién sabe, las cosas siempre suben y bajan. Me dedico a hacer mi trabajo sin preocuparme por la situación, aunque obviamente prefiero que las cosas vayan bien.

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¿Es viable el mercado de librerías para las novelas gráficas, a gran escala?

Nada parece viable. Gracias a Dios, tenemos a editores como Fantagraphics o Drawn & Quarterly. Es siempre duro encontrarte con que tu trabajo publicado está fuera de las tendencias populares. No sé cómo podría continuar sin Chris Oliveros... sólo el hecho de saber que él está dispuesto a publicar mi trabajo y que quiere ayudar de cualquier modo a que el proceso sea perfecto hace que la vida merezca la pena. Es un santo.

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Seth, entrevistado en Bookslut.