SI HUBIERA QUERIDO USAR COLOR, HABRÍA HECHO UNA IDEA COMPLETAMENTE DISTINTA

Es una respuesta que dio Steve Ditko hace once años a Eric Reynolds. La cosa fue como sigue: con ocasión de la publicación por Fantagraphics de STEVE DITKO'S STRANGE AVENGING TALES, la revista Comics Buyer's Guide quiso dedicar una portada a la serie para promocionarla. Para ello, a través de Reynolds pidieron a Ditko una ilustración original. Ditko contestó que sí a Reynolds una semana después (todas las comunicaciones fueron por carta)

"Eric, gracias. La portada (a escala) será en parte aguada (tonos medios), el resto a plumilla/pincel y tinta (blanco y negro). Estará hecha antes de las vacaciones de Navidad.
Saludos,
Steve"

y poco después le envió a Reynolds la ilustración en tonos de gris (no he encontrado la portada de CBG en cuestión). Reynolds le respondió entusiasmado agradeciéndole el dibujo, pero cayó en que por aquellas fechas el Comics Buyers Guide había pasado a publicarse en otro formato y la portada ya no era en blanco y negro sino a color. De modo que también le comentó en la carta a Ditko que podía hacer la portada en color si quería ("Sólo quería asegurarme de que no se estaba limitando al blanco y negro porque pensó que debía hacerlo", explica Reynolds).

La respuesta de Ditko, una semana más tarde, fue la nota de arriba, que dice más o menos:
Eric, ¡SIN color! Si hubiese querido usar color habría hecho una idea completamente distinta y aportado un fotocopia coloreada.
Saludos,
Steve

CUESTIÓN DE OPINIONES

Alan Moore no quiso saber nada de la película V DE VENDETTA y exigió retirar su nombre de los créditos. A mí personalmente, que soy bastante fan del cómic, no me gustó la película. Sin embargo, a muchas otras personas sí les gustó, entre ellas al dibujante David Lloyd. Así lo ha declarado varias veces, por ejemplo en este video que puede verse en streaming aquí (dale al cursor hacia abajo del todo del enlace). Cito textualmente a David Lloyd:

"La película está muy bien. No es una reproducción perfecta sino una copia realmente buena, como una versión diferente de la misma historia: dice las mismas cosas pero de forma diferente. La película me dejó contento y creo que se hizo un buen trabajo porque tanto los productores como el director eran fans de la historia original. Por eso salió tan bien. Otras películas basadas en cómics no consiguen ser tan buenas por no tener a gente tan implicada en el proyecto. (...) Se ha hecho una gran película sobre ella y estoy muy contento de estar asociado a un producto al que la gente ha reaccionado tan bien".

Ah, pero qué sabrá David Lloyd, coautor de V DE VENDETTA, ¿no? Al fin y al cabo, sólo es quien diseñó a V, dibujó el mundo y los personajes de V DE VENDETTA y todos los episodios de la serie entre 1982 y 1988...

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Alan Moore no ha querido saber nada desde el principio de la película de WATCHMEN que está dirigiendo Zack Snyder y ha exigido también retirar su nombre de los créditos. Personalmente, no tengo ni idea de si la película me gustará, de si me parecerá buena, mala o regular, mayormente porque aún no existe -está rodada y en fase de posproducción- y hasta ahora hemos visto unas simples fotos de rodaje y unos videos promocionales. Dave Gibbons en cambio conoce muchas más cosas, ha leído el guión, está asesorando a Zack Snyder y tiene su propia opinión sobre el proyecto:

"Estoy emocionado. Siempre respondo al entusiasmo, y habiendo tenido algunas conversaciones con Zack Snyder, estoy arrastrado por su entusiamo. (...) Básicamente, lo estoy apoyando, y he hecho pequeñas colaboraciones para la película. Hablando de forma realista, creo que es un buen guión. Todo lo que sea una versión cinematográfica de un cómic significar llegar a un compromiso. Soy optimista sobre la película, y obviamente deseo que vaya bien. Espero que sea buena. Tengo la sensación de que lo será." (Dave Gibbons, declaraciones a Wizard en 2007)

Gibbons también tiene su opinión
sobre el rodaje de la película, después de haber asistido a él:

"Estoy abrumado por la intensidad y el detalle de lo que estoy viendo. Pero es más que eso. Estoy abrumado por el compromiso, la pasión, el deseo palpable de hacer esto bien."






Ah, pero qué sabrá Dave Gibbons, coautor de WATCHMEN, el hombre que diseñó a los personajes y el mundo de ese cómic, la persona que dibujó sus 12 números, ¿no?

HORA CERO

Se van confirmando las noticias sobre la adaptación al cine de EL ETERNAUTA, el mítico cómic de H.G. Oesterheld y Solano López. Dirige Lucrecia Martel, directora de LA CIÉNAGA entre otras cintas; mucho más en el enlace.

Si queréis podemos empezar a opinar de la película a partir de la foto ;-) ...

¿CUÁNDO Y DÓNDE DESCUBRISTE A WILL EISNER Y A SPIRIT?

La primera vez que descubrí el Spirit de Will Eisner fue en las ediciones de la Warren que se publicaron en los primeros 70. Era un adolescente en Vermont por entonces. Y cuando di con ellos, pensé que era un nuevo historietista que no había visto antes. Su trabajo era mucho más avanzado que lo que se publicaba por entonces. Pensé que debía ser el nuevo chico en la ciudad. Y entonces me di cuenta de que aquello había aparecido originalmente en 1942 y me percaté de que estaba estudiando el trabajo de un maestro establecido. No le conocí en persona hasta que estaba trabajando profesionalmente. Estábamos en una fiesta en los Estudios Continuity de Neal Adams, y Jim Shooter nos presentó. Y yo era el nuevo orgullo de Jim Shooter, acababa de llegar a Daredevil y estaba empezando a escribirlo y dibujarlo. Jim abrió un número de Daredevil por la primera página para mostrar lo buen narrador que yo era. Eisner inmediatamente me dijo que había usado la viñeta errónea y empezamos un debate que duró 25 años.

Has tenido una larga amistad con Eisner que culminó en el libro Eisner/Miller, que contenía un diálogo entre ambos durante un fin de semana que definiste como "el clímax de vuestro debate de décadas". ¿Qué recuerdos personales tienes de Will?

Creo que lo que más me impresionaba de Will era con lo que te salía en privado, te contaba historias sobre los cómics que no eran aptas para el consumo público. Te describía algo que bajo cualquier punto de vista era horrible, pero tenía aquel sentido del humor de la II Guerra Mundial. Era impaciente con cualquiera que se autocompadecía. Jamas se permitió sentir autocompasión. Si te autocompadecías delante suyo, te ridiculizaba por eso.

(...) ¿Hay alguna paleta especial para esta película igual que la hubo en Sin City?

La hay. Es a todo color, pero no es tanto un uso naturalista del color como un uso psicológico, un uso dramático del color. Creo que el color es un arma dramática muy poderosa, pero demasiado a menudo, cuando veo una película, siento que estoy viendo todo el espectro en cada fotograma y mis ojos empiezan a rebotar. Así que verás las cosas poniéndose rojas detrás de la gente cuando se enfaden.


