THIS IS...

Callum me contó que en lugar de "¡Es totalmente gay!" los chicos dicen ahora "¡Esto es Esparta!"

--Eddie Campbell

LOSING MY EDGE (COMIC REMIX)

Sean T. Collins ha reescrito la letra de la canción sobre "frikis de la música" que dio a conocer a LCD Soundsystem. Extracto:

I'm losing my edge.
I heard you have a compilation of every good comic ever done by anybody.
Every great book by Jack Kirby.
All the underground hits.
All of the Boody Rogers strips.
I heard you have a hardcover of every Tintin album on Belgian import.
I heard that you have a mini of every seminal Bill Sienkiewicz book - 1985, '86, '87.
I heard that you have a TPB compilation of every good '60s strip and another HC from the '70s.
I hear you're buying a P.O. Box and a Kinko's card and throwing your Diamond deal out the window because you want to make something real.
You want to make a King-Cat comic.
I hear that you and your friends have sold your Peanuts and bought manga.
I hear that you and your friends have sold your manga and bought Peanuts.
I hear everybody that you read is more relevant than everybody that I read.
But have you seen my comics?
Milt Gross, Steve Gerber, Chester Brown, Tsuge, Spain, Hal Foster, Mike Diana, King Terry, Lyn Ward, John Porcellino, Phoebe Gloeckner, Grant Morrison, Hergé, Junji Ito, Aline Kominsky, Jennifer Daydreamer, Rory Hayes, Osamu Tezuka, E.C. Segar, R. Crumb, Jules Feiffer, Herblock, Mark Beyer, George Herriman, Takashi Nemoto, L'Association, Ben Jones, Lynda Barry, Moebius, Justin Green, FC Ware, Charles Burns, Al Columbia, Frank King, Bernie Krigstein, Frank Miller (Goddamn Batman!), Will Elder, Art Spiegelman, Ernie Bushmiller, Julie Doucet, S! Clay! Wilson!, Jack Chick, Blutch, Mattotti, David Mazzuchelli, Los Bros Hernandez, Joost Swarte, Igort, Steve Ditko, Steve Ditko, Steve Ditko, Steve Ditko.


(vía)

MoCCA

Un ejemplo de lo que se cuece estos días en el Museum of Comic and Cartoon Art de Nueva York: una muestra de originales del MAD clásico (un solo día, 29 de octubre), ayer presentaba Kim Deitch una selección de viejas películas animadas de su colección y el mismo Deitch, que tiene en este museo una exposición retrospectiva de toda su carrera hasta diciembre, será entrevistado el 13 noviembre por Bill Kartalopoulos, comisario de su exposición. Y el 20 de noviembre habrá una presentación y firma de novelas gráficas europeas con David B, Nicolas de Crécy, Jaromír 99 y Jaroslav Rudiš, Isabel Kreitz y Max.
Por cierto que esta última cita forma parte de un calendario más amplio de actividades y debates. Una de las charlas previstas en este ciclo sobre novelas gráficas europeas será moderada por David Mazzucchelli en la School of Visual Arts de NY.

NADIE PUEDE HACERLO POR TI

Aunque amo a mis padres, llegó un momento en que no hacía las cosas como ellos querían. Me pregunto si algunas veces los jóvenes lo hacen. Sabemos que somos personas únicas y que somos quienes somos. Puedes escuchar una clase de dos horas y no enterarte de nada. Simplemente haces las cosas como quieres hacerlas. Cada uno tiene que hacer sus propias invenciones. Es una de las razones por las que creo en las personas, porque creo que cada una es especial -no hay que someterse a las ideas de nadie, sino casar las propias con las de ellos-. Debemos observar los fallos y los aciertos de los demás y aprender de ellos.

Entonces aprendiste mucho imitando, ¿no?

Sí, aprendí mucho así, y creo que todos lo hacemos. Siento decirlo de una forma tan sincera y aplastante, pero en cierto modo somos como los monos.

Una idea muy interesante.

Observamos lo que hacen los demás, y todos queremos ser el líder de la manada. Para mí ese es nuestro principal impulso. Si dirigimos un taller, queremos que sea el mejor. Si dibujamos, tenemos que hacerlo mejor que el otro. Las palabras no tienen efecto sobre nosotros, solamente sobre la gente que están en un estado como de ensoñación o de temor.

Entonces, ¿qué cosas tienen efecto? ¿Qué es lo que nos impulsa realmente?

El comportamiento. Hacer cosas o intentar hacerlas. Tomar decisiones. Para mí, los dibujantes de cómic son personas que tienen que tomar decisiones, porque tienen el esquema de guión en las manos y no van a desviarse de él.

En eso tienes razón. Toma decisiones mientras hace los bocetos.

Mientras está abocetando, si no le gusta el resultado, cambia de decisión y se convierte en un profesional por sí mismo. Nadie puede tomar decisiones por ti: tienes que hacer tú solo. Partimos de un modelo que existe dentro de nosotros. A veces la gente habla de dedicación, pero no creo en ella. Yo creo en el impulso, un impulso completamente animal que te hace lograr lo que te propones, y no creo que sea algo malo.

Ya veo. Lo ves como una forma de realización personal. Entonces (...), tu impulso era ser el jefe de la manada, y más en concreto, no tenías que salvar el mundo y no tenías ni has tenido que transmitir ningún mensaje. Por lo menos hasta ahora.

Hoy en día estoy en el mundo del espectáculo. Soy un actor e intento ser el mejor, dentro de mis posibilidades.

Entonces tú eres así. No necesitas un vehículo para decirle algo al mundo o a mí.

No tengo nada que decirle al mundo porque todo lo que pueda decirle es inútil. Si tuviera un mensaje, sería: "Haced lo que queráis, no hagáis daño a nadie por el camino y sed lo más positivos que podáis".

(...) Como artista, estoy preocupado por el mercado y por las ventas. Pero por lo primero que estoy preocupado es por mi familia. No soy alguien que viva abstraído en sí mismo. (...) Captain Victory es mi respuesta a Steven Spielberg, que es un tipo muy majo que piensa que a él le van a pasar siempre cosas buenas. Yo soy más realista.

