miércoles, julio 16, 2008

EL DIBUJO / EL DIBUJO (II)

"JEROGLÍFICOS DEL SIGLO XX"
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Chris Ware no es el único autor preocupado por estos temas. Hay otros autores de cómic que tienden a distinguir entre el dibujo de base representacional, ilusionista, y un dibujo más emblemático y estilizado, más de signo gráfico, prefiriendo éste último para hacer sus tebeos. Por ejemplo:

"Últimamente he estado inmerso en los grabados japoneses. Hay ciertas cosas de ellos que me atraen y se relacionan con los cómics. (...) Es una de las razones por la que me interesan tanto [por su fórmula restrictiva y muy estilizada]. Se parecen mucho al dibujo de cómic, que en muchos aspectos es emblemático. La gente tiende a reconocer una cierta configuración de líneas como una nariz, por ejemplo. (…) Manejan una serie de imágenes que, como los cómics, tienen que transmitir información. Tienen que decirle al lector que una cosa está sucediendo o que un personaje en particular es un personaje en particular. Para hacer esto, el dibujante tiene que usar emblemas familiares, reconocibles. En Daredevil, son los cuernos y el emblema del pecho lo que le hace inmediatamente identificable. Pero es más profundo que eso. Afecta al estilo básico del dibujo. Por eso hay tantos dibujantes completamente manieristas. Usan imágenes familiares, confortables. Si te pones a acabar cada imagen de manera fotográfica, probablemente vas a perder la atención del lector o le vas aburrir.”

Lo decía Frank Miller en 1981, en una entrevista de Dwight Decker para The Comics Journal. Por entonces Miller tenía 24 años, y apenas había realizado la mitad de sus episodios como guionista y dibujante en la serie DAREDEVIL. Más de la misma entrevista:

“He estado trabajando para conseguir que mis dibujos sirvan al propósito de hacer progresar la historia, de contar la historia. Me he dado cuenta de que muchas de las viñetas más detalladas y peor compuestas que hacía estaban oscureciendo la historia. Destacaban como ilustraciones individuales, pero no servían al propósito de la narración.

(...) ¿Es posible que te hayas vuelto tan abstracto que hayas divorciado tu dibujo completamente de la realidad? ¿Estaría el lector reaccionando solamente a líneas sobre papel en lugar de visualizar a gente real haciendo cosas?

Sí, eso es muy común. Estamos sólo a unos pocos pasos del dibujo de funny animals. Esto no es en absoluto despectivo para lo que hacemos. Estamos haciendo jeroglíficos del siglo XX."


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1986


2002


1986/2002

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(El dibujo / El dibujo. Primera parte)

13 comentarios:

Federico Reggiani dijo...

Quizás haya que refinar un poco la oposición. Porque lo que hace Ware es borrar todo elemento gestual del dibujo, a efectos de asegurar la claridad expositiva.
Pero ay trabajos de Alberto Breccia en que lo gestual crece aun poniendo en crisis la comprensión del contenido informativo de la viñeta, y eso no los vuelve más "representativos" o "ilusionistas" (pienso en Buscavidas tanto como en su Eternauta o Los Mitos de Cthulu).

Federico Reggiani dijo...

Donde dice "ay" no es que me duela algo, debe decir "hay"...

Gabriel Corbera dijo...

Es que tras los anteriores comentarios de Ware ("Veo las líneas negras de los cartoons como aproximaciones visuales a la forma en que recordamos ideas generales") o la idea de Seth que dice que “la línea dibujada es una proyección de la experiencia”, lo primero que uno piensa es en los artistas japoneses y sobretodo en su método de trabajo -que tras horas de observación de un paisaje o de un objeto se disponían a representar la imagen determinada a través de lo que recordaban de ella. Es decir que pintaban el recuerdo de lo que habían observado sin tratar de responder de una forma directa al modelo real. Esta claro que tanto las afirmaciones de Seth como la de Ware responden a lo que entendemos por icono y valdrían tanto unas como otras para definirlo como imagen, creo yo. No es de extrañar que Miller extrajera estas conclusiones que creo están en consonancia con las ya mencionadas. Me pregunto si la verdadera "vocación" del Cómic es en realidad completamente impresionista. No sé...
Siento la brasa que os he metido :-)

carlos maiques dijo...