(...) Con The Octopus, así lo creí, sí, teníamos un par de guantes como un sentido de némesis que había sido deliberadamente mantenido fuera de la vista y dejado sin definir por Eisner. La única forma de coger el trabajo de un escritor de historias cortas y adaptarlas a un formato largo era desarrollar a su némesis porque, sabes, al principio creí que Eisner era de la escuela de Raymond Chandler, otro novelista favorito mío. Pero me di cuenta de que realmente le debía mucho más a O. Henry *, y su sensibilidad para el relato corto necesitaba algo de sana expansión. Así que con Sam [L. Jackson] tenía la némesis perfecta para The Spirit.

(...) Hicimos pruebas a mucha gente para Spirit. Una de mis condiciones previas para entrar en el proyecto fue encontrar a alguien no demasiado conocido para el papel. No quería que fuese un vehículo para alguien ya familiar. Mi modelo, en cierto modo, era Chris Reeve en Superman, quiero decir, un actor que nadie había visto antes y que conocí como Superman. Quise hacer las pruebas para conocer a Spirit como Spirit. Gabriel [Macht] destacó porque Hollywood, antes que nada, produce muchos, muchos actores masculinos realmente buenos, pero muy, muy pocos de ellos son capaces de representar a hombres como hombres.

--Frank Miller



* "En esa época [en 1940, a punto de crear a Spirit], sus influencias literarias consistían en las revistas pulp. Eisner era un gran fan de O. Henry, Ambrose Pierce y Guy de Maupassant" (Bob Andelman, en la biografía oficial de Will Eisner EL ESPÍRITU DE UNA VIDA, 2005)

GENE COLAN,

hospitalizado en estado grave debido a un fallo hepático. Colan, de 81 años, era ya un veterano cuando realizó sus trabajos más conocidos en la Marvel de finales de los sesenta y primeros setenta. Después de trabajar durante los años cuarenta en Timely, la precursora de Marvel, y pasar por la crisis del comic book de los cincuenta, Colan (Nueva York, 1926) había conseguido un trabajo en publicidad donde tenía que fichar en una oficina. Aquello no le gustaba demasiado y tampoco olvidaba su antiguo oficio de historietista. Con el resurgimiento de la industria del comic book durante los sesenta, Colan empezó a dibujar tebeos románticos para DC y también a llamar a Stan Lee de vez en cuando para preguntarle si de nuevo tenía trabajo para él. Llegado el momento, en 1965, cuenta Les Daniels en su libro MARVEL: CINCO FABULOSAS DÉCADAS DE CÓMICS, Lee le dijo a Colan: "Las cosas empiezan a mejorar. Vente".


Fue en esa época dorada de Marvel cuando su talento explotó, además de por el dominio de la figura humana y su personal interpretación de la misma, por los fuertes contrastes de luces y sombras y sus audaces diseños de página, un estilo muy llamativo en su época. Sus principales trabajos en Marvel fueron en NAMOR, IRON MAN y DR. EXTRAÑO, además de en algunas memorables sagas de CAPITÁN AMÉRICA -como la del cubo cósmico donde el Cráneo Rojo intercambiaba su cuerpo con el Capi- y sobre todo en DAREDEVIL, serie que dibujó durante años de forma ininterrumpida antes de embarcarse en LA TUMBA DE DRÁCULA (1972-1979, junto a Marv Wolfman, entre otros guionistas). Lee le apodó Gene "el Decano" Colan precisamente por su veteranía dentro de la profesión, mientras el dibujante se mostró a gusto trabajando con el método Marvel precisamente por la libertad que le dejaba a la hora de dibujar los argumentos. "Para mí era estupendo", declaraba en el libro de Les Daniels, "podía incluir casi cualquier cosa que quisiera". Y tanto. Una vez dedicó 5 o 6 páginas a una persecución en coche que a Lee no le gustó demasiado por su extensión, al menos hasta que vio la cantidad de cartas de fans que provocó la secuencia.

Colan también dibujó para DC a Batman y Wonder Woman durante los ochenta, además de la serie NIGHT FORCE -de nuevo junto a Wolfman-, entre otros muchos trabajos. Más sobre la noticia de su hospitalización en el blog de Ferran Delgado. Abajo, una página de CAPTAIN AMERICA #119 de la saga del Cubo Cósmico de 1969 que siempre me ha fascinado (guión de Stan Lee, dibujos de Colan y tintas de Joe Sinnott), portada para DAREDEVIL #23 (noviembre de 1966, Colan entintado por Frank Giacoia) y página a lápiz para TOMB OF DRACULA (1979).





ACTUALIZACIÓN

Avalancha de apoyos a Gene Colan

MÁS BEÀ

"Has tenido un mal día y ahora, encima, esta música"


Josep Maria Beà en MySpace, junto a Sergi Puertas
(gracias, Juan Ignacio)

LA TABERNA GALÁCTICA

Tú te cansas de las cosas.

Sí, me canso. Pasé cinco años trabajando para Warren y gané mucha pasta. No sólo hacía historietas, también portadas, de todo. Hubo una época en que los dibujantes ganábamos mucho dinero.



Son constantes las referencias a ganar mucho dinero... y a gastárselo.

Tal como entraba se fundía. Era Increíble. Cada uno elegía su propia fórmula para gastarse la pasta. Yo al menos me compré un piso. Parte de nuestro dinero fue a parar a coches deportivos, putas, juergas. Y hubo quien lo gastaba de manera absurda, haciéndose trajes a medida y cosas así. Se ganaba mucho. Un sueño. Por una portada, que te llevaba dos días de trabajo, Warren te pagaban mil dólares, unas 80.000 pesetas.

Eso, a principios de los 70, es un montón de pasta.

Claro. Era acojonante trabajar para EEUU, significaba mucho dinero. Me compré un Triumph TR4 descapotable. No fui un viejo con fular yendo de putas con el Triumph, no, lo tuve cuando toca, con 32 años, con esa sensación de poder... bueno, en realidad era un gilipollas, pero en mi Triumph. Pero me cansé de los tebeos de miedo justo cuando empieza la transición, que requiere dibujantes. “El Papus”, ya sabes. La editorial Garbo sacó un montón de revistas semanales. Era maravilloso. Tenían un local en Plaza Castilla que parecía un hangar lleno de pequeños cubículos. Cada cubículo era una revista de Garbo: “Mata Ratos”, “Solo Moto”, “Muchas Gracias”, “¡Eh!”. Llegabas allí y te iban haciendo encargos, aunque tuve que hacer un cambio de estilo humorístico y caricaturesco. Me inventé a Norton inspirándome en un famoso humorista inglés. Trabajé mucho como Norton.

Eran tiempos convulsos.

