ASTERIOS POLYP

Parece que hasta David Mazzucchelli ha caído rendido a la influencia de Chris Ware. Esos rótulos tipográficos, esa perspectiva axonométrica... La novela gráfica, de 344 paginazas, sale en junio, edita Pantheon Books.

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En Anotaciones ya han recibido el ACME NOVELTY LIBRARY 19

EL DIBUJO / EL DIBUJO

DIBUJO FRENTE A 'CARTOONING'
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"Cartooning no es realmente dibujar, no más que hablar sea cantar… El vocabulario de los cómics es, por definición, ilimitado, la tactibilidad de una experiencia narrada en imágenes fuera de los límites de las palabras, y el ritmo en cómo se "sienten" estos dibujos cuando son leídos es donde reside el verdadero arte."

“Creo que el dibujo “trata”, o al menos el buen dibujo, de intentar ver. Lo más importante es el detalle y la mirada. Mientras que cartooning consiste en hacer que una historia funcione con símbolos... Los dibujos de cartoon -por la propia naturaleza del modo en que son usados como símbolos- en gran medida no son realmente dibujos porque la información que tienen es muy rudimentaria, o conceptual.”

“Básicamente, es mejor utilizar ideogramas que dibujos realistas. Hay una vulgaridad en mostrar algo como lo ves y lo experimentas realmente. Levanta un extraño muro que bloquea la empatía del lector.”

Lo dice Chris Ware, a propósito de la distinción que él hace entre "drawing" y "cartoon". Las citas proceden, respectivamente, del texto introductorio de Ware para McSweeney's Quarterly Concern #13, de una entrevista de Gary Groth para The Comics Journal (1997) y del libro de Daniel Raeburn CHRIS WARE (2004). Ware reserva el término "dibujo" a lo que solemos entender por dibujo artístico, un dibujo representacional, ilusionista, detallado. Como el que practica en sus cuadernos de bocetos, por ejemplo, este autorretrato de Ware de aquí abajo.


Cartooning sería, en la distinción de Ware, el tipo de dibujo que prefiere para sus tebeos: caricaturesco, sintético, simbólico, una especie de signo gráfico. Como en este personaje trasunto de sí mismo que aparece en su serie RUSTY BROWN:



Dos ejemplos más, ambos están dibujados por la misma mano. Uno procede del cuaderno de dibujos de Ware, el otro es una página de JIMMY CORRIGAN.




"Llegué a mi forma de "trabajo" como un modo de aproximación visual a lo que yo percibo que es el tono de la prosa de ficción, frente al tono que se puede usar para escribir una biografía; yo nunca haría una historia biográfica usando deliberadamente la forma sintética de cartoon que uso para escribir ficción. Trato de utilizar las reglas de la tipografía para regir la forma en que yo "dibujo", lo que me mantiene a una distancia razonable de la historia, además de ser una analogía visual del modo en que recordamos y conceptualizamos el mundo. Me imaginé esta forma de trabajar estudiando y aprendiendo de los artistas que admiro y que creo que llegaron cerca de lo que me parece la "esencia" de los cómics, que es fundamentalmente el extraño proceso de leer imágenes, no sólo mirarlas. Veo las líneas negras de los cartoons como aproximaciones visuales a la forma en que recordamos ideas generales, y bajo ellas trato de usar color naturalista para sugerir al mismo tiempo una experiencia perceptiva, que creo que es más o menos la forma en que experimentamos realmente el mundo como adultos; realmente no "vemos" más después de una cierta edad, gastamos nuestro tiempo en nombrar y clasificar e identificar y calcular cómo encaja todo junto. Lamentablemente, creo que a veces los lectores obtienen una sensación antiséptica o fría de eso, lo que sin duda no es deliberado, y es algo que tengo que admitir como un fracaso, pero también algo que no puedo cambiar completamente en este momento. (...) Me doy cuenta de que todo esto está demasiado pensado, que es un tanto dogmático y que limita de alguna forma la manera de acercarse a los cómics, especialmente si se trata de ver a mis tiras como "buenos" dibujos, porque no lo son, pero también me ha permitido finalmente llegar a un punto en el que estoy en condiciones de escribir con imágenes sin tener que preocuparme por cómo estoy dibujando algo, en lugar de eso me permite concentrarme en cómo los personajes "sienten". Yo no recomendaría este método a nadie; es solamente la manera en que yo trabajo, aunque ciertamente no creo que sea la única manera de trabajar en los cómics en absoluto." (Ware, entrevistado en 2006 por Rebecca Bengal para P.O.V. )

LOS SAVAGES

Ahora que se ha estrenado en España
esta película, he querido volver a ver el cartel que realizó Chris Ware.