No sé cuál puede ser la "verdadera" vocación de un medio. Una vez existe cada persona intentará hacer lo que pueda o quiera con él, a veces será impresionista, otras un ensayo periodístico, etc.

Steve Rude cuenta en una entrevista cómo volvió a mirar los bocetos de los dibujantes de Disney clásicos, de qué manera tan sutil y decisiva unos pequeños cambios, escasos, alteraban casi por completo un dibujo, definiendo y diferenciando un personaje de otro, una acción de las siguiente. Una cuestión de trazo, proporción (¿abstracción de la forma previa a Ware?)

En una entrevista a Miller y Janson, (allá por el 80, más o menos)ambos decían estar trabajando con pautas expresionistas a la hora de destacar aquello fundamental para el desarrollo de la historia, como, citaban como ejemplo, una botella de licor "demasiado" grande sobre la mesa de un bar.

Los códigos a utilizar son tantos que dentro de una escuela o estilo ya son legión, en el caso de los grabados japoneses (la representación de la lluvia monzónica, con esas líneas rectas tan Sin City, si queremos verlas así), al igual que en la pintura china (las diferentes pinceladas para según qué etapa de la corriente del río)o en acabados de obra calcográfica europea (el impresionante grabado del rinoceronte de Durero, realizado a partir de testimonios, y sin haber visto al animal) existen maneras de representación de la materia, el movimiento, las sensaciones, los planos, incluso el tiempo.

Esto sucede hasta con Kandinsky y Albers en un registro abstracto de forma y color. Es inevitable que lo mismo pase en un medio -la historieta- que combina tantas posibilidades abiertas a un tiempo. Otro asunto es lo mejor o peor que se haga, y depende asímismo de muchos factores,a veces externos a la voluntad del autor.

Es un tema casi inagotable, porque se trata no de la forma, si no de la forma de ver la forma. Por eso las diferentes etapas de los dibujantes son muy interesantes de seguir: el aprendizaje, la consolidación de un estilo, la decadencia o fosilización del mismo en algunos casos, la exploración continuada en otros (sin que esto implique una mejora cualitativa, que todo hay).

Buf, lo siento por la chapa/brasa. Un saludo.

pepo dijo...

Sí, claro, Federico, el estilo de Ware es muchísimo menos gestual (prácticamente nada) que el estilo (los estilos) de Miller. Precisamente por eso he separado los posts, no quise poner las declaraciones de Miller en el mismo post de Ware, aunque en el borrador las tenía así al principio. Sí hay de fondo, creo, una misma preocupación sobre cómo resolver deteminados problemas del dibujo en el cómic, y creo que comparten un planteamiento similar (huir del dibujo ilusionista hacia un dibujo más emblemático, simbólico o como queramos llamarlo). Luego ya cada uno encuentra a su manera sus propias soluciones para esos problemas.

Gabriel Corbera dijo...

Pero me refería sobretodo a un nivel gráfico, no tanto argumental. A lo que entraña de por sí la línea de un gráfico dentro de una viñeta (no tanto el estilo de un autor). El dibujo ralizado para ser leído como una historia (sea de ficción, periodística, biográfica, etc). Quiero decir que no importa tanto en este contexto si el tamaño de de la botella es exagerado o el adecuado, sino el modo en que es representada la botella. Es decir en la imagen que tengo de una botella a "grosso modo", en que más allá del estilo, el dibujante tiende a omitir los detalles más superfluos para representar un objeto en concreto con la intención de mejorar el orden de lectura. Es decir, tal y como funciona la memoria cuando tratamos de recordar, que se maneja con las impresiones que hemos recibido al ver tal o cual cosa. No sé si me explico, que andamos espesos...

pepo dijo...