Hay un momento de inflexión en el que las editoriales dejan de ser como Molino o Sopena, en las que entrabas y todo era de una madera que crujía. Les llevaba ilustraciones interiores para novelas de Enid Blyton y te decían: «espere que ahora le recibirá el Sr. Molino». ¡El Señor Molino! Y justo antes de poder fantasear con un ser estrafalario, trajeado y con aspas, veías los cuadros de los anteriores señores Molino; la dinastía de los Molino: el abuelo Molino, el padre Molino. De repente, un día me llaman de “El Viejo Topo” y me piden que les diseñe el distintivo, me piden un topo chutándose. Llego a la editorial y, por primera vez en mi vida, veo que no se mantenía la seriedad editorial. Veo tablas de fórmica blanca con caballetes en vez de mesas y botellas por todas partes… Joder, que maravilla. Estaban Julio Vivas, Juan Marsé, Luís Racionero, Claudi Montaña, Maruja Torres. La mesa llena de botellas de güisqui. «Qué bonito es esto», pensé, «esto sí que es una editorial» y salí de allí feliz. Y ya todas la editoriales fueron así: “El Papus”, “El Jueves”… Los Gin, Oscar, Perich y Jà dijeron: «aquí lo único que queremos es que haya bebidas». Y todos bolingas. Nuestra droga era el alcohol. A mí siempre me han relacionado con el viaje psicodélico, que vale, sí, he tomado, pero yo no podía dibujar en ese estado. Yo funcionaba con alcohol.

El alcohol como estimulante.

Te explico una anécdota. En la época de las revistas de la editorial Garbo tenía estudio con Manel Ferrer.

¿El de “Manolo e Irene”?

Sí, el de “Manolo e Irene”. Tenía habilidad y el mérito de que se hacía él sólo una revista entera.


Página de Manel Ferrer

Bueno, tu en “Gatopato” también lo hiciste.

Y en “Rambla” casi casi. Sigo con la anécdota. Desde que llegábamos hasta que nos íbamos era un no parar de cubata de ginebra Giró con Coca-cola. Trabajando a buen ritmo era uno tras otro: un par a la mañana, otro al mediodía, cuatro por la tarde. Al día caían una o dos botellas, que se acumulaban y luego nos daba vergüenza sacar. Un día descubrimos que la destilería de la ginebra Giró no estaba lejos y fuimos. Hablamos con el dueño y le explicamos el caso. Al tipo le hizo gracia, había sido lector de tebeos y se sintió cómplice de algo, así que nos hizo un trato de mayorista, como si fuéramos un bar. Empezó a suministrarnos garrafas de diez litros a precio de coste. Al principio no quedaba muy fino tener el garrafón allí y llenábamos botellas con un embudo, pero al final pasamos de todo y nos servíamos directamente. Durante mucho tiempo tuvimos suministro directo de Giró, y eso atraía a toda la fauna de dibujantes, porque era casi gratis y hasta de mejor calidad. Desde aquí agradezco al Señor Giró el hecho de que de alguna manera forme parte de la historia del cómic a nivel etílico. Siempre le tendré presente.

Pero el alcohol tiene sus riesgos.

Éramos alcohólicos. Sin el cubata no podíamos trabajar. Mis padres llegaron a preocuparse seriamente por el tema. Al final, cuando tenía 36 años, un día fui al médico.
— ¿Cuánto bebe al día?
— Supongo que un litro.
— Pues mire, ¿ya sabe que es usted alcohólico?
— ¡Qué dice! ¡Por favor! Yo soy un profesional.
— Si beber un litro de ginebra al día no le hace a uno alcohólico, ya me dirá usted qué es ser alcohólico. Mire, usted ha conseguido tomar pequeñas raciones que le mantienen en un estado maravilloso que puede controlar, pero eso le generará dependencia. Al fin y al cabo ¿por qué ha venido?
— Es que a veces me tiembla el pulso.
— Es el primer síntoma.
Me recetó Nardelzine y me advirtió que mezclarlo con alcohol era letal, que ya me dirás. Pero no hizo falta porque se me despertó un resorte defensivo cuando vi peligrar mi profesión, cuando vi que cualquier día no podría cuadrar una página. El médico me advirtió que dejarlo en plan radical, sin fármacos de apoyo, era muy difícil, pero al salir entré en un bar, pedí el último cubalibre y luego me pasé dos meses sin beber un trago para demostrarme que tenía la fuerza de voluntad suficiente para abandonar la bebida.
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El ilustrador, historietista y escritor Josep Maria Beà (Barcelona, 1942), entrevistado por el Señor Ausente. Una impresionante entrevista fruto de varias sesiones de charla, diez horas de grabación en total, que sale publicada con multitud de ilustraciones en el nuevo número de Mondo Brutto. Otro extracto:

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En “Caníbal” también publicas “Proyecto Santa Maria”, una serie sobre una nave espacial española con nombre de virgen. Años más tarde Alex de la iglesia utilizó una idea parecida en “Acción Mutante”.


Nunca lo había pensado. Descubrí que Alex de la Iglesia era lector mío, así que hablé con él cuando el proyecto televisivo de “Historias de la Taberna Galáctica”. Le propuse dirigir algunos episodios, pero se largaba a EEUU para hacer “Perdita Durango”. He hablado más veces con él pero ese tema nunca ha salido. A veces, en películas, descubro cosas que me recuerdan mis historietas. Tengo amistad con Guillermo del Toro desde que un día dejó un mensaje en mi contestador donde me ponía por las nubes. Me leía cuando tenía catorce años y me considera un referente importante. De hecho, en alguna ocasión me ha comentado que a veces algunos directores norteamericanos han hablado de mí con él. No es tan extraño: leían el “Creepy” americano. Así que es posible que les queden cosas, no es casualidad que reconozca detalles míos en algunas películas. La memoria te gasta unas putadas increíbles porque memoriza cosas a nivel inconsciente. Haces algo y, hostia, un día te das cuenta que lo has copiado de algún sitio sin darte cuenta. No se puede ser impermeable a la influencia. Si sales a la calle buscando una idea, siempre darás con algo que proviene de algo anterior.

(...) Veo que mantienes una buena relación con gente de una generación más joven: Rubén Lardín, Sergi Puertas, Jaime Martín...

Me siento mejor con ellos. Mi generación está anquilosada, cansada. Como no asimiles lo que viene, echa la llave y apaga la luz. Todo eso de «los buenos éramos nosotros, que copiábamos a los mejores». No. Para. Hubo una época que ya pasó. Para hacer cómic no es necesario ser un gran dibujante, lo importante es explicar una historia. Si te pasas con el dibujo frenas al lector. Gustave Doré sería un pésimo dibujante de cómic.

¿EN QUÉ SUELE CONSISTIR ESE ASESORAMIENTO?

Sueles realizar asesoramiento a medios de comunicación y a entidades culturales. ¿En qué suele consistir normalmente ese asesoramiento (comenta también “cuanta idea” suelen tener del mundo del cómic, si medianamente conocen diferentes géneros o piensan aún qué quizás sea algo de niños, etc…)? ¿Crees qué se ha fomentado más en los medios de comunicación en los últimos años? ¿Cómo crees que ira evolucionando?