Por supuesto, el póster que se ha utilizado aquí no es exactamente igual.

EL DIBUJO COMO ESCRITURA, LA HISTORIETA COMO HISTORIETA

Ware realiza además una fundamental distinción relativa al dibujo, entre "drawing" y "cartooning": el dibujo de historietas (el "cartooning") pretende la construcción de un sistema de símbolos pensado para la narración: «Pienso que el dibujo, o al menos el buen dibujo, es acerca tratar de ver. (…) Y los dibujos de historieta –por la propia naturaleza del modo en que son usados como símbolos—en buena medida no son realmente dibujos, debido a que la información que tienen es tan rudimentaria, o conceptual.» Ware utiliza el dibujo, en particular en el Jimmy Corrigan, como una escritura, una articulación de signos. Valga como ejemplo la construcción de los espacios, en particular los interiores, realizada a partir de proyecciones axonométricas, propias del dibujo arquitectónico: deja de lado la perspectiva ilusionista por un modo de representación que privilegia la claridad expositiva por sobre la mímesis. Ware, que es un enorme dibujante, propone un definitivo antídoto contra las veleidades plásticas de la historieta.

Por otra parte, las historietas de Ware se proponen de manera explícita como pertenecientes a la historia del medio: no buscan hacer sistema con la plástica, la literatura o el cine, típicos límites "hacia arriba" de la historieta. Su sistema de citas recurre a dos tradiciones, que quizás sean las más específicas de la historieta norteamericana: las historietas para la prensa de las primeras décadas del siglo y los superhéroes de la década del ’40. (...) Se trata de aquellas tradiciones que menos comparte la historieta con otras regiones de la producción cultural: ¿a qué literatura, a qué cine se parecen Little Nemo in Slumberland o Krazy Kat o, incluso, el Superman de Siegel y Shuster?

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Federico Reggiani, en un artículo sobre Chris Ware. Sigue leyendo en Tebeosfera

¿POR QUÉ?

Hablando de lo anterior (ensayo de Wivel), se me ocurre una pregunta. ¿Por qué alguien que dibuja así en su cuaderno de bocetos


dibuja de este otro modo cuando hace tebeos?


La fotografía de arriba la he pillado del blog Anotaciones y muestra dos páginas de THE ACME NOVELTY DATE-BOOK, VOLUME TWO, de Chris Ware; aquí hay más fotos del libro. La página de cómic pertenece al RUSTY BROWN de Ware.

HIS NAME IS SAVAGE

Un póster que ha realizado Chris Ware para la película THE SAVAGES (2007, estreno en España febrero de 2008). Vía The Ephemerist, aunque yo lo he visto en Entrecomics

NEWYORKER DE ADOPCIÓN

¿Cuántas portadas para el New Yorker ha hecho ya Chris Ware? En forma de cómic, además.

(gracias, Manel)

ACME #18

Ya se puede pedir en amazon lo nuevo de Chris Ware, el ACME NOVELTY LIBRARY #18, aunque su salida se anuncia para octubre. También el mismo mes saldrá a la venta ACME NOVELTY DATEBOOK VOLUMEN 2: 1995-PRESENT.

(gracias, jmm)

WHAT IF...?

...Chris Ware hubiese dibujado MORTADELO?

UNINKED

Mientras yo he sido incapaz de acabarme el último ACME NOVELTY LIBRARY, Chris Ware no para de trabajar, esta vez como curador de la muestra UNINKED: PAINTINGS, SCULPTURE AND GRAPHIC WORK OF FIVE CARTOONISTS en el Phoenix Art Museum. Pinturas, esculturas y trabajos gráficos de cinco historietistas: Seth, Gary Panter, Ron Regé Jr., Jerry Moriarty y Kim Deitch. Arriba, el fabuloso aspecto del catálogo de la expo.