¿De qué va Captain Victory?

Es una historia sobre la vida. Captain Victory sabe que para ganar tienes que sacrificarte. Si ganas, sigues adelante, y si sigues adelante, todo lo que hay es sufrimiento.

MUSEO DEL CÓMIC

Nota de prensa desde FICOMIC:

El Conseller de Cultura anuncia que el Museo del Cómic será una realidad.

Barcelona, 30 de octubre de 2008…// En el acto de inauguración del XIV Salón del Manga, que ha tenido lugar esta mañana en La Farga (Hospitalet de Llobregat, Barcelona) Joan Manuel Tresserras, Conseller de Cultura de la Generalitat de Catalunya, ha mostrado el Plan Director del futuro Museo del Cómic de Catalunya.

Ha explicado que dicho plan ha sido elaborado a partir de un proyecto inicial de FICOMIC, que a su vez ha sido enriquecido y mejorado con la aportación de diversos especialistas y profesionales del cómic y la ilustración, además de museólogos. Todo este proceso de discusión ha sido coordinado por la empresa Artimetría bajo la supervisión de la misma Conselleria de Cultura.

Dicho plan contempla un museo que va a dar cabida a la ilustración y el cómic creado en Catalunya, así como a una selección de los mejores artistas del mundo. Así mismo ha avanzado que el próximo paso, en el 2009, es dotar de estructura jurídica al museo, al mismo tiempo que empezar a concretar su ubicación. Tresseras ha explicado que se han recibido propuestas de diversas ciudades, entre ellas una de L'Hospitalet de Llobregat, urbe que alberga el Salón del Manga.

La jornada inaugural del Salón se ha completado con la presencia de dos destacados dibujantes japoneses: Junko Mizuno, quien ha deslumbrado con su simpatía y su buen hacer artístico, y Yoshikazu Yasuhiko, un auténtico maestro del manga, quienes han tenido una apretada agenda para satisfacer a fans y periodistas. Ambos artistas han sido las primeras estrellas en venir al Salón del Manga.

El XIV Salón del Manga se celebra hasta el 2 de noviembre en La Farga de l’Hospitalet (Barcelona) y repite su formato en tres recintos conectados por un servicio de bus gratuito, el Mangabus. La Farga, que alberga exposiciones, conferencias, expositores, talleres y videojuegos; el Poliesportiu del Centre, donde tienen lugar el karaoke, actuaciones y los concursos de cosplay y el Auditori Barradas, donde se celebran las proyecciones cinematográficas.

EL JUEGO DE SPIRIT

Aquí

(gracias, Javier)

EL FUTURO SERÁ LUEGO

Esa portada es la del catálogo/tebeo de una exposición del Festival Periferias de Huesca de este año. La exposición, titulada EL FUTURO SERÁ LUEGO, ha sido comisariada por Bernardo Vergara (suya es la portada de arriba), y en ella hemos participado los siguientes autores: Manel Fontdevila, Gallardo, Santiago Valenzuela, Paco Alcázar, Manuel Bartual, Sagar Forniés, Javier Peinado, Santiago García, Javier Olivares, Javier Peinado, Luis Bustos, Juaco Vizuete, Pep Brocal y yo mismo, cada uno realizando una página de cómic con el tema común del futuro. La expo se inauguró este viernes en el Centro Cultural del Matadero de Huesca, y estará abierta hasta el 2 de noviembre. Más información y una viñeta de muestra de cada uno, aquí.

CONVITE RETRANQUEIRO

HOJEANDO CÓMICS

Juan Álvarez y Jorge Gómez, los autores de la serie LOS MENDRUGOS (y del cartel de la derecha), continúan coordinando el ciclo HOJEANDO CÓMICS para la Biblioteca Regional de Murcia, que ha comenzado la nueva temporada con una charla de Álvaro Pons -que tuvo lugar el pasado 8 de octubre-, y continúa ahora con la que dará el dibujante Kano el próximo 4 de noviembre (díptico de abajo). Será a las 20:00 horas, en el Salón de Actos de la Biblioteca Regional.



Más información sobre el cómic en Murcia en Murcia Cómic

LA EDUCACIÓN

Hace poco terminaba de leer THE EDUCATION OF HOPEY GLASS, el penúltimo recopilatorio de Jaime Hernandez en USA, un libro que funciona como "historia larga en forma de historias cortas" interrelacionadas a través de distintos personajes de un mismo universo, el de LOCAS (en realidad es lo que ha hecho siempre este autor). El álbum, cuya edición española ya ha anunciado La Cúpula para finales de este mes, me ha parecido una barbaridad, de las mejores sagas de Xaime que he leído de toda su carrera. Aún después de tanto tiempo, y ya le falta poco para cumplir treinta años en el tajo, Jaime Hernandez sigue tan inspirado como en el mejor de sus momentos, sigue teniendo cosas que contar y cada vez las cuenta mejor. Además de eso, aún es capaz de hacer cosas que nadie ha hecho antes en el cómic, y hablo sobre todo del tono, de la voz narrativa -esa voz tan personal, rara y hermosa- y de las cuestiones inefables sobre relaciones humanas que consigue captar con éxito en sus viñetas.

De dibujo estrictamente hablando el tebeo es un verdadero recital, Xaime en estado de gracia ofreciendo cada vez más con menos (dos páginas abajo para comprobarlo) y entrelazando "guión" y "dibujo" en un todo donde es imposible discernir una cosa de la otra. Por otra parte, los personajes de Locas maduran a la par que el autor, y por eso van teniendo experiencias nuevas conforme cumplen años: ahora mismo Maggie, Hopey, Ray y demás andan por los cuarenta o alrededores, y realmente tienes la sensación de que les pasan cosas de esa edad aunque este costumbrismo esté visto a través de las gafas especiales de Jaime. Es y no es costumbrismo a la vez, gracias a esa presencia fantasmal, mítica y fantástica, que siempre está de fondo, unas veces de manera más evidente -como en el anterior tomo de Locas, GHOSTS OF HOPPERS-, otras veces más en segundo plano, como en este caso. La mezcla de géneros (y esto último lo digo como fórmula para entendernos, porque lo que hace Jaime en realidad no es género, no maneja las convenciones de ningún género identificable) y tonos sigue siendo insólita, pero a pesar de eso el tebeo funciona como en sus mejores historias. También sigue presente esa forma deliciosa y disimulada de abordar temas serios como quien no quiere la cosa, sin despeinarse ni perder "la sonrisa en la boca". Y, por supuesto, siguen estando los gestos, a la postre el elemento más trascendente y universal de Locas... Jaime Hernandez es muy grande, uno de los cuatro o cinco nombres clave del cómic americano de los últimos treinta años. Y esta Educación de Hopey Glass es una nueva prueba de ello.