La verdad es que puesto así, puede parecer más “serio” o importante de lo que realmente es, y no se hasta que punto no se si les pasará también a otras webs o blogs o si es que el nombre de mi web propicia que me escriban a mí. Y siempre lo he hecho desinteresadamente, y solo una vez, en lo que sí fue un trabajo más importante, me llegaron a pagar por ello, pero fue un dinero con el que de todas formas no contaba al echarles una mano.

Pero lo cierto es que sí, me han escrito desde programas de radio (Cadena Ser) y televisión (de los programas Todos ahhh cien de La Sexta o Alta tensión de Cuatro), prensa (Cinco Días) y revistas (Man) o entidades como el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) o el Servei de Cooperació Bibliotecaria de la Generalitat de Catalunya. Normalmente es algo que se suele despachar con varios e-mails, o con una charla telefónica para resolver sus dudas de forma más rápida y ágil, o como mucho, con una visita a Barcelona capital, y que suelo hacer con gusto, y no suele llevarme más de unas pocas horas como máximo. Si se han molestado en contactarme, es que tienen un mínimo de interés en hacerlo bien, y si es para un medio de comunicación o una actividad cultural, no me importa echar una mano si así evito que se meta la pata en un tema relacionado con el cómic.

Normalmente suelen ser periodistas que están preparando un reportaje sobre un tema concreto del que no tienen mucha idea, o del que han investigado por su cuenta, pero quieren hacer varias preguntas y tener algo de orientación. Por ejemplo, qué autores son los más destacados en cierto tipo de cómic, cómo anda el mercado español sobre algún tema concreto, o sugerencias de personas para contactar para incluir algunas declaraciones en el reportaje. En otros casos hay más suerte y solo quieren responder alguna duda muy concreta, y que se resuelve rápido. En el caso del MACBA, estaban preparando una exposición de Pettibon y querían hacer alguna actividad sobre su relación con los cómics, por ejemplo, y que les orientara qué podrían hacer, y con quién podrían contactar. Y el caso de la Generalitat sí fue más serio y conllevó más trabajo, y consistió en echar una mano en el librito De cómics: Bibliografía selectiva, participando en la selección de títulos, revisando y corrigiendo textos y escribiendo alguno que otro en su totalidad a última hora.

Y sí, una de las mejores noticias de los últimos años es el aumento notable de la presencia del cómic en los medios de comunicación españoles. Yo confío (espero) que como mínimo se mantenga, y con suerte vaya a más. Veremos.

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Jose A. Serrano, responsable de Guía del Cómic y el blog Viñeta 20, entrevistado por +Q Cómics. La primera parte de la entrevista, aquí

SIGRID

Elsa Pataky encarnará a Sigrid en la película del Capitán Trueno. El "representativo" montaje de arriba es de 20 Minutos

ALL STAR

DOOMED PLANET.
DESPERATE SCIENTISTS.
LAST HOPE.
KINDLY COUPLE.

Así empieza ALL-STAR SUPERMAN. En una sola página, la primera, se cuenta el origen de Superman dando por supuesto que todo el mundo lo conoce, cosa que en un alto porcentaje de lectores resultará cierta. Un amigo me ha prestado la serie, que siguen realizando ahora mismo Grant Morrison y Frank Quitely (con Jamie Grant, tinta digital y color); yo estaba esperando a que la terminaran para pillarme el recopilatorio, pero en vista de que la cosa va lenta y necesitaba ponerme al día, se los he pedido. A lo que iba. Los dos primeros números me parecieron espectaculares, tanto por el ritmo (atrevidas elipsis entre viñeta y viñeta, una marca ya de fábrica en Morrison y su compadre Quitely; ambos parecen haber nacido el uno para el otro) como por el sense of wonder, inspirado directamente en la Edad de Plata de Superman. En realidad toda la serie es un reinterpretación bajo nuestros ojos de hoy de la fascinante mitología supermana de la Silver Age. El tercer episodio ya me gustó menos, aunque lo compensaba su abundante humor. En posteriores números la historia, que promete mucho al principio, se va desvaneciendo en favor de los homenajes cool en cada episodio a elementos concretos del Superman de la Edad de Plata:

episodio 1, planteamiento de la historia que introduce a toda pastilla, sin presentarlos, elementos básicos de la mitología del Hombre de Acero: Krypton y el origen de todo, el Superman que podía volar (o no) a través del Sol, el Lex Luthor sádico y científico-loco (no el empresario-cínico de los 80), el Daily Planet y Perry White, Lois Lane la periodista-sabelotodo, más algún elemento tardío sacado del JIMMY OLSEN de Kirby de los primeros setenta: el DNA Project, alias Proyecto Cadmus, alias aquí P.R.O.J.E.C.T, dirigido por el muy cool Dr. Quintum, cuyo vestuario parece sacado del armario del Dr. Who más hortera,

episodios 2 y 3, las maravillas que alberga la Fortaleza de la Soledad (la superllave para entrar en ella, la ciudad embotellada de Kandor, los robots supermanes, etc.), más la Superfamilia (Lois Lane, reina por un día, disfruta como Superwoman de los poderes de Superman durante 24 horas) y dos superhombres de la mitología antigua, Sansón y Atlas,

episodio 4, más Superfamilia con las extrañas aventuras de Jimmy Olsen y guiño fast forward a Doomsday,

episodio 5, el Lex Luthor inventor, con robots y un mono disfrazado de Superman incluidos, obsesionado más que nunca por su odio al Hombre de Acero; el Clark Kent más patoso que realmente parece alguien distinto a Superman,

episodio 6, viaje al pasado de Smallville, papá Kent y los Supermanes del futuro, Krypto el superperro,

episodios 7 y 8, Bizarro (y Zibarro) y su mundo, los efectos de los rayos del sol rojo sobre las margaritas, "do the wrong thing",

episodio 9, visitantes inesperados que también se salvaron de la destrucción de Krypton (y que llegan con planes algo distintos a los de Superman), la Zona Fantasma,

episodio 10, viaje a Kandor y otras maravillas; las Tierras paralelas y el Superman omnipotente capaz incluso de crear vida, Dios con capa roja y calzón por encima de las mallas.

Como cada vez soy más fan de la DC de la Silver Age, y Grant Morrison lo ha sido desde siempre (es un admirador confeso de las historias que escribieron en aquella época guionistas como John Broome o Gardner Fox), estaba predispuesto como lector a disfrutar esta serie. Morrison apuesta, como ya hizo en sus NUEVOS X-MEN, por la acción visual con diálogos alusivos y concisos al máximo mientras Quitely sigue haciendo un trabajo impresionante, no sólo por el dibujo en sí (sugiriendo la formas cada vez con menos líneas, cómo me gustan también esos espacios vacíos con los que a menudo compone viñetas y páginas) sino sobre todo por su original planificación. En este aspecto, no hay página en la que no haya algo singular y sorprendente: esos planos generalísimos tan alejados que utiliza de repente, ese mostrar las consecuencias de una acción desde un punto de vista raro, y además a veces sin habernos enseñado la acción previa que la causó; qué poco tiene que ver esto con la sensación del cine, cuánto se deja a la construcción en la mente del lector.