JUQUETES ACME

Juguetes diseñados por Chris Ware y montados por Niem Works
(gracias, urbs; gracias, Manolo; gracias Javier; gracias a quien quiera que me vuelva a mandar DE NUEVO el mismo enlace....)

AVISO:

ESTE NÚMERO NO ES NI DE CERCA TAN INTERESANTE COMO EL ÚLTIMO.
(...)
POR FAVOR, NO COMPRE ESTE NÚMERO SI NO ES TOTALMENTE CONSCIENTE DE ESTAS RAMIFICACIONES.


LA BIBLIOTECA DE ACME NOVELTY
EN CINCUENTA Y DOS VOLÚMENES
(VOLUMEN DIECISIETE.)
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De la contraportada y frontispicio interior de ACME NOVELTY LIBRARY #17, de nuestro loco favorito.

LA NARRATIVA TRADICIONAL YA NO RESPONDE A NUESTRA PERCEPCIÓN DEL MUNDO

El mundo se mueve hacia alguna parte, y el arte no tiene más remedio que acompañarlo. Las formas narrativas tradicionales han sido superadas por los acontecimientos, diría yo. Cada día más el mundo real me parece fragmentario, a menudo incoherente, inconexo, funcionando desordenadamente en direcciones contradictorias, sin rumbo ni plan. Por eso pienso que los discursos artísticos compactos y cerrados -planteamiento, nudo, desenlace- ya no responden a nada real hoy en día. Se les nota la fabricación, el artificio, la mano del autor disponiendo las cosas para hacerlas cuadrar. Lo vemos cada día en el cine, en la tele, en las novelas, en todas partes. ¡Todo falso! ¡¿Cómo podemos hacer novelas que cuadren si apenas nada cuadra en la realidad?! Claro, la narrativa tradicional siempre es eficaz y funcional como mecanismo, pero algo en ella hace aguas: ya no es capaz de expresar el mundo tal como es ahora.

Esto es lo que me respondía Max cuando le pregunté hace unos meses (en breve colgaré aquí la entrevista completa, ya publicada parcialmente en la revista Rock De Lux) sobre las razones de esa intención suya en BARDÍN EL SUPERREALISTA (La Cúpula) de alejarse de la narrativa tradicional del cómic adulto, e incluso de formas literarias de la novela o relato tradicional, usando personajes contenedor -sin verdadera personalidad ni pasado, sin una psicología realista-, recurriendo a lo fragmentario y evitando las tramas argumentales clásicas. Pues bien, hace poco me encontré con estos pasajes de LACRIMAE RERUM. ENSAYOS SOBRE CINE MODERNO Y CIBERESPACIO (Debate) donde Slavoj Zizek aborda un asunto parecido:




Cuando leí eso de "¿Y no parece también como si hoy día nos acercarámos a un umbral de este tipo?", pensé ¡Desde luego que sí!
"Una nueva 'experiencia vital' está en el aire", continúa explicando Zizek en las páginas que he escaneado, "una percepción de la vida que rompe los límites formales de la narrativa lineal y convierte la vida en un flujo multiforme: el carácter azaroso de la vida y las versiones alternativas de la realidad parecen imponerse incluso en el dominio de las ciencias 'duras' (la física cuántica y su interpretación de la Realidad Múltiple, el proceso enteramente contingente que ha impulsado la evolución de la vida en la Tierra: tal como expuso Stephen Jay Gould en 'La vida maravillosa', los fósiles de Burgess Shale prueban que la evolución podría haber tomado un camino totalmente distinto). [...] Esta percepción de la realidad como uno de los resultados posibles -a menudo ni siquiera como el más probable- de una situación 'abierta', [...] choca implícitamente con las formas narrativas 'lineales' que dominan tanto en el cine como en la literatura: parece reclamar un nuevo medio artístico para el que todo esto no sea una excentricidad, sino su modo 'propio' de funcionar". Para Zizek, ese medio va a ser, es ya, el hipertexto del ciberespacio con sus vínculos y múltiples ventanas (WINDOWS ON THE WORLD, se titulaba un libro de moda de Frédéric Beigbeder; 100th WINDOW, se llamaba un reciente disco de Massive Attack). Pero me parece que el cómic también lo va a ser, lo es ya de hecho. O al menos lo es en algunos autores que han comprendido intuitiva o racionalmente esta nueva percepción del mundo contemporáneo, y consecuentemente se afanan en trasladarla al modo en que realizan sus cómics: dejando aparte el ejemplo obvio de las propuestas sobre cómics on line de Scott McCloud, en el cómic impreso existen autores de ahora mismo en los que resulta evidente el esfuerzo por trascender la narrativa lineal/tradicional, aprovechando precisamente las posibilidades y recursos del cómic.