OBSERVATORIO DE LA ILUSTRACIÓN

Aquí (gracias, Bernardo)

YO NO CREO EN ELLA, YO LA USO

La conclusión que sacaron los ilustradores fue que "España es un país mucho más monárquico de lo que creíamos", aunque, tras la experiencia, ambos siguen creyendo en la libertad de expresión -o, como llegó a decir Fontdevila en el banquillo: "Yo no creo en la libertad de expresión, yo la uso"-.

"Ahora hemos recurrido -explica Guillermo Torres- y el caso debe ir por Estrasburgo o por ahí. Lo mismo nos reducen la multa a la mitad porque con el cambio de nariz, Doña Letizia es distinta..."

"Lo curioso del asunto -reflexiona Fontdevila- es que el juez nos acusaba de zafios y vulgares. Y bueno, eso ya lo sabemos. La cuestión es, ¿podemos serlo?".

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Guillermo y Manel Fontdevila estuvieron este jueves en las II Jornadas de la Universidad de Cádiz ARTE Y CRIMEN. Más

EL MUNDO DE...

Antoni Guiral escribe hoy en el ABCD un artículo donde repasa la vida y obra del gran Escobar (1908-1994), a propósito del centenario de su nacimiento. Desde sus comienzos donde alternaba su trabajo en Correos con caricaturas, chistes e ilustraciones, a su paso por la cárcel Modelo de Barcelona tras la guerra civil como represaliado del franquismo y su entrada posterior en la editorial Bruguera, donde crearía a los personajes que le hicieron célebre, de Carpanta y Petra a Zipi y Zape, entre otros. El centenario se conmemora ahora con el lanzamiento de un Super Humor con "Lo mejor de" Escobar y, sobre todo, con un libro que repasa su vida y carrera, EL MUNDO DE ESCOBAR (abajo), escrito precisamente por el mencionado Guiral y Joan Manuel Soldevilla.

El artículo de Toni aún no está disponible on line en la web de ABCD, pero me imagino que más tarde o temprano lo subirán.


ACTUALIZACIÓN

Listo, ya han subido el artículo. También hay reseña de EL MUNDO DE ESCOBAR, por Javier Mesón.

NOMINACIONES PREMIOS EXPOCÓMIC 2008

Todas las nominaciones, aquí. Muchas gracias por la que toca a este blog. Los premios se otorgan por votación popular, puede votarse en este formulario

FOR YOUR PLEASURE

M8

En noviembre llega a las tiendas un nuevo número de la revista El Manglar, el octavo, y las viñetas de arriba son de la nueva historieta de EL VECINO que Santiago García y yo hemos hecho para este número. Portada y adelanto del sumario completo de la revista en el blog de Manuel Bartual

CóMICS EN FNAC BCN

Baudoin firmará ejemplares en la FNAC Triangle de Barcelona (Plaza Cataluña, 4) el viernes 24 a las 20:00 horas. Y en noviembre, más actos comiqueros:

- Viernes 7 de noviembre, 19:00 horas, Ramón Boldú presentará su nueva obra, EL ARTE DE CRIAR MALVAS.

- Miércoles 12 de noviembre, 19:00 horas, SE BUSCAN PAREJITAS. Si te pasas por allí y le explicas a Manel Fontdevila tu mejor historia de pareja puedes ganar un premio de 300 euros para gastarlo en la FNAC.

- Jueves 13 de noviembre, 19:00 horas. Miguel Ángel Martín presentará su nuevo álbum recopilatorio, BITCH.

ACTUALIZACIÓN
viernes 24 de octubre 14:35


Baudoin ha estado firmando esta mañana y se ha tenido que marchar, luego esta tarde no estará en la FNAC.

WATCHMEN Y NIETZSCHE

Atención a final de la entrevista, donde el filósofo Víctor Casallo explica algunas diferencias entre los superhéroes y el superhombre nietzscheano, dos conceptos que a menudo se identifican cuando en realidad son muy diferentes e incluso antagónicos en ciertos aspectos. Gracias por el video, fer.

METROID

Emma Ríos ilustra la portadilla de la sección Retro -dedicada al video juego Metroid-, en la revista Xtreme de este mes.

QUÉ ES EL PUTO...

TMEO abre blog

NO ES UNA HISTORIA ÉPICA DE ACCIÓN

El trailer, con sus impresionantes imágenes y oscura banda Sonora (un perfecto remix de The End is the Beginning is the End) dejó a las audiencias sin respiración, preguntándose, casi al unísono, una pregunta:

¿Qué demonios era eso?

Ahí radica el problema para el departamento de marketing de Warner. Con lo genial que el trailer era, se basaba solamente en dos premisas: una, el film es de “el visionario director de 300”, Zack Snyder, y dos, sea lo que sea Watchmen, es una historia épica de acción en la línea de 300 y El Caballero Oscuro (la asociación fue implantada en la mente del espectador casual debido a la inclusión del trailer antes de dicha película).


Respecto al primer punto, no me queda duda de que Snyder es visionario. Ha tomado una propiedad que muchos, incluido el gran Terry Gilliam, consideró infilmable. Las imágenes son impresionantes y la fidelidad al material original es casi increíble. Varios blogs han colgado comparaciones entre el trailer y las viñetas de la novela gráfica, plano a plano. El cuidado con que Snyder se ha aproximado a cada parte del film ha calmado cada duda, silenciando al más cínico crítico. El trailer es una reivindicación de la creencia de Snyder en su habilidad para traer el film a pantalla, en su laboriosa, casi obsesiva aproximación a todo, desde el casting al diseño de escenarios, del vestuario al guión y montaje. Merece el adjetivo “visionario” y todo lo que ello implica.