A pesar de todas esas virtudes, de las portadas con logo molón de Chip Kidd, y de que hay bastantes momentos donde la sensación de maravilla te deja pegado al asiento, la serie se me ha ido desinflando lentamente conforme la leía, posiblemente porque prima más el homenaje a los viejos tiempos de gloria de Superman que la historia en sí. Aunque ya veremos cómo acaba porque sigue en curso. Con todo, ALL-STAR SUPERMAN es el tebeo de superhéroes reciente que más he disfrutado últimamente, aunque sea solamente por el componente sensual de la sucesión de imágenes, al margen de la palabra, de lo que se narra. También es uno de los que mejor comprensión demuestra del legado superheroico clásico, en este caso el de la Edad de Plata, como debo haber repetido ya diez veces.


Un par de cosas a destacar para mi gusto: las elipsis tremendas que hay a veces entre viñeta y viñeta, por ejemplo en el episodio 7, el de la invasión de Bizarros, donde además hay varias secuencias con distintos personajes desarrollándose a la vez. La sensación que provoca, de una rapidez y confusión que aturden, me recuerdan un poco al DK2, o más bien, y puede que de ahí venga todo, a las exageradas elipsis que había en los tebeos de la Silver Age, sólo que eliminando el porrón de textos explicativos que había entonces y que aquí no hay (el efecto es brutal). Lo otro que me ha hecho bastante gracia es la metaviñeta final del episodio 10, un recurso ya típico en Morrison que además encaja como un guante en la tradición de "historias imaginarias" de Superman y de universos paralelos de DC.

AGOTADO

El muñeco del Joker de Heath Ledger se agota en una horas

PEDAZO DE DIBUJOS

Los que hizo Moebius en el Saló

DE 1938 A 1985

David Caparrós ha subtitulado al español el segundo video de rodaje de WATCHMEN, dedicado al vestuario de la película.

SUPERHEROES: FASHION AND FANTASY

La expo en el Metropolitan de NY (7 de mayo-1 de septiembre) que se presentaba ayer. Más fotos del tema en The Beat

CREO QUE VA A SER INCREÍBLE.

Es un follón, pero Mark Millar y yo estamos absolutamente convencidos de que estamos a punto de experimentar un auge, y todo el mundo se ríe de nosotros. El principal crecimiento llegará en 2005, pero ya está comenzando, gracias a la naturaleza cíclica del negocio de los cómics. Además, hay que tener en cuenta que estamos entrando en una recesión. En cuanto se entra en una recesión mundial, todo el que está en la industria del entretenimiento se encuentra en una posición ideal, porque cuando la gente está deprimida y preocupada por el dinero, lo que quiere es entretenerse. El más popular va a ser el material ambicioso y brillante de aventuras superheroicas, y eso es lo que estamos haciendo. Creo que va a ser increíble.

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Lo decía Grant Morrison en 1999 en una entrevista de Mark Salisbury (más aquí). No parece que el brujo Morrison se equivocase mucho, a juzgar por lo que ha sucedido desde 2005. Ese año, no nos olvidemos del cine como gran factor promocional de los cómics, se estrenaron BATMAN BEGINS, AMERICAN SPLENDOR, ELEKTRA y OLD BOY. Entre 2006 y 2008, les siguieron éxitos mundiales como V DE VENDETTA o 300, además de SPIDER-MAN 3, SUPERMAN RETURNS o la reciente IRON MAN, entre otras (LOS 4 FANTÁSTICOS Y SILVER SURFER, GHOST RIDER, X-MEN 3...). Nada comparado con lo que se avecina para 2010 y 2011 de la mano de Estudios Marvel gracias al taquillazo que está obteniendo IRON MAN, una más que correcta adaptación (bastante fiel al espíritu de los tebeos, a mi juicio). Sumemos a eso las derivaciones "apócrifas" de superhéroes del cómic como la serie televisiva HÉROES o las películas LOS INCREÍBLES, JUMPER y HANCOCK, más HELLBOY 2, BATMAN THE DARK KNIGHT y HULK, estas tres últimas a estrenar este año, más las próximas adaptaciones de WATCHMEN y THE SPIRIT, ambas para 2009, y lo que te rondaré morena. Y obtendremos unos añitos más donde está claro que el cómic va a ser lo más en Estados Unidos, y por tanto también en el resto del mundo desarrollado.

El cine y la televisión mirando hacia la mina de ideas que hay en el cómic. Reportajes en el diario que más vende en este país titulados "Se desata la supermanía" o que comienzan de esta guisa: "La pasión por los superhéroes se ha colado en el Museo Metropolitan de Nueva York. El museo presentó ayer Superheroes: Fashion and Fantasy (Superhéroes: moda y fantasía), una exposición que demuestra cómo el colorido del género fantástico ha influido en la pasarela".

¿Hacia dónde irá esta tendencia? ¿Quizás, a lo mejor, es posible, a que el medio cómic en general atraiga a muchos más lectores? No hace falta ser un lince para apostar a que sí. Desde otro flanco, la novela gráfica, the next big thing en el mundo literario, lleva unos cuantos años consiguiendo tacita a tacita un buen nicho de mercado que además sigue en avance (y me estoy refiriendo a grandes editoriales literarias) gracias a los Ware, Clowes, Burns, Thompson, Satrapi y cía., un mercado donde también hay sitio para autores europeos, entre ellos españoles. Grandes cadenas como FNAC amplían la superficie destinada a los cómics, y los lucen bien en sus escaparates (la única sección que ha aumentado significativamente sus ventas en el último año ha sido precisamente, sí, la de cómic). Las universidades, la prensa general, los responsables de cultura en los diarios, los gestores de museos y blibliotecas, se preguntan que está pasando en el mundo del cómic y buscan a gente que sepa para escribir del tema, a profesores, a expertos que puedan asesorarles o dar cursos, asignaturas y seminarios sobre tebeos. Etcétera. No me invento nada de lo que estoy diciendo aquí ni lo digo por decir.

Mientras tanto, en el otro extremo de la galaxia, algunos aficionados se quejan de lo mal que lo están haciendo TODOS los directores de cine al adaptar sus tebeos favoritos (en algunos casos en base a simples fotos de rodaje porque las películas aún no existen), o de cómo "infantilizan" tebeos que en origen eran infantiles (y a mucha honra), o de que los "pervierten" (¿Igual que Isabel Coixet ha hecho en su última película con una novela de Philip Roth, quizás? ¿O igual que Orson Welles lo hizo con Shakespeare?), o de no sé cuántas calamidades más. Ay, qué duro es ver cómo las cosas que antes sólo conocían y sabían apreciar los "iniciados" como uno mismo pasan a ser de dominio público. Si es que nunca diluvia a gusto de todos...

Desde luego, Grant Morrison. Va a ser increíble.

