martes, julio 15, 2008

EL DIBUJO / EL DIBUJO

DIBUJO FRENTE A 'CARTOONING'
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"Cartooning no es realmente dibujar, no más que hablar sea cantar… El vocabulario de los cómics es, por definición, ilimitado, la tactibilidad de una experiencia narrada en imágenes fuera de los límites de las palabras, y el ritmo en cómo se "sienten" estos dibujos cuando son leídos es donde reside el verdadero arte."

“Creo que el dibujo “trata”, o al menos el buen dibujo, de intentar ver. Lo más importante es el detalle y la mirada. Mientras que cartooning consiste en hacer que una historia funcione con símbolos... Los dibujos de cartoon -por la propia naturaleza del modo en que son usados como símbolos- en gran medida no son realmente dibujos porque la información que tienen es muy rudimentaria, o conceptual.”

“Básicamente, es mejor utilizar ideogramas que dibujos realistas. Hay una vulgaridad en mostrar algo como lo ves y lo experimentas realmente. Levanta un extraño muro que bloquea la empatía del lector.”


Lo dice Chris Ware, a propósito de la distinción que él hace entre "drawing" y "cartoon". Las citas proceden, respectivamente, del texto introductorio de Ware para McSweeney's Quarterly Concern #13, de una entrevista de Gary Groth para The Comics Journal (1997) y del libro de Daniel Raeburn CHRIS WARE (2004). Ware reserva el término "dibujo" a lo que solemos entender por dibujo artístico, un dibujo representacional, ilusionista, detallado. Como el que practica en sus cuadernos de bocetos, por ejemplo, este autorretrato de Ware de aquí abajo.


Cartooning sería, en la distinción de Ware, el tipo de dibujo que prefiere para sus tebeos: caricaturesco, sintético, simbólico, una especie de signo gráfico. Como en este personaje trasunto de sí mismo que aparece en su serie RUSTY BROWN:



Dos ejemplos más, ambos están dibujados por la misma mano. Uno procede del cuaderno de dibujos de Ware, el otro es una página de JIMMY CORRIGAN.




"Llegué a mi forma de "trabajo" como un modo de aproximación visual a lo que yo percibo que es el tono de la prosa de ficción, frente al tono que se puede usar para escribir una biografía; yo nunca haría una historia biográfica usando deliberadamente la forma sintética de cartoon que uso para escribir ficción. Trato de utilizar las reglas de la tipografía para regir la forma en que yo "dibujo", lo que me mantiene a una distancia razonable de la historia, además de ser una analogía visual del modo en que recordamos y conceptualizamos el mundo. Me imaginé esta forma de trabajar estudiando y aprendiendo de los artistas que admiro y que creo que llegaron cerca de lo que me parece la "esencia" de los cómics, que es fundamentalmente el extraño proceso de leer imágenes, no sólo mirarlas. Veo las líneas negras de los cartoons como aproximaciones visuales a la forma en que recordamos ideas generales, y bajo ellas trato de usar color naturalista para sugerir al mismo tiempo una experiencia perceptiva, que creo que es más o menos la forma en que experimentamos realmente el mundo como adultos; realmente no "vemos" más después de una cierta edad, gastamos nuestro tiempo en nombrar y clasificar e identificar y calcular cómo encaja todo junto. Lamentablemente, creo que a veces los lectores obtienen una sensación antiséptica o fría de eso, lo que sin duda no es deliberado, y es algo que tengo que admitir como un fracaso, pero también algo que no puedo cambiar completamente en este momento. (...) Me doy cuenta de que todo esto está demasiado pensado, que es un tanto dogmático y que limita de alguna forma la manera de acercarse a los cómics, especialmente si se trata de ver a mis tiras como "buenos" dibujos, porque no lo son, pero también me ha permitido finalmente llegar a un punto en el que estoy en condiciones de escribir con imágenes sin tener que preocuparme por cómo estoy dibujando algo, en lugar de eso me permite concentrarme en cómo los personajes "sienten". Yo no recomendaría este método a nadie; es solamente la manera en que yo trabajo, aunque ciertamente no creo que sea la única manera de trabajar en los cómics en absoluto." (Ware, entrevistado en 2006 por Rebecca Bengal para P.O.V. )

7 comentarios:

Gabriel Corbera dijo...