Sobre la página de cómic y a diferencia del cine tenemos varias imágenes (viñetas) distintas y no una sola, el ojo puede fácilmente deslizarse sobre ellas, volver atrás o adelante, arriba o abajo; esto no es texto escrito, o no SÓLO texto escrito, las imágenes no tienen por qué "leerse" en un único sentido para tener algún sentido, las imágenes se significan POR SÍ SOLAS, incluso aisladamente. Ahí están muchas de las páginas de Chris Ware, que pueden leerse de varias maneras y en diversos sentidos de lectura, páginas en las que también podemos encontrar saltos temporales de hasta varios siglos, y ello no impide la lectura ni parece demasiado "excéntrico" sino casi natural. Por supuesto, el que dice Chris Ware dice todos los demás autores que están explorando ahora mismo los caminos de narrativa fragmentaria y no-lineal que él ha abierto, desde el Daniel Clowes de ICE HAVEN (Mondadori), donde de repente te encuentras una historieta con un personaje de la prehistoria (y con un look pop totalmete reconocible, el de Pedro Picapiedra, pero ése es otro tema) y de su obra maestra THE DEATH-RAY (Fantagraphics, aún inédito en España) al Kevin Huizenga de GANGES (Sins Entido), pasando por el (muy fallido) Art Spiegelman de SIN LA SOMBRA DE LAS TORRES (Norma), el BARDÍN del propio Max o la SÚPER PUTA que lleva tiempo realizando Manel Fontdevila, inédita por el momento.

Leyendo la respuesta de Max y ahora a Zizek, de repente he comprendido el éxito que ha tenido en la narrativa literaria el estilo W. G. Sebald y también, por qué no, las razones por las cuales es justo ahora cuando mejor se puede entender y disfrutar la narrativa de las LOCAS de Jaime Hernandez (La Cúpula): fragmentaria, no-lineal e insatisfactoria-->en sus historietas se escamotean cantidad de pasajes importantes de la vida de los personajes, hay saltos "cuánticos" hacia atrás y hacia adelante, hay incluso "correcciones" al pasado ya narrado de los personajes (lo que creíamos conocer no sucedió así sino de otro modo que ahora nos es revelado: nuestros "recuerdos" traicionan la realidad de los hechos, como también sabemos ahora por la ciencia). En Jaime tampoco parece haber nunca "finales" cerrados ni "soluciones" a los conflictos planteados-->las soluciones satisfactorias suelen ser en realidad clichés narrativos tradicionales (y nos "satisfacen" precisamente porque estamos acostumbrados a ellos al haberlos visto antes, los reconocemos confortablemente, incluso los esperamos), clichés de los que Jaime, igual que su hermano Beto, huye como de la peste, y de ahí esa cierta incomodidad que suele provocar la lectura de sus tebeos. En las historias de LOCAS, de un modo equivalente a la vida del hombre contemporáneo, nada parece acabar nunca, nada se cierra nunca enteramente, todo parece seguir abierto dentro de un mundo de múltiples y a menudo agobiantes posibilidades alternativas. ¿PERMANENTE INSATISFACCIÓN, podrían ser las palabras mágicas para definir nuestro estado mental actual, probablemente a causa del "exceso" de información sobre el mundo y sobre nosotros mismos ("exceso" de autoconsciencia)?

Sí, quizás es por todo esto por lo que hace veinte años el mundo aún no estaba preparado para leer a Jaime Hernandez, alguien demasiado adelantado a su tiempo en el modo de hacer las cosas. Sólo ahora es cuando la época ha alcanzado a los Hernandez Bros., y quizás por eso es ahora cuando su obra se reedita en formato lujoso (el de Fantagraphics, claro, no el de La Cúpula) y se reivindica como una de las más relevantes para el cómic mundial de los últimos 25 años.