LA PAREJITA A LA TELEVISIÓN

El pasado 15 de abril comenzó la producción de una serie televisiva basada en LA PAREJITA de Manel Fontdevila. Serán 65 episodios de 5 minutos en formato sit-com donde Alicia Rubio y Alejandro Cano encarnan a Emilia y Mauricio, los personajes protagonistas del cómic. Dirige Pep Anton Gómez y la producción ejecutiva es de J.L. Martín (El Jueves) y Jaume Banacolocha (Diagonal TV).

Con los mismos productores ejecutivos se está realizando otra serie, MAMÁ CARLOTA, creada por el equipo de El Jueves, protagonizada por la actriz Rosario Pardo y dirigida por Pep Anton Gómez. Serán también 65 episodios de 5 minutos.

Ambas producciones estarán listas para ofrecerse a cadenas de televisión (y operadoras de telefonía móvil) antes del verano.

ACTUALIZACIÓN

En El Mundo
En El País
En Viñeta 20
En Público

QUISIERA PODER ESCAPAR, PERO...

Absence enlaza este blog y le devuelvo el enlace no tanto por agradecerlo (que también) sino porque su galería sobre el Superman más loco, fantástico y memorable -versión mejicana de Editorial Novaro- es sencillamente espectacular. En El blog ausente

HUMOR AMARILLO

Ya le vale al crítico de cine decir que en el discurso de la película no hay sentido del humor. Otros aspectos serán más discutibles y según gustos, pero QUE NO TIENE SENTIDO DEL HUMOR...





ACTUALIZACIÓN

La escena oculta tras los créditos finales (gracias, Manolo):

DE REPENTE, LO HAN DESCUBIERTO.

"El medio gráfico transforma en accesibles cosas difíciles. Además, con estas novelas gráficas no sólo estamos contando la historia, sino que podemos influir en cómo las nuevas generaciones escudriñarán el pasado". Así lo piensa el editor Thomas Lebien, que impulsó a Hill & Wang [editorial de After 9/11: war on terror (2001- )], de Sid Jacobson y Ernie Colon] a incluir novelas gráficas de no ficción hace dos años. Según Lebien, este género está viviendo un fuerte auge debido al interés creciente de los lectores de libros "que con este tipo de publicación han descubierto el cómic; de repente les parece algo serio", y también gracias al interés de escuelas, universidades y bibliotecas. (...) Para Paul Buhle, profesor de historia en la Brown University, esta eclosión actual tiene una explicación evidente. "El tebeo comenzó a ser apreciado entre los críticos hace una década. Eso lo ha legitimado entre los editores. Y en el mundo académico, donde los estudiantes cada vez leen menos, las novelas gráficas son una bendición porque se expresan de una forma que a esta generación tan visual le resulta más fácil captar".

(...) ¿Hablar de historia en viñetas no significa simplificarla demasiado? "Los jóvenes no saben nada de historia. Si para algo sirven los cómics es para estimular a los estudiantes a que lean más. Y, en mi experiencia, esto ocurre".

Tebeos que dan lecciones de historia

HISTORIETAS PODCAST 24

Primera entrega de la serie de grabaciones de Historietas Podcast durante el 26 Salón del Cómic de Barcelona:

En primer lugar tenemos a Rafel Porta, de SD Distribución, que nos explica el punto de vista de una distribuidora de cómics. Después tenemos una entrevista con Sergio Bleda, que presentaba la edición especial 10º aniversario de "El baile del vampiro" con Aleta, y nos muestra su visión sobre los autores de cómic en España, aparte de comentarnos algunos de sus próximos proyectos.

(Más Bleda: El Baile del vampiro)

CONFIRMADA

La Audiencia Nacional confirma la sentencia contra El Jueves. Hay voto particular de 4 magistrados (de los 20 totales) discrepante con la mayoría del Pleno, que creen que los acusados ejercieron el derecho a la libertad de expresión:

En el voto discrepante se señala que la legislación referida a la protección del honor y la propia imagen da un trato diferente a la caricatura de las personas que ejercen un cargo público, cuya utilización se permite "de acuerdo con los usos sociales", poniendo de relieve que "una cosa es la propia imagen, bien constitucional, y otra la caricatura de los personajes públicos".

Además, se hace hincapié en que el tema de la viñeta era de interés público porque sus autores pretendían expresar "lo inadecuado" de la medida del Gobierno de conceder una subvención de 2.500 euros por el nacimiento de un hijo, independientemente de la situación económica familiar.

Por tanto, la aparición en la viñeta de Felipe de Borbón y su esposa "era pertinente e idónea para expresar la opinión que querían transmitir" Torres y Fontdevilla, y se considera que la sentencia "carece de consistencia argumentativa" cuando dice que la imagen de los Príncipes "era gratuita e innecesaria".

Los magistrados contrarios al fallo judicial subrayan que la opinión pública libre "es la sustancia de la democracia" y la crítica política "realiza el necesario control y el cuestionamiento de las instituciones".

También destacan que "no puede admitirse" en una interpretación constitucional que se produzca una mayor limitación de la libertad de expresión cuando la crítica se dirija al Rey o al Príncipe.

Sobre la posición de los Príncipes, manteniendo relaciones sexuales, los cuatro magistrados consideran que se trata de una "ficción caricaturesca" que no debe ser valorada "moralmente" y afirman que "no hay zafiedad objetiva en representar a una pareja en el goce sexual".

¿NO ME RECONOCE, DOCTOR?

SUPERMAN #330, diciembre de 1978, de la época en que DC intentaba "racionalizar" todas las superfantasías de Superman para que no pareciesen tan infantiles. Supongo que eran los 70 y su realidad sudorosa y cruda (que viene de crudo, el de los barriles), o que los fanboys se hacían mayores y necesitaban algo más acorde a su edad. O la poderosa influencia que venía ejerciendo el modelo Marvel desde hacía más de una década, o, quizás también, que era el año en que usted creyó que un hombre podía volar (ese mismo mes, diciembre de 1978, se estrenaba en USA la película de Richard Donner).


-LANA... ¿CREES AHORA QUE SOY CLARK KENT?
-¡POR SUPUESTO QUE NO! ¿POR QUÉ CLASE DE IDIOTA ME TOMAS? ¡CLARK KENT ES ASÍ!

REVELADO AL FIN... ¡EL ASOMBROSO SECRETO DE CÓMO SUPERMAN ENGAÑA AL MUNDO CON
SU IDENTIDAD DE CLARK KENT!

(¡UN SECRETO AMENAZADO POR LOS SINIESTROS PLANES DE SPELLBINDER!)