Esto, de todos modos, me lleva al segundo punto. Watchmen no es una historia épica de acción en la línea de 300 o El Caballero Oscuro. Watchmen es, en su mayor parte, una novela gráfica en la que los personajes hacen poco más que estar en habitaciones hablando unos con otros. No es un ataque a Alan Moore, escritor de Watchmen, todo lo contrario, pero el hecho es que el trailer puede llevarte a creer que los personajes están demasiado ocupados pateando culos para conversar. Es genial, vale, pero poco hace por representar el contenido de la novela gráfica o el contexto de las imágenes del trailer.



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Dan Goodswen, en un artículo para el blog de Empire. El texto íntegro ha sido traducido al castellano en el blog PelículaWatchmen, más aquí

ALUCINANTE

...la portada del nuevo disco de Animal Collective. Tanto como la música de este maravilloso grupo.

YouTube al canto del disco anterior: PEACEBONE:

ESTIGMAS

La semana pasada comenzó el rodaje de la película, adaptación del cómic de Claudio Piersanti y Lorenzo Mattotti (gracias, Javier). Dirige Adán Aliaga y protagoniza Manuel Martínez.

Más información

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ACTUALIZACIÓN

Marieta anoche estuvo espectacular, es un privilegio haberme estrenado en esto de ser actor con ella, cada día que pasa soy más y más fun de Marieta Orozco, su intuición delante de la cámara hace que todas las escenas adquieran matices, sentimientos, arrugas que producen el maravilloso efecto de emocionar.

En lo que a mí respecta, tan solo decir que acabe con temblores en los músculos y un dolor de cabeza de aúpa, probablemente haya sido el rodaje más agotador de los que he hecho hasta ahora. También, como no, metí la pata de nuevo, esta vez con vestuario, (perdona Irene, que soy un novato, ya sabes).

Manuel Martínez escribe un blog sobre el rodaje de la película

SET DE CÒMIC

Desde la organización de SET DE CÒMIC tengo el placer de ofreceros la oportunidad de participar en la 1ª Convención de Profesionales de la Industria del Cómic que se celebrará en Lleida los días 21 y 22 de Noviembre del 2008.
Pretendemos en esta 1ª Convención crear un foro de debate entre los sectores implicados en la producción de los comics, una oportunidad para que los profesionales que intervenimos en esta industria podamos enriquecer nuestro conocimiento con la imprescindible experiencia que puede aportar una visión global de todos los elementos que influyen a la hora de crear, editar, distribuir, difundir y vender nuestra obra.

(...) El plazo de inscripción acabará el 5 de Noviembre.

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Ponentes, programación y mucha más información sobre este encuentro, en el blog de SET DE CÒMIC

EL NEGOCIO DE DIBUJAR CÓMIC$ (II)

Hace un par de semanas hablamos aquí de un post de Leif Peng donde hacía un repaso grosso modo a lo que cobraban los dibujantes del comic book americano, desde los años cincuenta hasta ahora. Después estuve leyendo la "masiva" y apasionante entrevista que hizo Gary Groth a Gil Kane en 1996 (se publicó ese mismo año en The Comics Journal, dividida en dos partes en números consecutivos de la revista; extracto) y en ella aludía en bastante momentos a las tarifas cambiantes que cobraban por página los dibujantes de cómic su generación, a lo largo de distintas épocas y dependiendo de para quién trabajasen. La pregunta aquí y ahora, por supuesto, es qué se puede ganar actualmente dibujando cómics en España, y también comparar con las tarifas que se pueden cobrar dibujando en otros campos: ilustración publicitaria, ilustración de libros, storyboards para publicidad, etc. Para eso he preguntado a diez profesionales que viven exclusivamente de dibujar, algunos a tiempo completo haciendo cómics, otros digamos que mitad y mitad, como ilustrador y parcialmente como dibujante de cómic. Lo que sigue es un resumen en base a sus respuestas.

Para empezar con el cómic, en una conocida revista de humor se paga ahora mismo la página a algo más de 250 euros si es en color, y algo menos de eso si es en blanco y negro. Respecto a lo que se puede cobrar por un álbum o novela gráfica publicada por una editorial española, en los contratos se suele partir de un porcentaje del 10% del precio de portada (sin IVA) por cada unidad vendida a cobrar por el autor, teniendo en cuenta que la editorial puede adelantarte la mitad o más del total de lo que cobrarías si se vendiera toda la tirada. Para calcular lo que se puede ganar en total, evidentemente, hay que tener en cuenta el precio de portada del álbum en cuestión y también las tiradas y ventas totales. No olvidemos que si el cómic no está realizado por una sola persona sino por dos o más (por ejemplo, guionista más dibujante), ese mismo porcentaje habrá que repartirlo entre los autores, obviamente. Las tiradas a nivel nacional suelen ser reducidas, al menos en principio, aunque ya no distan de las tiradas habituales de libros (literarios, quiero decir), best sellers y autores de renombre aparte. Estamos hablando de 1.500, 2.000 o 2.500 ejemplares de un cómic, máximo 3.000 ejemplares (que son los que suele tirar en una primera edición una gran editorial literaria que está publicando cómic ahora mismo). Aunque a partir de ahí puede haber casos en los que el cómic se venda mejor y haya que imprimir nuevas ediciones. Aunque sean excepciones, haberlas haylas: álbumes españoles recientes que han llegado a e incluso superado la barrera de 10.000 ejemplares vendidos, lo cual supone varias ediciones consecutivas.

Vayamos ahora al cómic que se está haciendo en la prensa diaria. En este campo se está pagando en algún diario nacional unos 100 euros por viñeta."Pero no es nada representativo, ¿eh? Ahí hay gente ganando mucha pasta", me cuenta un dibujante de prensa. "Hay una generación anterior que con esto del humor gráfico pilló cacho pero bien. Los que venimos detrás vamos más ajustadicos. Que bueno, cien euros diarios no es ni mucho menos para quejarse, ¿eh?". La cifra es, pues, orientativa y puede variar hacia arriba (160, 200 euros o más) o, sobre todo, hacia abajo. Todo ello dependiendo del autor, del prestigio o fama que tenga y especialmente del contrato que haya firmado. También, por supuesto, de la difusión que tenga el diario: obviamente, no es lo mismo un diario nacional de gran tirada o incluso un diario regional importante que un diario local. 