"En una entrevista a Miller y Janson, (allá por el 80, más o menos)ambos decían estar trabajando con pautas expresionistas a la hora de destacar aquello fundamental para el desarrollo de la historia, como, citaban como ejemplo, una botella de licor "demasiado" grande sobre la mesa de un bar. "

Peter Sanderson: Primero, tal vez, deberíamos definir a los lectores en qué consiste el expresionismo, al menos del modo en que vosotros lo veis.

Frank Miller: Antes habéis dado una definición de expresionismo que estaba muy bien. Aunque voy a daros la mía, a pesar de que probablemente venga a decir prácticamente lo mismo. El expresionismo se produce cuando, mediante la simple manipulación o distorsión, el dibujo de la realidad exterior representa la realidad interior de los personajes.

(...) PS: Así como la gente que hace tiras de humor puede dibujar animales caricaturizados y paisajes extraños a lo Herriman, el mismo modo tú puedes llegar a distorsionar la realidad, hasta cierto punto, en lo que se podría considerar un cómic serio [Daredevil].

FM: Sí, creo que se ha dado una tendencia desde que una nueva generación entró en el mundo del cómic hace 15 años o cuando fuera (...)

Klaus Janson: ¿Me permitís mencionar una cosa? Hay una escena en Daredevil 181, donde los pensamientos de Bullseye llegan a ocupar toda la página. En la viñeta de más arriba aparece dibujada una botella de whisky, y resulta bastante obvio que dicha botella está desproporcionada con respecto a él. Es demasiado grande. En su momento me percaté de ello y me dije ¿querrá Frank de verdad que esta botella sea tan grande? Y pensé: sí. Estaba de acuerdo con él. Ahí estaba empleando el expresionismo para mostrar la enorme cantidad de alcohol que había ingerido el personaje y lo importante que era el alcohol para él, al utilizar este recurso se cercioraba de que el lector se diera cuenta de eso mismo.


Entrevista a Miller y Klaus Janson de Peter Sanderson, noviembre de 1981. La traducción (de Raúl Sastre) la he sacado de la que aparece en los tomos del Daredevil de Miller de Panini.

Gabriel Corbera dijo...

Por cierto, Carlos, lo de "espesos" lo decía por mí, no por ti, claro. No sé si había quedado muy claro... ;)

pepo dijo...

Yo sí me he enterado de lo que querías decir, eh?

carlos maiques dijo...

Dirigir la lectura de imagen y texto hacia donde interesa comunicar, en definitiva. Después están los errores de casting, la mala planificación, los encargos sobredimensionados, o todo lo contrario, la ambición correspondida, los hallazgos y la sensación que a veces tenemos de "sólo se podía hacer de esa manera" (por ejemplo, para mí, Watchmen)

Caray Pepo, qué máquina de buscador eres.

La espesura viene con el calor y yo tampoco me libro de ella, qué le vamos a hacer por un poco más de calima...Un saludo.

Gabriel Corbera dijo...

La verdad, Pepo, es que he alucinado con la celeridad con la que has encontrado el extracto de la entrevista que mencionaba Carlos. Me da que tienes a un séquito de pupilos hacinados en una habitación trabajando para ti...

pepo dijo...

No, no, ja, ja. Es que PRECISAMENTE había leído esa entrevista justo anoche, para ver si había algo sobre "el dibujo" que pudiera añadir al post, pero al final me pareció que los temas de dibujo de los que hablaban eran distintos al de este post. Es como lo del "expresionismo", que es un tema interesante pero, como decía Gabi Corbera, es distinto (aunque pueda estar conectado) a lo que Miller dice sobre los grabados japoneses y el dibujo emblemático y estilizado que ya por 1981 andaba buscando. O lo que dicen Ware y Seth sobre la representación conceptual de la realidad en sus tebeos, o, como dice Ware, sobre utilizar ideogramas en vez de dibujos realistas.

Anónimo dijo...

como quisiera nunca haber leido dk2 un ocaso de frank miller (tanto la historia como el dibujo)donde es tanta su flojera y automatizacion a la hora de dibujar que todas las figuras son mujeres; desde ese dia ya no admiro a miller.