La portada era, evidentemente, del soberbio Ross Andru (tintas de Dick Giordano), que dibujó muchas otras para Superman en esa época. En el interior estaba la historia que nos interesa ahora, EL MAESTRO HIPNOTIZADOR DE METRÓPOLIS, guión de Martin Pasko, dibujos del clásico Curt Swan y tintas de Frank Chiaramonte. La cosa empezaba con un satélite que se salía de su órbita y caía directamente hacia el edificio donde Clark Kent trabajaba -que no era el Daily Planet porque en esa época el periodista trabajaba en la televisión- mientras Lois Lane, Lana Lang y Jimmy Olsen empezaban, todos a la vez, a meterle prisa a Clark para que se cambiara, se quitara de una vez esas "gafas falsas y ese traje tonto", echara a volar y detuviera la amenaza. Superman se despertaba sobresaltado de lo que en realidad había sido un sueño, o pesadilla, y se levantaba desvelado a mirarse en el espejo. De repente y después de tantos años de que los lectores se preguntasen lo mismo, nuestro héroe caía en la cuenta de cómo era posible que la gente no se percatara de que Clark Kent era Superman simplemente por las gafas que llevaba. "¡...Y si hay algo de verdad en ese sueño! ¿De verdad es tan malo mi disfraz de Clark Kent? Incluso aunque cambio la voz ligeramente cuando finjo ser Clark... ¿De verdad que mi doble identidad puede ser descubierta tan fácilmente?"


"Mmm... ahora que me paro a pensarlo... ¡Es el disfraz más tonto que haya visto nunca!"
"Oh-oh, Superman usando gafas, ¡eso es lo que parezco!"
"¿A quién intentaba tomarle el pelo cuando me imaginé este disfraz ridículo?"
"Mmm! "¡Chico, eso es!" "Era Superboy cuando me inventé lo de las gafas! ¡Un crío joven, ingenuo! No supe imaginar nada mejor!"

¿DE VERDAD ES TAN MALO MI DISFRAZ?
A lo largo de la historia de Superman se han dado varias explicaciones para justificar cómo era posible que funcionase "el disfraz más tonto que hayamos visto nunca", algunas mejores y otras peores. En los tebeos y sus personajes de tinta y papel impreso estas cosas podían ser verosímiles (aunque Christopher Reeve, un actorazo de carne y hueso, supo hacernos creer que Superman y Clark eran dos personas distintas), especialmente cuando nadie se las cuestionaba y la situación se daba por hecha al lector sin mencionarse siquiera en las historias, que es lo que hicieron de buen principio Jerry Siegel y Joe Shuster cuando crearon al personaje. Una de las explicaciones más sencillas para la efectividad del absurdo disfraz de Clark (juraría que fue de John Byrne en su refundación del personaje en 1986, aunque a lo mejor ya se había usado con anterioridad) era el hecho de que la gente no tenía por qué imaginar que Superman tenía una identidad civil secreta. En el episodio que comentamos, precisamente, se daría otra explicación. Volviendo a la trama de la historia, mientras Superman se cuestionaba ante el espejo su propio statu quo de tantos años, casi como tomando conciencia de su propia condición de personaje de tebeo (casi, aún faltaban años para que aterrizara Grant Morrison en DC y en ANIMAL MAN), el supervillano Spellbinder llegaba a Metrópolis y usaba sus poderes como hipnotizador. Para contrarrestar la amenaza, Superman se veía obligado a usar su super-hipnosis (un vestigio de la Edad de Plata) dando una orden a todos los ciudadanos de Metrópolis para resistir cualquier orden hipnótica. La orden la emitió desde esta particular "televisión de plasma":



El nudo de la trama llegaba cuando, a continuación, Lana Lang pillaba a Superman in fraganti mientras se cambiaba


...pero Lana no le reconocía como Clark. "Perdona mi curiosidad, Superman, pero ¿por qué llevas esas gafas? ¿Y ese traje?"
("¿¡¿Queeé?!? ¿Lana no me reconoce como Clark Kent?? ¡Es absurdo!")


Cuando Superman admite desconcertado e indefenso su disfraz civil a Lana, ésta no se lo cree y porfía en que Clark no se parece en nada a Superman. "¿Ese se supone que es Clark? ¡Vamos, cariño! Admito que hay un parecido superficial.. Pero tú eres de complexión demasiado fuerte... ¡y también demasiado guapo! ¡No... olvídalo! No te pareces en nada a Clark!"


EL MAESTRO HIPNOTIZADOR DE METRÓPOLIS
Tras la rocambolesca escena, Superman volvía a enfrentarse a Spellbinder no sin antes hipnotizarse a sí mismo para ser inmune a la hipnosis del villano. Incomprensiblemente, el truco no funcionaba y Spellbinder hacía creer a Superman que había perdido sus poderes, ganaba la pelea y se marchaba. Pero Superman ya había descubierto el truco de Spellbinder y también su propio pastel, aunque por supuesto todavía no lo revelase ante el lector. Suspense. Primero tenía que derrotar al villano al haberse percatado de que hipnotizaba mediante el sonido y no a través de poderes visuales, y luego, por fin, Superman nos ponía al tanto de por qué los demás le veían diferente cuando era Clark:


Por su propio poder hipnotizador inconsciente, intensificado por un objeto inesperado. He aquí por qué nadie veía el parecido entre Supes y Clark:



Las gafas. Pero las gafas de Clark Kent no eran unas gafas cualquiera. Superman, lo explicaba a continuación, se hizo las lentes con el plexiglás de la claraboya de la nave que le trajo de Krypton para que fueran indestructibles. Alguna "propiedad desconocida" del plexiglás kriptoniano de las gafas intensificaba el efecto hipnótico de baja intensidad que proyectaba Superman de forma inconsciente; sin saberlo, Superman usaba constantemente su super-hipnosis cuando adoptaba la identidad de Clark Kent para aparentar ser más débil y frágil de lo que era. Un efecto hipnótico que, reforzado por las gafas especiales, hacía que cuando la gente miraba a Clark no le viera tal como era, sino como... "¡la imagen de Clark que intentaba proyectar!"


Como Superman había hipnotizado a todos los ciudadanos de Metrópolis precisamente para resistir cualquier orden hipnótica, sin saberlo había neutralizado su propia hipnosis inconsciente. Por eso Lana, bajo los efectos de esa orden, cuando le pilló cambiándose no vio al Clark que solía ver sino a alguien "distinto", concretamente a Superman con gafas y corbata. Pura lógica DC.

En fin, como dice uno de los blogers de los que sacado el material (aquí el otro), en la historia hay agujeros por los que podría volar el superperro Krypto, pero las dos tramas cruzadas de hipnosis, el embrollo seudopsicoanalítico y la idea de que Superman usara sus poderes inconscientemente para parecer alguien diferente cuando era Clark Kent me siguen pareciendo absolutamente fascinantes. Por lo visto, la idea primigenia no era del guionista Martin Pasko: la dio un fan que escribía constantemente al correo de la redacción, un tal Al Schroeder III. Y algo parece tener esta historia porque, si buscas en internet el episodio, aparece comentado y recordado por los aficionados en un número sorprendente de sitios. Llevaba tiempo acordándome de ella, sobre todo porque no la conservo y me hubiera gustado hacerlo. La leí de chaval, en retapados de Bruguera que vete tú a saber dónde y por cuánto dinero se pueden conseguir a estas alturas (reedición ya). Ahora, gracias a internet, he recuperado el episodio aunque sea virtualmente.