Vamos a comparar ahora con lo que se puede cobrar haciendo ilustración. Un dibujante que alterna diversos trabajos gráficos con ilustraciones puntuales me cuenta su experiencia: "Bueno, lo que es ilustración hago bien poquito, y generalmente el precio me lo ha marcado siempre el cliente". En una revista concreta, la ilustración la cobró a 200 euros pero luego, en un reportaje donde tuvo que realizar una serie de dibujos pequeños, que llevaban menos trabajo, cobró 300 euros por todo el lote. "Aunque en esto último influyó mucho que me apetecía el encargo. Seguramente me lo piden de otro sitio o es algo que no me apeteciese hacer y habría dicho que no".

Otro ilustrador que vive exclusivamente del tema me explica que "las tarifas varían mucho de un medio a otro y de una revista a otra..." En un determinado diario nacional pagan ahora mismo 160 euros por ilustración para un artículo de opinión. En otro diario nacional que acaba de bajar sus tarifas, esa misma ilustración se ha quedado en 90 euros. Otras ilustraciones sueltas se pagaban en el mismo diario a 110 euros... "La cosa oscilaba entre 110 y 130 euros... antes de la bajada de tarifas". También hay revistas que pueden pagar muy bien, hasta 300 euros por una ilustración, pero esto es algo excepcional.

En cuanto a la ilustración de cuentos infantiles, "la cosa ronda alrededor de 2000 euros". Libros que pueden tener unas 30 ilustraciones, es decir, de media estarían pagando alrededor de 66 euros por ilustración. "Luego ya, depende de las colecciones, de si tienen 13 o 30 dibujos, si son a blanco y negro o a bitono, etc... Aunque la cosa viene a estar alrededor de 80, 90 o 100 € por ilustración en los cuentos. La verdad es que los cuentos en general no están muy bien pagados y además en cuestión de derechos de autor te suelen ofrecer (si solo lo ilustras, claro) un 2,5% o así. No sé si a otros ilustradores les pagarán más por los cuentos, pero si sé que algunos consiguen mejores derechos (un 5%). En cuanto a las editoriales infantiles, suelen tener ellos unas tarifas, aunque imagino que también serán sensibles a una negociación (a mí me ha ocurrido, vaya). Y fuera de eso, pues supongo que ahí es ya la ley de la selva, ja, ja... vaya, que Jordi Labanda cobrará más que yo!" 

"Desde las asociaciones", sigue explicando el mismo ilustrador, "también se ha intentado hacer no una media sino un informe orientativo y recomendable de tarifas. Y es complicado, ya lo ves..." Se refiere al estudio económico que ha elaborado la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP), y que desde aquí recomiendo para quien esté interesado en un verdadero informe sobre la profesión.

Otro dibujante que ha trabajado en el campo de ilustración para libros me cuenta también su experiencia: "yo he trabajado con 4 editoriales del ramo. En ilustración de libros educativos, varía mucho en función del tamaño de los dibujos, de si van a ser escenas o elementos sueltos o adornos, de para que edad es, de la asignatura y de si es para autonomías o nacional. Y de si es un libro de texto, un cuaderno del alumno o un cuaderno de vacaciones. Ellos más que contar por dibujos se guían por la mancha en la página, si ocupa 1/4, 1/3, la mitad o toda la página. Sobre eso te dan un precio y tú consideras si te conviene o no, en función de lo que te pueda llevar. O sea, hay curros que están bien y hay curros que sólo si los puedes resolver rápidamente están bien, hay curros que salen mal por error de cálculo y hay curros imposibles que no se pueden aceptar. Lo peor pagado, a priori, que he hecho ha sido unos cuadernos del alumno que eran en blanco y negro, y al final me salió bastante bien porque fue muy rápido; y lo mejor, un libro de texto en el que san Recorta-pega hizo la mitad del trabajo. Pero incluso en un curro que pinta bien, si salen muchos cambios chorras te pueden fundir, o si se trata de dibujos pequeños pero que tengan que ser muy detallados -cosa que no 'ves' hasta que estás metido en ello-, lo que te multiplica el tiempo que tienes que dedicarles y te puede salir la hora de trabajo a un precio como para cambiarte a cualquier otro oficio. Esto también me ha pasado. El entorno de precios en el que he trabajado: libro de texto, a color, un promedio de 120 dibujos -no grandes-: entre 3000 y 5000 euros. La página vendría a moverse entre 90 y 140 euros."

Respecto a la ilustración de literatura infantil-juvenil, "en esto apenas he trabajado, pero tengo una experiencia interesante: he hecho algunos libros que consisten en 10 dibujos en blanco y negro más portada: 900 euros en total. No hay derechos de autor. Tardas unos 10 días en hacerlo. Pero también me ofrecieron ilustrar unos cuentos que me los pagaban a 1500 euros y consistía el curro en unas 20 ilustraciones, a color, tamaño 20x20 y con derechos de autor (un 2% sobre precio de venta)... La ilustración venía a salir a 75 euros, y a ese tamaño... hice unas dos de prueba, tardé una semana entera y les dije que no podía hacerlo, que me era imposible". Cobrar por derechos de autor sólo empieza a ser rentable, me sigue explicando, "si vendes por lo menos 5000 ejemplares... que no los vende nadie por que se editan títulos a mansalva. ¿Cuál es la solución? Tomarse este tipo de curros como un encargo más, tal como harías en un libro de texto, y tirar de oficio. Si sabes cómo, y puedes ir resolviendo al menos una ilustración al día, te habrá compensado y lo que te caiga de derechos de autor será un extra, pero si no, mejor dejarlo correr."