CON PALABRAS

Llegué a mi forma de “trabajar” como una manera de aproximación visual a lo que sentía que era el tono de la ficción en prosa frente al tono que uno debería usar para escribir biografía; nunca haría una historia biográfica usando deliberadamente la forma de dibujo sintético que uso para escribir ficción. Trato de usar las reglas de la tipografía para dominar la forma en que “dibujo”, lo que me mantiene a una sensible distancia de la historia, además de ser un análogo visual de la forma en que recordamos y conceptualizamos el mundo. Conseguí este método de trabajo aprendiendo de y mirando a artistas que admiraba y de los cuales pensaba que se habían acercado más a lo que me parecía ser la “esencia” de los cómics, que es fundamentalmente el raro proceso de leer dibujos, no sólo mirarlos. Veo las líneas negras de los dibujos como aproximaciones visuales al modo en que recordamos ideas generales, y trato de usar un color naturalista bajo ellas para sugerir simultáneamente una experiencia perceptiva, que creo que es más o menos el modo en que realmente experimentamos el mundo como adultos; en realidad ya no “vemos” a partir de una cierta edad, empleamos nuestro tiempo en nombrar y categorizar e identificar y decidir cómo encajan todas las cosas.
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Chris Ware, traducido por Entrecomics.

SIN PALABRAS

Chris Ware en el NEW YORKER.

(visto en Comics Reporter)

LITERATURA WARE

No sé bien por qué ni para qué ha hecho esto Chris Ware ni tengo tiempo ahora mismo de averiguarlo; ni siquiera me acuerdo de cómo he llegado hasta esa página. Pero creo que merece un vistazo cuanto antes.

TINTÍN Y YO

Seis historietistas contemporáneos hablan sobre la influencia de Hergé, sobre la narrativa del cómic y otras cuestiones específicas del medio: Jessica Abel, Daniel Clowes, Phoebe Gloeckner, Jason Lutes, Seth y Chris Ware.

(gracias por el enlace, Juan Ignacio)

NO PIENSO EN MIS CÓMICS EN TÉRMINOS DE VIÑETAS AISLADAS

¿Cuál consideras como la mejor viñeta aislada que has dibujado hasta la fecha y cómo servía a tu narrativa?

Realmente no pienso en mis cómics en términos de viñetas aisladas, una viñeta es como una frase o incluso como una sola palabra, y al sacarla de contexto pierde interés; es lo que está antes y lo que viene después lo que hace que funcione y tenga alguna fuerza emocional, con suerte. Tampoco quiero hacer que ninguna imagen aislada tenga un peso estético especial salvo que sea por una razón muy específica; encuentro que tratar de dar por mi parte demasiada elocuencia expresiva visual, no sólo distrae de la lectura de la historia, sino que puede animar al lector a “demorarse” en una imagen y estudiar mi técnica de dibujo (lo que también, por supuesto, es una ventaja, aunque ya no lo empleo tanto).
Es la diferencia entre leer una historia potente en su forma manuscrita original (con todas sus correcciones y tachones y escritura frenética) y leer una versión cuidadosamente mecanografiada; la historia por sí misma puede que comunique algo con gran violencia y confusión, pero esa confusión se transmite a través del significado de las palabras, no del desorden de la escritura a mano. (Supongo que eso se relaciona con tu anterior pregunta, si puedo decirlo sin caer en la pedantería.)

(...) Ni que decir tiene que ser incluido en una exposición [MASTERS OF THE AMERICAN COMICS] con Schulz y Herriman y Spiegelman me desorienta bastante, porque he crecido reverenciando e imitando flagrantemente a esos artistas, y ser considerado como un “par” entre ellos me parece en cierta medida absurdo. Sin embargo creo que el objetivo último de la exposición Masters of Comics es mostrar que los cómics no son arte, pero los autores de cómic pueden, si así lo deciden, ser artistas.
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Palabra del Chico más listo del mundo, traducida además al castellano por Entrecómics (¡y olé!).

CONSTRUYENDO

Ya te puedes bajar también todo el BUILDING STORIES de Chris Ware publicado en las Funny Pages del New York Times. En Entrecomics enlazan dos ficheros comprimidos para descargarse.

También te lo puedes bajar en un zip desde Drawn!