Estas palabras son de Seth. Que vienen a decir un poco lo mismo. Proceden de una entrevista que supongo que la mayoría ya hebréis leído:
"Si salieras al patio, estuvieras un rato ahí y luego volvieras a casa y dibujases la escena con la intención de simplificarla, tendrías un buen dibujo de cómic. Imagina que la escena real se descompusiera rápidamente a una foto en blanco y negro, con mucho contraste, y después dibuja: una especie de dibujo de recuerdos.
Los dibujos en un cómic son generalmente dibujos de recuerdos: la simplicidad de las líneas de tinta pueden actuar como un desencadenador de recuerdos. Rellenas los huecos en blanco de la experiencia y recuerdas, por ejemplo, un campo en el que has estado. Recuerdas el color, el olor, cómo se movía la hierba; como en un flash de la memoria, creas las texturas… el lector/observador, idealmente es un fantasma flotando sobre un mundo onírico de recuerdos.
El artista de cómic trata de reducir la experiencia de la vida real a una imagen capaz de transmitir la profundidad de la vida simplemente sugiriéndola. Eso es hacer buenos cómics. Es difícil hacerlo bien. Ver a un buen historietista sugerir un día de invierno en sólo un par de líneas es comprender la belleza de algo bien hecho."
Por apoyar un poco los argumentos de Ware y eso.
Un saludo-

pepo dijo...

ja, ja... me río porque tenía preparado en borrador otro post sobre Seth, con citas de esa misma entrevista. No exactamente estas que tú copias, pero sí otras.

Max Vento dijo...

Sin embargo, la riqueza del cómic está en que, ésa es una de las muchas aproximaciones posibles.

Señor Punch dijo...

que no, que ni Seth, no Ware saben dibujar.
Bi nadie, nadie sabe dibujar ;)


(por si alguien está opaco, estoy de coña, claro...)

Señor Punch dijo...

(uf, qué mal ando al teclado... lo dejo)

Anónimo dijo...

Exacto. Es frecuente comparar la evolución del dibujo en el comic (que no al comic)con la evolución de la pintura. Cómo se pasó en pintura del realismo al expresionismo y luego al arte abstracto. Esa evolución parece inevitable en el arte figurativo porque a la escultura le ha pasado más o menos lo mismo.

Sin embargo lo que Ware dice aquí tiene mucha más relación con la literatura que con la pintura. Y lo que me parece que hay gente que no ve es que la literatura usa los detalles a su antojo. Los suprime más que ningún otro arte y al mismo tiempo los subraya más que ningún otro. Es extremadamente conceptual en un cuento y puede ser verdaderamente detallista en la mayoría de los diálogos. Y casi todas las novelas pasan de un estado a otro con relativa facilidad. A eso tiene que aspirar el comic.
Pero en la literatura hay párrafos y frases célebres. Y en comic también los hay y seguirá habiéndolos porque hay una belleza intrinseca en una buena frase y en una buena viñeta. Hay escritores famosos por lo bien que escriben (porque escriben de forma bella) y otros por las obras que escriben. Aunque parezca lo mismo, no lo es (y de hecho pasan a la posteridad muchos más de los segundos que de los primeros).

Lo que tenemos que asumir es que el comic no solo es un arte muy joven, sino que es muy abierto (mucho más abierto que el cine, por ejemplo). De hecho creo que solo la literatura y la música lo son más. Por eso a cada camino que se abre (y se ha abierto) le queda un tremendo recorrido. Ware es hoy el precursor y máximo exponente de uno de esos caminos.

Thalcave

Anónimo dijo...

El comic, es a día de hoy y para la mayoría, un incomprendido entre las artes, pero sus posibilidades son amplísimas y muy válidas. Lo que afirma Seth requiere una gran técnica e imaginación; trasladar recuerdos o sensaciones sin ser fotográfico, mediante tu propio lenguaje y en viñetas, es a lo que debe tender una autor de comic, claro esta, si le deja el mercado, o si realmente quiere tener su propio estilo.
Enhorabuena por el blog Pepo
Miguel