El mismo ilustrador me habla ahora de lo que ha cobrado dibujando en publicidad. "Trabajé durante 4 años haciendo storys en un estudio, hace de esto cinco años. Los precios no han variado mucho, pero es que ya, por lo que me dijeron, de los ochenta a entonces no se habían tampoco incrementado significativamente. ¡En aquella época debía ser el chollazo de la vida para un dibujante medio rápido! Nosotros la viñeta color de story-board la cobrábamos a 9000 pesetas. Ahora un colega que sigue en ello la cobra a 60 euros. La viñeta en blanco y negro de story: con grises 30 euros, a línea sólo 20 euros. El din A4 color: 250 euros . Din A4 blanco y negro: 150 euros si va con grises, 100 euros si va sólo a línea".

"Artes finales [se refiere a ilustraciones acabadas, no simples storyboards] caen pocos, y los que caen son con centenares de rectificaciones, pero te pueden pagar desde 300 euros hasta 2000, dependiendo de la campaña y el tamaño del dibujo. (...) Es un terreno en el que hay que sondear sobre cuánto pueden o están dispuestos a pagar, y calcular cuánto te puede llevar... Nosotros siempre teníamos la sensación de que nos quedábamos cortos..."

Otro dibujante que comparte sus horas de trabajo entre la ilustración y el cómic me explica también lo que cobra dibujando para publicidad. "Los precios en publicidad suelen ir en función del cliente. Suelo cobrar por ilustración de 400 a 1.000 euros dependiendo de la dificultad. Algunas cosas muy complicadas y para un buen cliente unos 1.500 euros la ilustración". En cuanto a ilustración para libros, "no suelo hacer demasiado y me ajusto al precio de la colección. Suelen ser unos veinte dibujos blanco y negro y portada color y he cobrado desde 1500 euros a 2.500." ¿Y los cómics? "Aquí sí que hay de todo. Cuando en publicidad me encargan un cómic cobro 600 a 800 euros por página, guión y a color. Depende para quién sea y cuántas páginas sean. 400 euros por página en algunas colaboraciones fuera de la publicidad". 

Llegados a este punto, la pregunta es qué se puede cobrar dibujando cómics para otros mercados de fuera de España. Si en el post de Leif Peng se hablaba de unos 300 dólares por página (dibujo y tinta) como precio estándar en la industria de Estados Unidos (aunque obviamente hay autores que cobran bastante más que eso), el mismo dibujante del párrafo anterior me responde sobre el mercado francobelga. "Los franceses suelen pagar 500 euros por página acabada. Está estipulado qué porcentaje es para cada uno (guionista, dibujante y colorista) pero eso no lo sé." El adelanto por dibujar un álbum estaría alrededor de los 18.000 euros, que pueden ser más si la tirada del álbum es mayor, por supuesto. "Aquí influyen mucho los royalties y la forma en la que estén redactadas las condiciones del contrato. Se puede cobrar menos de adelanto pero empezar a cobrar royalties más pronto, o al revés. Lo que sé de amigos que trabajan en un álbum normal, 46 páginas a color (ninguno es una estrella de ventas), es que les pagan 18.000 euros por álbum". Por supuesto, la diferencias entre lo que cobran los autores depende de la tirada y posterior venta de sus álbumes. Cuanto más famoso sea el autor en el mercado francobelga, mayor la tirada de sus tebeos, y por tanto mayor la cantidad que va a cobrar en total, entre adelanto y royalties. Así que determinados autores de renombre, me sigue explicando el mismo dibujante, "negociarán sus adelantos porque ya saben lo que van a vender. La verdad es que no creo que haya secretos, cuanto más vendes más cobras. Un álbum que pasa de los 10.000 ejemplares vendidos es un éxito en Francia y los bestsellers pasan de los 100.000 ejemplares, aunque tampoco son tantos. Lo malo es que en España no tenemos bestsellers".

Y eso es todo, espero que este post sirva de algo, al menos a título orientativo. Mil gracias desde aquí a los dibujantes que han participado en esta pequeña encuesta.

CALIGRAFÍA GRÁFICA

"Súper Puta, entonces, era como una válvula de escape, era la antítesis: sin guión, sin lápiz previo, todo a pincel. Poco a poco, en este descontrol empecé a descubrir cosas que me gustaban: un humor basado en el propio tono de la historia, sin gags, sin referentes; un dibujo que actuaba como auténtica caligrafía gráfica: yo me he sentido “escribiendo con dibujos” al hacer esta historia. He intentado escribir, además, como en las letras de las canciones, como Sisa o Antònia Font, que no necesitan explicar la trama de una historia para crear una sensación narrativa, y he mezclado esto con una escritura más o menos automática. Hay, para quien la quiera, una historia en Súper Puta, pero creo que no es importante. O que no es más importante que todo lo que la envuelve."

--Manel Fontdevila, más en el enlace.

EL POSTRE

Ahora mismo en RNE3 el informativo cultural EL POSTRE (de lunes a jueves, de 23:00 a 1:00 horas) está dedicando un amplio espacio al cómic, y la intención es hacerlo a menudo. Han hablado de la exposición VIAJE CON NOSOTROS con su comisario Jorge Díaz, entrevistado por teléfono a Miguelanxo Prado y la cosa sigue.

(Tienen podcasts del programa a los que puedes suscribirte)

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ACTUALIZACIÓN

Puedes oír el programa en este podcast

IN PICTOPIA!

Una rara historieta de 1986 de Alan Moore y Don Simpson, realizada para un cómic benéfico de Fantagraphics y reimpresa en color en 2002 en un libro de entrevistas con Alan Moore. Puesto 92 en la lista de los 100 mejores cómics (en inglés) del siglo XX, según la revista The Comics Journal (nº 210, 1999).


(vía The Beat)

100

La foto de arriba es de la fiesta por los 100 números del TMEO celebrada el sábado pasado, sacada de El Listo. Este número 100 de la revista, de cien páginas, cuenta con los sospechosos habituales más algunas colaboraciones especiales con motivo del cumpleaños (lista de autores). Y que cumplas muchos más. La noticia en en el Diario de Álava

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Todas las portadas del TMEO

RECOMIENDO

* Escucho un montón de música pero recomiendo a Travolta, el nuevo proyecto de Joaquín Pascual de Mercromina. Me encanta, aunque también asume riesgos. Tiene vocación minoritaria, pero es un disco que me encanta.