¿QUÉ FUE DE CURT SWAN?
En realidad, recuerdo muy buenos episodios de toda aquella etapa, dibujados, igual que éste, por Curt Swan (1920-1996), dibujante omnipresente en distintas series de Superman durante nada menos que tres décadas. Lo cruel que puede ser la vida, sobre todo estando una gran compañía de por medio. Después de haber redefinido a Superman -refinando el look que le dio Wayne Boring y haciéndolo más naturalista- y haberlo dibujado a lo largo de más de treinta años fijando su imagen para varias generaciones de lectores, a mediados de los ochenta el estilo de Curt Swan se había quedado anticuado para el gusto de la época. Se daba la circunstancia añadida de que, debido al descenso general de ventas de los títulos de DC, la compañía empezó a buscar nuevos autores para modernizar a sus personajes bandera, empezando por Superman. Como es bien sabido, uno de los autores elegidos por DC para el remozo fue el (entonces) hot artist John Byrne (otro fue Frank Miller, que se encargó de relanzar a Batman primero narrando sus últimos años de carrera en EL REGRESO DEL CABALLERO OSCURO y algo después su origen en BATMAN AÑO UNO, aquí junto a David Mazzucchelli). Byrne, tras recibir la oferta de DC para relanzar sus personajes, escogió precisamente a Superman siempre que le dejaran libertad para volver a contar su origen e introducir cambios para modernizarlo. Lo hizo en la miniserie de 1986 MAN OF STEEL y luego continuó durante algunos episodios más, abandonando dos años después en el número 22 de la nueva serie.

Pero justo antes de que Byrne metiera mano al personaje, el editor Julie Schwartz acordó cerrar definitivamente la historia del Superman pre-Crisis con una "historia imaginaria" en dos partes que puso punto y final al Superman y la Superfamilia que procedían de la Edad de Plata. La historia, magnífica, la escribió Alan Moore, la dibujó precisamente Curt Swan y se tituló ¿QUÉ FUE DEL HOMBRE DEL MAÑANA? (septiembre de 1986). Después de ella, el ahora anticuado Curt Swan "fue jubilado" de Superman para dejar paso a Byrne y luego a otros dibujantes, los que ahora prefería el público. Obtuvo algunos encargos posteriores de DC, pero fueron escasos y cada vez llegaron con menos frecuencia. Sin embargo, Swan tenía 66 años, había trabajado de freelance toda su vida y no podía retirarse porque no tenía plan de pensiones ni un patrimonio que le permitiera la jubilación. Tenía que seguir trabajando para sobrevivir.

МOCKBA´ 2008

Bernardo Vergara expone en Moscú (Galería M'ARS) desde el 25 de abril; paralelamente, hay otra muestra dedicada a El Jueves. Las historietas y portadas han sido traducidas al ruso, tal y como puede verse mejor mejor en la foto de aquí a la izquierda, pincha para ampliar.

La muestra forma parte de los actos del Festival Internacional de Comics de Moscú, que se prolongará hasta el 11 de mayo. Más fotos


ACTUALIZACIÓN

Más fotos directamente desde el Festival


Anna Voronkova, una de las organizadoras, rotulando en ruso:

EL HOMBRE

¿En qué consistía su trabajo?
Era responsable de todo lo que publicábamos, escribiendo o comprando historias a terceros. También era director de arte, ya que los dibujos tenían tanto peso dramático como la historia en sí. Durante 20 años hice todo lo que mi jefe me pedía; básicamente, repetir fórmulas de éxito. ¿De vaqueros? Pues de vaqueros. ¿De guerra? Pues de guerra, de terror, de todo, vamos, menos arriesgarse a crear algo nuevo.

No lo recuerda muy alegre, ¿pensó dejarlo alguna vez?
Creía que perdía el tiempo, aunque toda esa experiencia fue luego vital para mí y Marvel. Siempre le decía a mi mujer: «Unas semanas más y me voy». Entonces lograba un aumento o surgía algún proyecto para nuevas revistas y recuperaba el interés. El tiempo fue pasando, un día eché cuentas y resulta que llevaba allí 20 años. Ahora, sí que quería irme. Martin quería historias cada vez más simples, para niños o adultos poco inteligentes [risas]. Prohibido palabras de más de dos sílabas, simplificar al máximo los argumentos, nada de historias de varios números... Él pensaba que los lectores no eran capaces de recordar el hilo de un mes para otro. ¡Imagínese!

(...) ¿Qué método seguían, como se organizaban?
No escribía estrictamente un guión. Le contaba mi idea al artista y les dejaba dibujar. Yo los coordinaba y, cuando acababan, agregaba los textos, era la única forma de sacar tantos álbumes. Todos ganamos, eso hizo mi vida más fácil, ellos desarrollaron su talento y las historietas mejoraron.

¿Hasta cuándo llevó ese ritmo de trabajo?
En 1970 me nombraron director, contraté escritores y editores y empecé a pasar más tiempo dando conferencias y entrevistas. Pasé a ser una especie de portavoz de Marvel.

Muchos de los que trabajaron con usted le acusan de quedarse con todo el crédito de esos personajes de Marvel.
Siempre he dicho que soy coautor. Junto con Ditko creé Spider-Man; con Kirby, Los 4 Fantásticos, Hulk...; Iron Man, con Don Heck. Los periodistas me presentaban como "el creador de Spider-Man" y demás. Ditko o Kirby lo leían y se enfadaban, pero no era culpa mía. Sin ellos, nada hubiera sido igual.

Kirby era uno de los grandes dibujantes de la época. Para algunos, el más importante de la historia del cómic.
Totalmente de acuerdo. Era el mejor. No importa lo rápido que dibujara, todo lo que tocaba era bueno.

¿Y Ditko –«la figura más misteriosa en la historia del cómic», se dice de él–, cómo era en las distancias cortas?
Sí, era una persona muy cerrada. Siempre evitó la publicidad, las entrevistas, es muy suyo.

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Stan "the man" Lee, entrevistado por Fernando Goitia en el XL Semanal de la semana pasada. Un amigo me avisó ayer del reportaje, que ocupó la portada del suplemento y ocho páginas interiores (recordemos que El Semanal se distribuye por toda España acompañando a numerosos periódicos del Grupo Vocento).

Stan Lee, 85 años, director creativo de Marvel durante sus años más brillantes y cocreador de Los 4 Fantásticos, Spiderman, Los Vengadores, Iron Man, X-Men y un largo etcétera. Junto a él, dibujantes como Jack Kirby o Steve Ditko crearon los personajes e historietas de mayor éxito de su carrera. La entrevista es larga y tiene además momentos bastante graciosos.

PADRES DESESPERADAMENTE INEXPERTOS

Manel lleva contando en El Jueves, semana a semana y desde 1995, las vivencias de una joven pareja en clave de costumbrismo humorístico. No hace mucho, después de pasar por todas las etapas típicas de las Jóvenes Parejas Nunca Sobradamente Preparadas, Emilia y Mauricio decidieron dar el el paso de ser papás. Y ha sido en esta etapa donde para mi gusto se hallan las mejores páginas de la serie, al menos hasta el momento. Buena parte de ellas, más algunos extras, están recogidas en el recopilatorio