* Hace poco he leído un cómic que se llama El Manual de mi mente de Paco Alcázar. Impresionante. Es un tío tan brillante que tienes ganas de matarlo. ¡Dios mío, qué gracioso! ¿Cómo se le ocurre todo eso?

* Wall-E me parece una maravilla; una peli que se recordará. Para niños con 45 minutos iniciales sin diálogo; arriesgado, y eso que es mainstream. Esa idea de que el 3D sustituiría a la imagen real fue errónea; el 3D es una forma de animar. Con ello, Pixar propone un universo gráfico distinto al de la animación tradicional.

* El Tupper Ware, que es un bar de Malasaña, de amigos que ahora inauguran otro: el Picnic. Cuando sales, además de embriagarte, de aturdirte, lo que quieres es estar con amigos y cuando empiezas a cumplir años, lo que quieres es estar en un lugar donde escuchar buena música y con amigos. O eso, o terminar en la casa de alguien…

--La persona que recomienda

THE MINDSCAPE OF...

Vylenz sits the writer down and lets him talk, using the man's own words to shape the course of the documentary. No outside commentators are featured, it's all Moore all the way through. He discusses a variety of topics, including much of his work; mainly, the aforementioned Swamp Thing, V for Vendetta, From Hell, and Watchmen, as well as more left-of-center and obscure creations like the pornographic Lost Girls and the journalistic Brought to Light. As far as Moore's actual comics output goes, fans will likely have strong reactions to the absence of Moore's own America's Best Comics line, which has constituted the most substantial chunk of his bibliography for the last decade. These were most likely left out because they didn't, for whatever reason, fit into the great thrust of the documentary's narrative. The Mindscape of Alan Moore is less about his work and more about the man's greater ideas and his theories on the progression of human existence, using the books that are covered as a groundwork to go off on topics ranging from the link between magic and storytelling, the evolution of human thought, the relationships between sex and violence and between religion, science, and spirituality, and where Moore sees the human mind as going next.

Honestly, a lot of Moore's theories start off sounding like mumbo jumbo, particularly as he looks a little bit like a crackpot with his out of control hair and beard and with the affectation of his many finger-length rings, but he has a way of explaining himself where he can take an outrageous concept and take you through the many layers of the idea and provide a context that shows how it is applicable to everyday life, somehow tying it all together in a convincing manner.


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El documental de DeZ Vylenz THE MINDSCAPE OF ALAN MOORE ya está a la venta en DVD (gracias, jmm). El extracto de arriba es de la reseña de Jamie S. Rich para DVD Talk. El DVD viene, por supuesto, con subtítulos en varios idiomas, entre ellos el español, e incluye un segundo disco con una introducción de Paul Gravett y entrevistas con varios artistas que han trabajado con Moore: Melinda Gebbie, Dave Gibbons, David Lloyd, Kevin O'Neill y José Villarrubia.

BUENAS NOCHES, DR. MANHATTAN.

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Aprovechemos para actualizar algunas noticias sobre WATCHMEN:

-WATCHMEN animado para iTunes: el tebeo, animado parcialmente y sonorizado, puede descargarse por capítulos en el iTunes Store USA previo pago, eso sí, de 19.99 $. De momento hay dos capítulos disponibles (a 1.99 $ el episodio) de los doce totales. Muestra en YouTube (mezclada con imágenes de la película y con canción añadida por quien ha hecho el montaje; el sonido real es una voz leyendo los diálogos y textos del cómic)

- Nuevo video promocional subtitulado en español en el blog PelículaWatchmen

-Dave Gibbons, tras ver un primer montaje de la película de dos horas y cuarenta y cinco minutos, declara: "Es muy sexy, muy violenta"


-Carla Gugino (Sally Jupiter) declara a MTV que el rodaje de la escena donde el Comediante intenta violarla fue "realmente brutal".

THE LIBERTARIAN

“Money is power. And when the government takes money from you they also take the power from you.”

--Chester Brown, en un debate de su campaña. Más declaraciones:

“If it’s a matter of civility in government, you can ask anyone who knows me.

I’m a very polite person.”


(Vía)

SPIDERMAN, EL MUSICAL

Tras tres años y medio de preparación, se ha anunciado fecha de estreno del musical de Spiderman. Será en Broadway en 2009, tan pronto como puedan encontrar un teatro con fechas vacantes. Dirige Julie Taymor, directora de cine y teatro que ya obtuvo un gran éxito con otro musical de 1997, THE LION KING, y que está dirigiendo también una nueva adaptación al cine de LA TEMPESTAD de Shakespeare. En la partitura del musical de Spiderman participan, como se anunció ya el año pasado, The Edge y Bono.


En cuanto a los personajes, además de su amistoso vecino Peter Parker/Spiderman, también estarán en la función Mary Jane Watson, J. Jonah Jameson o el Duende Verde. Lo más bizarro de todo el asunto fue el rumor que corrió el año pasado de que Marilyn Manson había pedido un papel en el musical porque es fan de Spiderman. Más información

QUATTROCENTO / HERMI & MAX

QUATTROCENTO, de Esteban Hernández, y HERMI & MAX: PAREJA DE DESECHO, de Ricardo Peregrina, se presentarán mañana 11 de Octubre en Barcelona, en la librería Universal (Ronda Sant Antoni, 9). A las 19:00 horas.

WHO TRAILS THE TRAILER?

Reportaje sobre WATCHMEN en VIDEOMAGAZINE CINE365. Presiento que el montaje que han hecho con imágenes del trailer de la película y viñetas del tebeo os va a molar.

GANADORA CONCURSO XIV SALÓN DEL MANGA -2008

Lorena Bueno. Historieta ganadora

LA CONSTRUCCIÓN

No muy lejos de lo que hablábamos antes. Estabas hablando de dibujo y, por volver a la observación de Caniff sobre tu trabajo por aquella época... Estaba absolutamente anonadado por la calidad del dibujo, y lo que dijo en aquel momento era que estabas pasando el tiempo en la biblioteca. Y dijo que salías, que simplemente estabas dibujando todo lo que veías. Una vez en ese punto, ¿tenías algún tipo de procedimiento, un enfoque, una actitud para dibujar?

Sólo que estaba hambriento por dibujar. Jesús. Hambriento de aprender. Es una manera muy difícil de aprender.

RG: cualquier fondo familiar, cualquier persona de la familia...

Sí, mi familia entera. Tengo dibujos de mi padre. No sé si los has visto.

No, nunca.

Bueno, son cuadros naíf. Tengo unos cincuenta, y todos los artistas modernos que los ven se ponen chiflados con ellos. Son buenos cuadros naíf.

RG: ¿Pero nadie en tu familia tenía instrucción formal? Todos eran...

No. Era simplemente una cosa natural. Dibujar, para mí, es sobre todo capacidad mecánica. Si comprendes la construcción de las cosas, no hay problema para dibujar. Pero tienes que comprender primero la construcción. Y mi familia tenía eso -mi hermano era un maquinista altamente cualificado. Hizo instrumentos muy delicados y eso; ese tipo de cosas.

(...) Ahora, siempre me he negado a hacer tuercas y tornillos -salvo a veces en las locomotoras, hacía algunas tuercas y tornillos. Pero la realidad proviene de la sensación sobre la maldita cosa. Si comprendes la construcción del barco, y comprendes al hombre en sí mismo -quién es y qué parece- puedes conseguir eso para el lector.

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Noel Sickles, entrevistado por Gil Kane en 1973. Las iniciales RG son de Ron Goulart, que también participó en la charla. La entrevista se publicó en The Comics Journal (número 242, 2002).


Dibujo de Sickles de 1933


Sickles en 1949


Milton Caniff y Noel Sickles en 1981, foto sacada del flikr de Leif Peng, igual que otras imágenes de este post. Arriba del todo, un dibujo de 1954 para Reader's Digest Condense Books. Aquí abajo, bocetos para una ilustración de 1949 para el Saturday Evening Post:


Ilustración de 1957 para el Saturday Evening Post:


...y otras dos ilustraciones de Sickles:



Más de la misma entrevista:
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GOULART: Una cosa por la que tengo curiosidad, ¿cuándo decides usar el pincel, en lugar de plumilla? ¿O siempre usaste ambos?

SICKLES: ¿Te refieres a las tiras?

GOULART: Bien, en la tira lo hacías con pincel en su mayoría, a partir de un cierto punto, ¿no?

SICKLES: Hay una historia acerca de eso si tienes tiempo. Scorchy Smith la hacía al principio John Terry.

GOULART: Compré algunas pruebas del primer material. Supongo que te hicistes cargo de la tira entonces.

SICKLES: Oh, no. Fue tiempo después.

GOULART: ¿Ah, sí?

SICKLES: Bueno, no demasiado después. Dios.

GOULART: Era marzo del 34, o lo estabas haciendo antes de eso?

SICKLES: Sí. Tenía un problema un problema de verdad con la Associated Press. Estaba haciendo caricaturas políticas y me dieron esta tira para que la hiciera. La razón era que John Terry tenía tuberculosis y se estaba muriendo... lentamente, pero muriendo. No podía seguir más. Así que me la pasaron a mí. ¿Has visto el trabajo de John Terry?

GOULART: Sí. Tengo un original suyo.

SICKLES: Vale, probablemente lo hice yo. Es posible. Depende de la fecha.

GOULART: No. Trabajé con su sobrino, que era animador. Él la consiguió de su tío, así que supongo que él no... ¿Hasta dónde hiciste la tira?

SICKLES: Bueno, es difícil recordar qué año empecé (1934 o 1935). Hice esta cosa de John Terry durante seis meses hasta que murió. Tenía que copiarle, tenía que olvidarme de todo lo que había aprendido sobre dibujar -absolutamente todo- porque era el peor dibujo que le visto jamás a nadie. Tus niños dibujarían mejor que John Terry.

GOULART: ¿Por qué? ¿Querían hacer creer a todo el mundo que John Terry seguía haciéndola?

SICKLES: Esa era la idea, continuarla y también pasarle los ingresos a Terry hasta que muriese.

GOULART: ¿Y lo estuviste haciendo por nada?

SICKLES: Oh no. Tenía un salario. Cobraba 47.50 dólares.

GOULART: ¿Pero hacías esto y otros trabajos al mismo tiempo para Asociated Press? ¿Estabas haciendo las caricaturas políticas y la tira?

SICKLES: No. Tuve que dedicarme a tiempo completo a la tira. Pero me llevó tiempo copiar aquel estilo horrible, sabes. Tuve que hacerlo durante seis meses, entonces él murió. Luego, durante seis meses fui cambiando tan gradualmente que los editores no se dieron cuenta, ni un sólo periódico se deshizo de la tira. Durante otros seis meses fui cambiando muy gradualmente, pero entre esos seis meses de tiempo tuve que decidir cómo quería dibujar. No sabía demasiado sobre las tiras de cómic y no me preocupaban demasiado por entonces. De modo que trabajé gradualmente en el estilo que finalmente desarrollé para Scorchy Smith. Pero mi razón para decidir aquel estilo, que después fue copiado por muchísima gente, era hacerlo más real. Era una historia de aventuras. Y todo lo que veía alrededor de mí en aquel tiempo era línea y negros, negros sólidos. Todos los abrigos eran negros o a veces todo el mundo estaba iluminado y los fondos eran negros. Pero lo que quería hacer era conseguir más realismo en la ejecución de las cosas, en el dibujo de las cosas. Así que ese era el problema, decidir cómo quería hacer una tira por mí mismo, y hacerla más real para el lector y además llevar eso a la página. Al menos lo suficiente para hacer que la cosa destacara.


SCORCHY SMITH, tiras de febrero de 1935. Por entonces a Sickles ya le permitían firmarlas, y ciertamente se aprecia una gran "evolución" en el dibujo respecto a sus primeras tiras en la serie. Abajo, tiras de 1936


Entrevista a Sickles en la revista American Artist (1949)

Otra entrevista de 1976